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Tu Web del Cine de Terror

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30 octubre 2010

Jesus Marti

Halloween 2010

Espero que esta noche lo paséis terroríficamente bien. 
Un saludo desde El Terror Tiene Forma.


29 octubre 2010

Jesus Marti

Lucio Fulci, el maestro del horror (Parte 2)

Lucio Fulci, Maestro del horror Parte 2
En el anterior artículo comentamos los inicios de Fulci y su primer éxito a nivel mundial, ahora vamos a adentrarnos en su época más prolífica, intensa y excitante.
En 1979 la película Dawn of the Dead (El Amanecer de los Muertos) de George A. Romero, remontada y retitulada Zombi por Dario Argento, esta arrasando en las taquillas de todo el mundo. Siempre con la mirada puesta en los éxitos comerciales americanos, tres productores Italianos (Fabricio de Angelis, Ugo Tocci y Gianfranco Couyoumdjian) deciden hacer una película que explote el tema de los muertos vivientes, una vez acabado el guión, titulado con todo el morro del mundo Zombi 2 / Nueva York Bajo el terror de los Zombi , intentan contratar como director a Enzo Castellari pero las elevadas pretensiones económicas del realizador dan al traste con el intento, alguien menciona a Fulci, con graves problemas económicos y personales en ese momento, cerrándose el acuerdo en pocos días. La gestación del film fue rápida y el director consigue que una mera “exploitation” se convierta en una nueva e innovadora mirada al tema de los muertos vivientes, la película ofrece imágenes espectaculares que elevan la tensión en la plateas, los movimientos de cámara, rápidos y violentos, no dan lugar al respiro, las muchas secuencias gore o splatter son cruentas y explicitas pero no exentas de clase en la dirección, los recursos visuales y narrativos son amplios y espectaculares, en fin la película se convirtió en un fenómeno de masas a nivel internacional y los productores ganaron cantidades espectaculares  de dinero, De Angelis, queriendo asegurarse una continuidad, firma un contrato con Fulci para producirle 5 películas más respetando el equipo técnico de colaboradores que habían obrado el milagro. Hay que destacar el trabajo de Fulci y de su equipo para evitar, conscientemente, caer en una parodia fácil y gratuita de la peli de Romero, ya desde el principio se desmarcan de la original situando la acción en un lugar “paradisíaco” (Santo Domingo) en clara oposición al rollo totalmente urbano y consumista de Zombi (supermercado), evitan en todo momento la carga critica y social sustituyéndolo por una historia clásica de vudú y mad doctors, los zombis son más escalofriantes y sus ataques más virulentos, la violencia es mucho más contundente y visceral usando el truco del primer plano en muchas ocasiones, para de esta manera, provocar al espectador y atrapar toda su atención. La película no es redonda, pero funciona muy bien, los errores de ritmo o dirección quedan rápidamente olvidados pues, en este caso, las virtudes superan claramente a los defectos.
    
La siguiente película fue Luca il Contrabbandiere / Luca el Contrabandista (1980),  alejándose momentáneamente del cine de terror el director realiza un thriller clásico, al estilo Fulci por supuesto, basándose en los enfrentamientos de bandas mafiosas y a pesar de ser una obra menor dentro de la filmografía del director, la película resalta por la violencia obsesiva recreada en numerosas partes del largometraje, las escenas violentas se suceden sin pausa: a una traficante le queman lentamente el rostro con un encendedor, la explosión del estomago de un mafioso por efecto de un disparo de rifle, la brutal sodomización de la esposa del protagonista y un amplio catálogo de cráneos y cuerpos destrozados por disparos que convierten a la película en un directorio de crueldades varias entre las que Fulci se mueve como pez en el agua. Fabio Testi en su papel de Luca esta muy convincente, también resaltaremos la perfecta banda sonora de Fabio Frizzi. Como curiosidad añadir que el propio Fulci realiza un cameo en el tiroteo final.
una obra llena de altibajos pero con el sello de Lucio Fulci
Como no podía ser de otra manera Fulci vuelve en 1980 al género Zombi con el film Miedo en la Ciudad de los Muertos Vivientes / Paura Nella Citta Dei Morti Viventi aka La Paura: Gates of Hell, ambientada en la ciudad de Dunwich (homenaje e inspiración en el mundo de H. P. Lovecraft). El film se inicia con el suicidio de un sacerdote (otra vez el catolicismo es el detonante del horror) que desencadena la apertura de las puertas del infierno y hace que los muertos vuelvan a la vida. La película, no tan conseguida como Zombi 2, tiene un guión, una dirección y unos diálogos extraños e incoherentes, provocando la sensación de estar viendo una sucesión de imágenes, en ocasiones absurda, que desorienta al espectador. Muchas de las situaciones o secuencias presentadas en el film carecen de respuesta aparente, dotando al largometraje de un ritmo lánguido y cansino, que no favorece la visión de la misma. No obstante el film es, en muchos momentos realmente turbador, la apuesta del director por crear secuencias de imágenes surrealistas y fascinantes en detrimento de una línea argumental clara es muy efectiva, convirtiéndose en todo un festín para los fans de Fulci y del cine de terror en general. Las escenas sádicas, escabrosas y gore no defraudan a nadie e incluso, dando una vuelta de tuerca, se podría pensar que el director intenta rodearlas de un aura irreal y misteriosa, consiguiendo de esta manera un mayor impacto emocional en el espectador. Fulci recrea con cariño esa atmósfera irreal durante toda la película, no gasta sus energías en diálogos o escenas coherentes que puedan distraer al espectador, prefiere concentrarse en lograr reacciones emocionales, no importa la manera importa el fin, esa es la conclusión lógica después de visionar la película. 
la obra maestra de Lucio Fulci
Después de dirigir la decepcionante Il Gatto Nero / El Gato Negro (1980) basada en la obra de Edgar Allan Poe, Fulci se embarca en la que para mí es su mejor película en el género sobrenatural o de horror. L’Aldila aka The Beyond / El Más Allá (1981) es un ejercicio de estilo, perturbador y malsano, que recoge todas las obsesiones y fijaciones de Fulci y las multiplica hasta el infinito.
La sinopsis de la película es la siguiente: Louisiana, años 20. Un pintor llamado Schweick (Antoinne Saint-John) que vive en un viejo hotel y es conocido por los alrededores como adorador del diablo, es torturado y emparedado junto a sus obras por una horda de lugareños. 50 años más tarde, Loza Merril (Katherine McColl), una joven e independiente mujer, hereda la propiedad. Pronto inicia las obras de restauración del viejo edificio, descubriendo rápidamente que el hotel guarda un terrible secreto: es una de las siete entradas al infierno que existen repartidas por todo el planeta. Con la ayuda del Dr. John McCabe (David Warbeck) intentara desentrañar los misterios que rodean a la propiedad y sobrevivir a la pesadilla.  
Un Fulci inspiradísimo despliega en este film toda su batería de trucos y experiencia cinematográfica, la película es una constante sucesión de imágenes buscando la mayor efectividad posible y, como es habitual, sin hacer mucho caso a una posible correlación de los acontecimientos narrados, como el mismo realizador explico: “…mí idea era hacer un film absoluto. El Más Allá es un film sin argumento, no hay lógica, solo una sucesión de imágenes….”.
Me gustaría destacar el maravilloso trabajo en los Fx de Gianetto de Rossi, la inquietante y brutal banda sonora de Fabio Frizzi y la fotografía del siempre excelente Sergio Salvati, que junto a las ideas y dirección de Fulci lograron el milagro de crear una total y absoluta obra maestra del género.
El film fue todo un taquillazo y la colaboración con los productores se hizo más estrecha pero a la vez más agobiante para el director.
soberbia BSO compuesta por Fabio Frizzi
Sin tiempo para respirar el realizador se embarca en la producción de Aquella Casa al Lado del Cementerio / Quella villa accanto al cimitero (1981), otra incursión en el género sobrenatural y otro festín de gore, escenas escabrosas y obsesiones varias, intentando repetir el éxito del anterior film. De todas maneras esto ya forma parte del próximo artículo dedicado al maestro del horror.  
Un saludo a todos/as.
Enlaces a los otros artículos:
Parte 3   Parte 4            

26 octubre 2010

Jesus Marti

The walking dead

El anuncio por parte del canal Fox de la emisión del primer capítulo de la serie The Walking Dead el 5 de noviembre a las 22.50 (pocos días después de su estreno mundial) me ha llenado de alegría. Esta primera temporada consta de seis episodios de 60 m. cada uno y por lo visto en la red su lanzamiento y promoción a nivel mundial sigue las pautas del marketing de las grandes super producciones, o sea a lo grande y sin reparar gastos.  
Como entusiasta seguidor de la saga creada por Robert Kirkman tenía mis dudas sobre la fiabilidad del proyecto televisivo, por supuesto mis dudas fueron disipándose cuando me entere de que Frank Darabont (Cadena Perpetua, La Milla Verde, La Niebla ) cogía las riendas del asunto y dirigía el primer episodio, poco después tuve la oportunidad de ver las primeras fotografías, constatando que se primaba el maquillaje por encima de los efectos digitales, llevándome una muy buena impresión, recientemente e visto el trailer y para que contaros, los nervios me corroen y me muero de ganas por sumergirme en la historia.
The Walking Dead (el cómic) esta ambientada en un futuro apocalíptico donde los zombis son mayoría y los pocos humanos que quedan luchan por sobrevivir al horror de la situación, hasta aquí nada novedoso y que no hallamos visto mil veces, pero eso no es todo, para mí la grandeza de esta obra son las relaciones que se crean entre los supervivientes, su inter-actuación y sus respectivas reacciones hacia los sucesivos y devastadores ataques de los muertos vivientes que provocan, poco a poco, profundos cambios en su personalidad y manera de afrontar el horror, paralelamente esta saga también ofrece una panorámica muy realista y reflexiva sobre la sociedad. Unas declaraciones del propio Kirkman aclaran un poco sus intenciones: “….Para mí, las mejores películas de zombis no son los festivales de gore y violencia con personajes chorras y chistes cutres. Las buenas películas de zombis nos demuestran lo fastidiados que estamos, nos hacen reflexionar sobre nuestra posición en la sociedad…y sobre la posición de nuestra sociedad en el mundo. Nos muestran el gore y la violencia y todas esas cosas guays, también…pero siempre hay una corriente subterránea de comentario social y reflexión…”  
Es obvio mencionar que para mi esta obra es una de las más importantes en el mundo del cómic en los último años, es profunda, es larga, explora concienzudamente todas las posibilidades del terror y el horror y, por supuesto, la violencia es constante y poderosa.  Esta por verse si la serie televisiva consigue recrear toda la magia del cómic, pero es indudable que parten de una historia muy bien ajustada y engrasada, lo cual, estando Darabont detrás del invento, nos invita a ser optimistas con el resultado final, pues siempre ha sido un realizador al cual le gusta presentar y desarrollar a los personajes en todo su potencial y sabe contar una historia sin necesidad de muchos trucos efectistas.
Lo veremos el día 5, espero que todos os peguéis con cola a la pantalla del televisor.  
Un saludo.
   

24 octubre 2010

Jesus Marti

Lucio Fulci, el maestro del horror (Parte 1)

Lucio Fulci, uno de los directores más emblematicos de cine de terror
Lucio Fulci es uno de los directores más controvertidos del mundo del cine, aún después de su muerte, su particular visión del horror combinado con sus obsesiones y la “misoginia” que destilan todas sus películas lo siguen colocando en el ojo del huracán, sus defensores son legión pero sus detractores tampoco se quedan cortos. Para mí, Fulci es uno de los representantes más sólidos y personales del cine europeo (principalmente en las décadas ’70 y ’80), sus films pocas veces dejan indiferente, no me importa que las historias sean incoherentes, con un guión mínimo o que los diálogos sean muchas veces de patio de colegio, no me importa que los finales parezcan apresurados o incompletos sólo es importante, bajo mí punto de vista, la increíble capacidad que tenía para sumergirte en su particular visión del cine, arrastrando sin contemplaciones al espectador a un mundo muchas veces onírico e inconexo pero siempre pletórico de contundencia, crudeza y mala leche. Su manera de entender el cine entronca directamente con grandes nombres del fantástico como Tourneur, Lovecraft o el mismo King, todos ellos parten de su imaginación y fantasía para crear mundos propios con sus reglas, mitos y leyendas construyendo universos únicos y personales que invitan a adentrarse en ellos y disfrutarlos con fruición.
Fulci es uno de los exponentes más claros de la edad de oro del cine de terror europeo,  su carrera es un crisol de todos los géneros (thriller, comedia, spaghetti, drama etc…), pero donde verdaderamente resaltó fue en la variante del fantástico y es en éste género donde se puede ver al Fulci más puro e intenso. En los siguientes artículos haré un extenso repaso a su biografía y principales películas, como no pretendo repasar uno a uno todos sus films sólo comentaré aquellos que por definición estén dentro del género de terror o fantástico o bien que plasmen, de alguna manera, aspectos importantes de la personalidad de su director. Adentrémonos pues en el fascinante mundo de este maestro del terror. 
Lucio Fulci nació un 17 de Junio de 1927 en Roma. En su juventud estudia medicina y trabaja en un hospital, después de una pelea con su superior decide abandonar estas actividades, a partir de ese momento compagina labores de periodista con el ingreso en el Centro Sperimentali del Cinema de su ciudad natal Roma ( donde coincide con Luchino Visconti y Michelangelo Antonioni), una vez graduado se convierte en documentalista e inicia una fructífera carrera como guionista en colaboración con su mentor y prolífico director Steno, la colaboración es extensa pero podemos destacar las películas L’Uomo, la Bestia e la Virtú (1953), Un Giornio in Pretura (1954), Guardia, Ladro e Cameriera (1958) y Totó Nella Luna (1958). Debuta en la dirección con I Ladri / Los Ladrones, también conocida como Contrabando en Nápoles (1959) protagonizada por el cómico Totó, a la cual siguen una serie de oscuras y raras películas que no tienen distribución fuera de Italia, films como Ragazzi del Juke Box (1959), Urlatori alla Sbarra (1960), 002 Agenti Segretissimi (1964), 002 Operazione Luna (1965) o el excelente spaghetti western Tempo di Massacro / Las Pistolas Cantaron la Muerte (1966), quizás su película más conocida de esa época. Estos títulos y unos cuantos más nos dan una clara idea de la manera de trabajar de la industria italiana en esos tiempos, un caldo de cultivo excelente donde cualquier género que estuviera de moda en el mundo era inmediatamente asimilado e imitado (muchas veces aportando nuevas visiones e ideas) por sus guionistas y directores, así el Rock & Roll, el Western, las películas de agentes secretos, comedias algo subidas de tono o cine de aventuras, son exprimidas hasta la saciedad y adecuadas a la forma de pensar del público italiano.
excelente película de Lucio Fulci
En los finales de los 60 y en la década de los 70 es cuando Fulci empieza a destacar, sus incursiones en el suspense, aunque en ciertos momentos las películas también se acercan notablemente al Giallo, se inician con Una Sull’ Altra / Una Historia Perversa (1969) y Una Lucertola con la Pelle di Donna / Una Lagartija con Piel de Mujer (1971), la primera levemente inspirada en Vertigo (Hitchcock) y la segunda surgida de su imaginación, ya anuncian su gusto por lo macabro y el Splatter más contundente,  imágenes a menudo situadas en un mundo onírico poblado por visiones de perros viviseccionados, cuerpos desmembrados o cadáveres mutilados y putrefactos que anticipan lo que se convertirá en marca de fábrica a partir de ese momento. En medio de estas dos películas dirigió Beatrice Cenci / La Verdadera Historia de Beatrice Cenci (1969), este film (uno de los preferidos de Fulci) le colocó en el centro del huracán,  ambientada en la Italia medieval narra la historia real de una muchacha que asesina a su padre, un hombre poderoso y odioso con múltiples contactos en la iglesia y que la sometía a abusos psicológicos y sexuales, la chica es torturada y acaba confesando el asesinato, después de ser ejecutada el pueblo la reconoce como una mártir, el film con una carga extrema, negativa y contundentemente crítica con la Iglesia Católica, fue recibida con comentarios feroces por parte del público y fue un absoluto fracaso en taquilla, siendo prohibida durante muchos años. Beatrice Cenci es cine clásico, narrada con sucesivos flashbacks que van desgranando poco a poco la trama, el film no aburre en ningún momento y en algunos  de ellos (la escena del asesinato y la tortura) son un botón de muestra de lo que Fulci rodaría en los siguientes años.  
Por esa época el realizador recibe un golpe en su vida privada, su mujer se suicida al serle diagnosticado un cáncer.          
Una buena muestra del personal cine de Lucio Fulci
Con el film Non si Sevizia un Paperino aka Don't Torture a  Duckling / Angustia de Silencio (1972), logra una obra que se convierte en uno de los mejores Giallos de la historia del cine, recurriendo otra vez a una carga anticatólica demoledora, ya que el asesino es el cura del pueblo y su muerte es un ejercicio de justicia casi divina. La película transcurre en un ambiente rural sumamente sórdido y deprimente, en ese pueblo se suceden los asesinatos de niños y la gente del lugar ansía hacer justicia a cualquier precio, un periodista (Tomas Milian) investiga las muertes y los sospechosos se van acumulando. Es una película cruel, violenta, opresiva y muy gráfica (no se esconde nada, se enseña todo), pero no es nada gratuita, la dirección, el guión y la interpretación de los actores están perfectamente ensamblados dotando al film de una presencia poderosa y difícil de olvidar. Como ya he comentado uno de los mejores Giallos de la historia que permite al realizador entrar de lleno en su época dorada.
Ya está bien por hoy, en el siguiente artículo nos adentraremos en los años más importantes e impactantes de la carrera de este director, hasta entonces un saludo.
Enlaces a los otros artículos:
Parte 2      Parte 3      Parte 4
Jesus Marti

A serbian film / Srpski film

No lo entiendo, de verdad que no lo entiendo. La controversia creada por la película A Serbian Film recientemente proyectada en el Festival de Sitges es cuanto menos deprimente, no voy a negar que el film es duro y toca temas que a todos nos repugnan y preocupan, pero es ficción, es una película, son unos actores y un director dando vida a una historia (con más o menos acierto). Personalmente a mí me preocupa más la realidad pura y dura que nos rodea en el día a día, la violencia real que nos envuelve y, sobretodo,  la posibilidad de que esas fantasías filmadas tengan una base real, que algo tan maligno y asqueroso tenga cabida en la sociedad actual y pase completamente desapercibido. Por otro lado, también muy preocupante, tenemos a los políticos y demás huestes guardianas de la moralidad progre que sólo se preocupan de movidas intrascendentes y prohibiciones varias, diseñadas para mantenerse en sus muy bien pagados y cómodos trabajos, realizando piruetas inverosímiles para estar siempre en el candelero y evitar de ésta manera que se les pueda acusar de que no estamos en plenitud de facultades para pringar hasta los 67, en fin, supongo que es lo nos que merecemos…..
En un momento en que la crisis global es agobiante, de que ciertas prácticas políticas y sociales están obsoletas, de que nuestro derecho a la libre expresión es constantemente vulnerado, es ridículo que un film pueda crear toda esa avalancha de reacciones y lamentos, recuerdo escándalos con películas como Saló o La Naranja Mecánica que con el paso del tiempo han pasado de ser prohibidas a coronarse como obras maestras del cine, repito no es lógico ni normal lo que está pasando.
Pasemos a la película en sí, A Serbian Film nos cuenta la historia de Milos (Srdjan Todorovic), un actor porno semi retirado y ya olvidado por la industria que tiene graves problemas económicos. Una compañera de profesión le comenta la existencia de un director llamado Vukmir (Serjeg Trifunovic) que puede darle una nueva oportunidad, una vez se han reunido Vukmir le ofrece una gran cantidad de dinero por intervenir en una “innovadora” película y nuestro protagonista accede. Por supuesto la oferta tiene una parte oscura y peligrosa, a partir de ese momento una pesadilla de horror se adueña de la vida de Milos.     
La película, pasando del cebo de las escenas más impactantes y repugnantes y el sexo explicito, no puedo decir que me gustara, la considero lineal y previsible y no acabo de entender  lo que pretende el director, si alguna valoración positiva puede hacerse es la valentía de su director (Srdjan Spasojevic) en llevar a la gran pantalla su visión de la historia sin censuras o cortapisas de ningún tipo, yo recomiendo verla para acallar la curiosidad, aunque sinceramente dudo mucho de que yo la visione otra vez. En definitiva una película de género más con un par de escenas realmente desagradables y una música realmente molesta. Mi puntuación: 5 sobre 10.
Como siempre os dejo con la ficha técnica y artística del film.
Un saludo mentalmente equilibrado.



Ficha Técnica
Año: 2010
Director: Srdjan Spasojevic
Producción: Srdjan Spasojevic, Dragoljub Vojnov
Guión: Aleksandar Radivojevic, Srdjan Spasojevic
Música: Sky Wikluh
Fotografía: Nermanja Jovanov
Maquillaje: Dubravka Busatlija, Miroslav Lakobrija
Fx: Nenad Gajic, Miroslav Lakobrija
País: Serbia
Duración: 104 m.
Formato: 2.35: 1
Ficha Artística
Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Slobodan
Bestic, Ana Sakic, Katarina Zutic, Lena Bogdanovic, Andjela
Nenadovic, Luka Mijatovic, Miodrag Krcmarik, Marina Savic

18 octubre 2010

Jesus Marti

Saló o los 120 días de sodoma

Hoy toca hablar sobre la película más salvaje, dura, perversa y amoral de la historia del cine, no es de terror pero si que es terrorífica, no es gore pero si tremendamente violenta y eso me da la excusa perfecta para incluirla en este blog. La violencia y la maldad esta enquistada en el ser humano, si a esta naturaleza le añadimos una situación que permita ejercer el poder por encima del bien y del mal el resultado es monstruoso, repugnante, peligroso…muy peligroso y eso, precisamente, es lo que Pasolini nos muestra con total frialdad en este film, nunca se había visto en pantalla grande un catálogo tan grande de perversiones acompañado de una denuncia feroz, clara y abierta, contra los abusos del poder establecido. Un film escandaloso que ha pasado a la historia por lo explicito de sus escenas y lo claro de su mensaje socio-político. Adentrémonos en la pesadilla.
Basada en la novela del Marqués de Sade, la película se desarrolla en la Republica de Saló al norte de Italia entre 1944-45, durante la ocupación nazi-fascista, cuatro repugnantes hombres que representan los poderes fácticos (nobleza, clero, judicial y político) deciden recluirse en una fortaleza acompañados por sus esposas, reducidas a meras esclavas sexuales, tres alcahuetas-narradoras, una pianista, un pequeño cuerpo de seguridad y varios esclavos de ambos sexos (reclutados en los alrededores por pertenecer a la resistencia). A partir de ese momento se reunirán cada día en la sala de las historias para inflamar la imaginación de los señores y poner en práctica lo narrado. El primer círculo o parte, de las cuatro que componen la película, es el Vestíbulo del Infierno, las restantes son por este orden: Círculo de las Manías, Círculo de la Mierda y el Círculo de la Sangre. 
Es fácil intuir de qué va cada una, el director no se corta para nada y el menú que nos sirve tiene difícil digestión: vejaciones, humillaciones, flagelaciones, violaciones, coprofagía, sodomía, amputaciones, torturas y asesinatos son mostrados sin ningún tipo de censura, como un escupitajo lanzado con rabia al rostro del espectador, como un grito de rabia que nos  avisa contundentemente sobre los peligros del poder y la lujuria sin medida, Pasolini quiere que quede marcado al rojo en nuestras retinas, en nuestros cerebros y lo consigue, vaya si lo consigue. El mensaje final de la película es angustioso, no existe castigo para los culpables, amparados por sus cargos y su poder social hacen, simplemente, lo que les viene en gana, un aviso muy claro para buenos entendedores.
Esta fue la última película de Pasolini y su estreno coincidió (macabra casualidad) con su asesinato ocurrido el 3 de Noviembre de 1975.
Tal como anunciaba la publicidad de la época: “Un Dantesco descenso a los infiernos del mal, la lujuria y la muerte.” Desde luego no mentían.
Saló o los 120 Días de Sodoma es cine con Mayúsculas, de otra manera no se podría entender que mantenga la capacidad, a día de hoy, para impactar, sorprender y repugnar, manteniendo plena vigencia en todo el metraje y estando muchos escalones por encima de otros films más recientes que tienen la violencia por bandera, pero sin consistencia ni mensaje.  
Nada mejor como final de editorial que unas palabras de su creador: “Mí película esta planeada como una metáfora sexual, que simboliza de manera visionaria, la relación entre el explotador y el explotado. Tanto en el sadismo como en el poder político los seres humanos se convierten en objetos.” (Pier Paolo Pasolini entrevistado por Gideon Bachmann en 1975).
Saló fue editada en DVD en nuestro país por Vellavision SL en el año 2003 en una edición integra y con algunos interesantes extras, no es difícil conseguirla actualmente. 
Como siempre os dejo con la ficha técnica y artística.
Hasta la próxima amigos/as.

Ficha Técnica
Año: 1975
Director: Pier Paolo Pasolini
Producción: Alberto Grimaldi, Antonio Girasante, Alberto de Stefanis
Guión: Pier Paolo Pasolini, Sergio Citti, Pupi Avati (sin acreditar)
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Tonino Delli Colli
Maquillaje / FX: Alfredo Tiberi, Osvaldo Desideri
País: Italia, Francia
Duración: 116 m.
Formato: 1.85:1
Ficha Artística
Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Aldo Valletti, Caterina Boratto,
Umberto Paolo Quintavalle, Sonia Saviange, Elsa De Giorgi, Sergio Fascetti, Bruno Musso, Antonio Orlando

17 octubre 2010

Jesus Marti

La Maldición de la Llorona / Curse of the Crying Woman

La Maldición de la Llorona, edición en DVDHoy vamos a comentar una pequeña joya del cine mexicano, dirigida por Rafael Baledón y basada libremente en la vieja leyenda mexicana de La Llorona, esta película  nos sumerge en una atmosfera gótica e insana deudora de las producciones de los años 30 del mítico estudio Universal, paralelamente también se reconocen influencias más cercanas en el tiempo como la de artesanos del cine de terror tan brillantes como Roger Corman o especialmente Mario Bava. Rodada en el año 1961, La Maldición de la Llorona es una película que nos cuenta los malévolos planes de Selma (Rita Macedo) para revivir a la Llorona por medio de un ritual maligno, para poder llevar a cabo sus planes, invita a su sobrina Amelia (Rosa Arenas), la descendiente más joven de la familia, pues es ella la que tiene que llevar a cabo la ceremonia sacando una lanza que atraviesa el pecho del cadáver momificado de la temible Llorona, escondido en los lóbregos subterráneos de la mansión de su tía.
La película tiene todos los guiños deseables en una producción de este tipo, ambientación y atmosfera están muy cuidados, los exteriores convenientemente neblinosos y bien fotografiados, los efectos especiales están muy bien metidos en la trama por lo que su poca efectividad técnica (vista con ojos actuales) no empobrece el resultado, logrando provocar en el espectador una inquietud creciente con muy pocos medios, los actores están convincentes y sobresale la presencia del gran Carlos López Moctezuma que realiza su particular recreación de sirviente deformado (homenaje a Lugosi?) que se encarga de realizar, con inusitado placer, los crímenes que Selma le encarga, por último también destacare las escenas de violencia o crueldad (pienso en los ataques de los perros) que resultan bastantes contundentes para la época en que esta rodada.
Rita Macedo
La Maldición de la Llorona es un gran ejemplo del casi desconocido cine fantástico mexicano, que, aun hoy en día, sigue bastante eclipsado por las divertidas películas de los luchadores enmascarados con el Santo como presencia omnipresente.
Yo por mí parte no puedo dejar de recomendar el visionado de este film, siempre viene bien desconectar del cine de terror actual, relajarse y dejarse llevar por estas pequeñas y gratificantes obras menores creadas por verdaderos artesanos del fantástico.
La edición en DVD (versión integra) disponible en estos momentos es de importación y esta editada por Casa Negra, la película ha sido remasterizada, tanto en audio como en video, a partir del negativo de 35mm original, los menús y el audio son bilingües en castellano y ingles, la edición también incluye un comentario de Michael Liuzza, un libreto que explica la leyenda de la Llorona así como sus versiones cinematográficas más importantes y un cartón de lotería muy simpático. Mis más sinceras felicitaciones por el trabajo realizado con esta edición, si todo el mundo editara así, otro gallo cantaría.
Por hoy ya está bien, os dejo con la ficha técnica / artística y el tráiler de la película.
Saludos
Ficha Técnica
Año: 1961
Director: Rafael Baledón
Producción: Abel Salazar
Guión: Rafael Baledón, Fenando Galiana
Música: Gustavo César Carrión
Fotografía: José Ortiz Ramos
Maquillaje / FX: Armando Meyer, Juan Muñoz Ravelo
País: Mexico
Duración: 80 m.
Formato: 1.33:1
Ficha Artística
Rosa Arenas, Rita Macedo, Carlos López Moctezuma, Abel Salazar, Mario Sevilla, Enrique Lucero, Armando Acosta, Beatriz Bustamante, Arturo Corona, Julissa

16 octubre 2010

Jesus Marti

The Human Centipede (First Sequence)

Sinopsis: Dos chicas norteamericanas, Lindsay (Ashley C. Williams) y Jenny (Ashlynn Yennie), de vacaciones por Europa, deciden asistir a una fiesta. Dirigiéndose a ella, por una solitaria carretera secundaria alemana, su coche tiene un pinchazo, no pudiendo llamar a la asistencia desde el móvil por falta de cobertura, deciden adentrarse en el bosque en busca de alguna casa con teléfono, pronto encuentran una aislada casa de campo en la cual vive un eminente cirujano, lo que ellas no saben, pero pronto comprenden, es que el Dr. Heiter (Dieter Laser) esta inmerso en un horripilante experimento que pretende crear un ciempiés humano, uniendo, por medio de una complicada intervención quirúrgica, la boca con el ano hasta conseguir una peculiar mascota humana de tres piezas.

Dirigida, producida y escrita por el holandés Tom Six y con una distribución minoritaria, esta película ha recorrido los festivales de género del planeta, logrando que donde quiera que se proyecte sea inmediatamente catalogada como una de las películas más escandalosa, pervertida y repulsiva que se ha visionado desde hace tiempo.
The Human Centipede (The First Sequence) es un film extremo, más allá de lo explicito de algunas secuencias (NO es una peli gore),  lo que el director busca y consigue es sacudir conciencias, no duda en disparar con bala y hacer que el film, desde el primer momento, vaya directo a la yugular para ir aumentando gradualmente la tensión hasta el final mismo del largometraje. Más emocional que física, el film basa todo su poder transgresor en las explicaciones frías y carentes de emoción de Dr. Heiter, analizando y razonando sobre la naturaleza del experimento delante de las victimas, el espectador imagina más que ve y esa es una de las virtudes de la película. Otro de los resortes utilizados para provocar inquietud es la acumulación de primeros planos de los actores mostrando su horror y desconcierto ante semejante situación, la cacofonía constante de ruidos guturales (recordad boca-ano) y los chillidos e insultos emitidos por la única boca libre y cabeza del ciempiés humano. El film no es pulcro, técnicamente hablando, pero no cae en la trampa del rollo amateur cosa que se agradece bastante. Las interpretaciones son correctas y consiguen mantenerte dentro de la historia sin demasiados problemas.
Bizarra, grotesca y, en algunos momentos, con un humor negro bastante acertado The Human Centipede se erige como un largometraje no apto para estómagos débiles, pero si aconsejable para cualquier aficionado al género fantástico en toda su extensión. Un film que como anteriormente paso con A L’Interieur, Martyrs o Frontiers provocara aprobación y rechazo a partes iguales pero que están, sin ninguna duda, revolucionando el carácter y el futuro del fantástico europeo. Como hecho curioso y remarcable todas las películas mencionadas anteriormente, a pesar de estar en boca de todos los aficionados y de ser títulos de culto, todavía no tienen distribución en España y es que hay cosas que nunca cambiaran……..
Puntos a destacar: la interpretación de Dieter Laser, todo un descubrimiento en su particular recreación de un Mad Doctor. La escena de la primera defecación y posterior deglutación por parte de la segunda parte del cuerpo del ciempiés humano, realmente desagradable. El discurso, antes de suicidarse, del japonés (cabeza del ciempiés), reconociendo que no ha sido una buena persona pero reclamando su condición de ser humano.
Actualmente Tom Six se encuentra ultimando la post-producción de The Human Centipede 2 (The Full Sequence) anunciada para el 2011, si tenemos que hacer caso de los rumores pronto se embarcara en la tercera parte de la saga, veremos que pasa.
Como siempre os dejo con la ficha técnica y artística.
Nos vemos.                

Ficha Técnica
Año: 2009
Director: Tom Six
Producción: Tom Six  
Guión: Tom Six 
Música: Patrick Savage, Holeg Spies
Fotografía: Goof de Koning
Maquillaje / FX: Rachel Elbertse, Rob Hillenbrink, Eric Hillenbrink
País: Holanda
Duración: 92 m.
Formato: 1.66:1
Ficha Artística
Dieter Laser, Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie, Andreas Leupold, Rene de Wit, Akihiro Kitamura, Peter Blankenstein

11 octubre 2010

Jesus Marti

End of the Line

End of the Line es una película eficaz y contundente que, no obstante, tiene alguno de los fallos habituales en los films de terror actuales.

Sinopsis: Karen, enfermera en un centro psiquiátrico, se entera de que una de sus pacientes se ha suicidado en el metro. Al acabar su turno, todavía trastornada por la noticia, coge el transporte público para regresar a su casa, de repente alguien acciona el freno de emergencia, paralelamente otros usuarios, miembros de una organización religiosa, reciben en sus móviles un mensaje críptico, la locura y la muerte hacen acto de presencia obligando a Karen, junto a varios desconocidos, a luchar para salvar su vida. El Apocalipsis esta cerca.    
End of the Line, Poster
End of the Line me ha sorprendido gratamente pues es una película muy eficaz y contundente que, no obstante, tiene alguno de los fallos habituales en los films de terror actuales. Vayamos por partes, toda la trama me parece muy conseguida, la ambientación oscura (normal, la película transcurre principalmente en el metro) que permite un clima y una tensión que se mantiene durante todo el metraje, las escenas de los fanáticos religiosos persiguiendo y matando a todo bicho viviente ( con cuchillos consagrados en forma de cruz) con el propósito de salvar sus almas antes del Apocalipsis final al grito de “Dios os ama” es de un buen humor negro a la par que terrorífico, las secuencias de visiones oníricas con demonios acosando a los seres humanos son dignas de elogio, los asesinatos son dignamente cruentos y explícitos, los actores están, la mayoría de ellos, bastante bien, la muerte final de los fanáticos es muy creíble pues esquiva como mucha elegancia la posible contradicción que supondría un suicidio masivo con la doctrina impartida por la iglesia católica que considera pecado el suicidio y, sobre todo, la película no aburre en ningún momento.
Pero End of the Line no es una película perfecta, yo personalmente noto a faltar una profundidad un poco más acusada en los personajes principales, también creo que la dirección es, a veces, un poco repetitiva y lineal, no destacando ninguna escena por encima de otra, por lo que deja en el cuerpo una sensación de producto inacabado y para acabar, quizás, le hace falta un poquito más de crudeza y mala leche.
Puestos en una balanza todos los pros y los contras, me atrevo a afirmar que esta película esta por encima de la media habitual en este tipo de producciones, por lo que su visionado es muy recomendable. Serie B de poco presupuesto pero con un resultado final muy digno. Un 7 sobre 10 me parece la puntuación más justa.
Como viene siendo habitual y cabreante ningún distribuidor de este país, de momento, se ha arriesgado a editarla, con lo cual si necesitáis satisfacer la curiosidad tendréis que recurrir a la importación, a las tiendas especializadas, o a algún servicio online si queréis verla.          
Una secuencia de 'End of the Line
End of the Line esta dirigida, escrita, producida y editada por Maurice Devereaux, realizador que hasta el momento cuenta en su haber con tres largometrajes más, Blood Symbol (1992), Lady of the Lake (1998), Slashers (2001). El reparto esta encabezado por Ilona Elkin, Nicolas Wright, Robin Wilcock (300, El Increible Hulk, El Día de Mañana), Joan McBride (MiedoPuntoCom), Tim Rozon y Neil Napier (Slashers, Evil Breed: The Legend of Samhain, 300).
Un saludo y hasta la próxima.
Tráiler: End of the Line