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30 de noviembre de 2010

Basil Gogos, Ilustrador del Terror

¿Quién no recuerda las famosas ilustraciones para portadas de revistas como Creepy o Famous Monsters of Filmland?, pues muchas de ellas eran trabajos de Basil Gogos, un artista reconocido mundialmente y del cual en España es difícil encontrar información. Con este artículo doy inicio a una serie dedicada a los grandes ilustradores y dibujantes del terror, tema sobre el cual me apetecía escribir, pues muchos de ellos están olvidados por los seguidores y no creo que sea justa tal situación.


Basil Gogos
Nacido en el seno de una familia griega que residía en Egipto, Basil se trasladó a Estados Unidos a la edad de 16 años. Interesado desde muy pequeño por el mundo del arte, sus primeros años en New York los empleó en trabajos de supervivencia aunándolos con sus estudios en escuelas de arte como Art Students League de Nueva York, fue en ésta famosa escuela donde conoció al que se iba a convertir en su maestro y principal valedor: el conocido ilustrador Frank. J. Reilly. A partir de ese momento Basil crece como artista viendo pronto recompensados sus esfuerzos, gana un concurso impulsado por una editorial llamada Pocket Books, al poco tiempo ve publicado su primer trabajo como profesional, concretamente la portada de una novela titulada Pursuit publicada en 1959.
Durante la década de los ’60 sobrevive en New York  ilustrando revistas para hombres con temáticas muy variadas; serie negra, ilustraciones de batallas de la Segunda Guerra Mundial, dibujos de Pin Ups famosas o aventuras selváticas, temas que conforman la producción de estos años.
La editorial Warren Publishing se fija en él y le encargan trabajos para la famosa revista Famous Monsters of Filmland, donde Forrest J. Ackerman ejercía como editor. El primer trabajo de Gogos fue la cubierta del numero 9 publicada en noviembre del 1960 y en ella se homenajeaba a Vincent Price en su papel en La Caída de la Casa Usher.
Desde entonces Basil estuvo ligado a Warren durante dos décadas, con quien creó 50 cubiertas para Famous Monsters y colaboró con otras publicaciones del grupo como Creepy, Eerie, Spaceman o Wildest Western, logrando que su estilo se convirtiera en un icono perfectamente reconocible para los seguidores de la editorial. 
El estilo de Gogos es inconfundible, sus obras abarcan desde los personajes clásicos del cine de terror (Frankenstein, La Momia, El Hombre Lobo, Drácula o Godzilla) hasta los actores que los hicieron posibles, así figuras como Vincent Price, Christopher Lee, Lon Chaney, Peter Cushing y un largo etcétera vieron sus rostros inmortalizados por el genial artista.
La técnica usada por Basil para las cubiertas era bastante curiosa, según el mismo artista, imaginaba los rostros bañados por dos o tres colores distintos iluminados desde diferentes ángulos, en base a esto sus ilustraciones son una increíble paleta cromática que acentúa los rasgos de los protagonistas.
En la década de los setenta, un poco agotado por su trabajo a tiempo completo para Warren, combina su tiempo con la creación de acuarelas para intentar hacer carrera como artista más “serio”.
En los años ’90 y debido al resurgimiento del interés por el cine fantástico y de terror, Basil retoma su producción. Litografías, colecciones de cartas (Trading Cards) y portadas para la revista Monsterscene devuelven su figura a un primer puesto de actualidad; paralelamente grupos de rock como Electric Frankenstein, Misfits o Rob Zombie le encargan trabajos para las portadas de sus discos. La leyenda de Basil Gogos crece como la espuma y su presencia en convenciones y festivales es continua haciendo felices a sus miles de fans.
En el año 2005 la editorial Vanguard Productions edita un impresionante libro titulado Famous Monster Movie Art of Basil Gogos, el tomo de 160 páginas recoge más de 200 ilustraciones y el prólogo está a cargo de Rob Zombie.
Bueno hasta aquí he llegado. Os dejo unos cuantos links interesantes por si queréis más información y un power point con una buena cantidad de ilustraciones de éste genial creador.
Un saludo

Links:
Página oficial de Basil Gogos
Editorial Vanguard Productions
Famous Monsters of Filmland

29 de noviembre de 2010

Satanás / The Black Cat (1934)

The black cat, 1934
Hoy vamos a ocuparnos de un director maldito (Edgar G. Ulmer) y de una de sus películas más extrañas y enfermas de toda su carrera. Si os parece, vamos a sumergirnos en The Black Cat, una de las pocas películas góticas sin castillos polvorientos de por medio y con una gran dosis de perversión insana. Vamos a ello.   
Sinopsis: Peter Alison (David Manners) y su joven esposa Joan Alison (Julie Bishop) emprenden un viaje por tren con destino a Hungria para celebrar su luna de miel. Durante el trayecto conocen a un misterioso personaje llamado Vitus Vendergast (Bela Lugosi), que se dirige a visitar a Hjalmar Poezig (Boris Karloff), un viejo “amigo” con el que tiene unas cuentas pendientes. Una vez en su destino el coche que los transporta al hotel tiene un accidente y el chofer muere, Joan resulta herida y Vendergast les propone alojarse en la mansión de su amigo. A partir de ese momento, se ven inmersos en una pesadilla de venganza, satanismo y muerte.
Edgar G. Ulmer, de origen austríaco y con un currículum que ya quisieran algunos para sí (había trabajado con F.W. Murnau y Fritz Lang entre otros), dirigió en el 1934 The Black Cat o Satanás, como se la conoce por éstos lares. Con un resultado un poco irregular pero, no obstante, atractivo, une en sus escasos 65 minutos diversas influencias  patentes en toda la carrera del realizador. Por éste motivo en el largometraje las imágenes y secuencias que recuerdan al expresionismo, con sus constantes juegos de luces y sombras, dominan buena parte del metraje dándole un aire muy original y bastante malsano al resultado final.
Basada en el relato de Edgar Allan Poe de mismo título, aunque lo de basada es bastante generoso, ya que el guión fue reescrito unas cuantas veces y al final poco o nada quedó del cuento. De todas maneras éste detalle es poco importante, lo normal por esa época era realizar adaptaciones que se alejaban mucho del original, lo que verdaderamente importaba era el resultado y, en este caso, es una gratificante serie b con muy buenas intenciones y algunas escenas verdaderamente conseguidas.
Karloff y Lugosi en The Black Cat
     
Antes de que se me olvide conviene mencionar que, como el mismo Ulmer dijo, el film era un homenaje a Poe, pero que realmente la figura que inspiró toda la trama fue la de  Alesteir Crowley (famoso satanista) que vivió una vida digna de un serial televisivo. 
The Black Cat, reúne por primera vez delante de las cámaras a dos de los actores por excelencia del cine de terror de los años ’30. Karloff y Lugosi, ofrecen todo un recital de interpretación (muy sobrio Karloff, bastante sobreactuado Lugosi) y que pasan sin contemplaciones por encima (como un tren de carga a toda velocidad) de la pareja protagonista (el matrimonio Alison), bastante insulsa e inocua. Por supuesto Ulmer explota sabiamente la química entre los dos grandes, se entretiene con sus aviesas miradas, se recrea con la emotividad de los rostros, juega con las luces y las sombras para lograr la máxima inquietud posible en el espectador, carga las tintas y explora sin miedos las mentes depravadas de los protagonistas, en las que el juego de la venganza (Lugosi) se convierte en el eje  y principal motivación en su vida.
Mención aparte merece el amplio repertorio de maldades presentadas; desollamiento, necrofilia, parafilias y obsesiones varias, satanismo y sexualidad malsana, como podéis ver todo un catálogo de perversiones que provocó a Ulmer no pocos quebraderos de cabeza para esquivar la alargada sombra de la censura.
impresionante secuencia de The Black Cat
Otra de las características principales de Satanás es la sabia utilización por parte del realizador de los pocos recursos que tenía entre sus manos, un arte en el que Ulmer era un absoluto maestro. El escaso presupuesto (sobre los 90.000$) es utilizado hasta sus últimas consecuencias, un par de decorados, mucha imaginación y un especial amor por los detalles nimios pero escalofriantes, dotan al film de una atmósfera peculiar, consiguiendo convencer plenamente a los aficionados que se acercan a la película dispuestos a disfrutar sin complejos de este tipo de propuestas. Los dos decorados mencionados se dividen en el diseño y la arquitectura (totalmente Bauhaus) de la casa donde habita Karloff, que a pesar de ser geométricamente perfectos y modernos (o tal vez por eso) provocan mucho desasosiego e intranquilidad; por otra parte el sótano y la escalera que conduce a él, rodados por el cineasta a partir de los trazos marcados por el expresionismo, dan fe del tipo de película que estamos viendo. Satanás es un film de contrastes continuos, una pesadilla en un ambiente normal o un sueño dentro de una pesadilla, sea como sea, Ulmer se empeña en destacar los componentes del relato más macabros enmarcados dentro de una metáfora sobre la capacidad del ser humano para generar maldad, odio y violencia, consiguiendo crear lo que en su tiempo se denomino “la primera película norteamericana de terror psicológico”.
the black cat reune a unos excepcionales Karloff y Lugosi
En fin, una de esas joyas semi olvidadas que ofrecen muchas cosas al amante del género fantástico. Gótica, perversa y malsana se ha convertido con el paso del tiempo en un clásico único en su género y a pesar de algunos tropiezos en el ritmo y el guión la función es plenamente aconsejable. Una peli y un director a recuperar a la voz de ya!
Como puntuación vamos a darle un 7 sobre 10.
Un saludo.

Ficha Técnica
Año: 1934
Director: Edgar G. Ulmer
Producción: Carl Laemmle
Guión: Edgar G. Ulmer, Peter Ruric, Tom Kilpatrick
Inspirada: The Black Cat de Edgar Allan Poe  
Música: Heinz Roemheld
Fotografía: John J. Mescall
Maquillaje / FX: Jack P. Pierce, David S. Horsley
País: USA
Duración: 65 m.
Formato: 1.37: 1
BN
Ficha Artística
 Boris Karloff, Bela Lugosi, David Manners, Julie Bishop, Lucille Lund, Henry Armetta, Egon Brecher, Albert Conti, John Carradine (sin acreditar), Anna Duncan (sin acreditar)
 

28 de noviembre de 2010

Jack the Ripper / Screaming Lord Sutch (videoclip de la semana)

Hola, el viejo Jack el Destripador según la mente alucinada de Screaming Lord Sutch. Impagable video, lo juro.
A disfrutar.
Un saludo 

26 de noviembre de 2010

Weird Tales

Corría el año 1929 y Estados Unidos se ve envuelto en el principio de una gran crisis financiera conocida como La Gran Depresión que se extendería durante casi una década provocando una devastación económica y social sin precedentes. Miles de estadounidenses hambrientos y sin trabajo recorrían todo el país en busca de, simplemente, algo que llevarse a la boca, siendo sus fuentes de información y entretenimiento básicamente la radio y unas sencillas revistas editadas con papel barato, con portadas muy llamativas y con un precio muy popular (entre 10 y 20 centavos). Los llamados Pulp Magazines llenaban sus páginas de relatos divididos en sucesivas partes (serializado) que tocaban todos los temas que pudieran distraer y llevar la imaginación de sus lectores lejos de las penurias diarias que tenían que vivir. De esta manera los relatos de viajes exóticos, detectives, gángsters, mujeres fatales, ciencia ficción o terror tenían un vehículo ideal para darse a conocer y crearon con el tiempo un culto que perdura hasta nuestros días.
A principios del año 1923, una revista llamada Weird Tales, ve la luz. El primer número fue financiado del propio bolsillo por un veterano periodista, a partir de ese momento y durante catorce entregas el responsable del magazine fue Edwin Baird, posteriormente fue sustituido por Farsnworth Wrigth que a la postre fue quien consiguió que la publicación se convirtiera en una de las más importantes (sino la más) del sector.
Por las páginas de Weird Tales desfilaron los mejores escritores de la época y también algunos clásicos. H.P. Lovecraft, Edgar Allan Poe, Robert E. Howard, Clark Ashton Smith, Robert Bloch, Sax Rohmer, Seabury Quinn, Ray Bradbury, Richard Matheson o Fritz Lieber entre otros; dieron calidad a cambio de unos pocos dólares (centavo por palabra) y consiguieron que la revista entrara en su edad de oro.
No sería justo olvidarnos de los artistas que se encargaron de esas magníficas portadas, geniales ilustraciones que dieron a la revista  un sello distintivo y una marca de fábrica inconfundible. Gente como Virgin Finlay (autor de la cubierta del número dedicado a Poe, que con el paso del tiempo se ha convertido en una de las más famosas de Weird Tales), Ray Quigley, Matt Fox (inconfundible estilo), Hannes Bok o Margaret Brundage, entre otros muchos, pusieron cara y ojos a los terrores surgidos de la imaginación de los escritores y deleitaron a los lectores con dibujos que ya son parte del panteón del género fantástico por derecho propio.        
Como se puede ver Wright, como director de la revista, dio la oportunidad a muchos jóvenes escritores e ilustradores de batirse el cobre por primera vez en su vida y, desde luego, no se le puede acusar de falta de visión comercial.
Con la muerte de Lovecraft y Howard la revista inició un lento declive, los tiempos cambiaban y la irrupción de nuevos medios de comunicación la fueron arrinconando lentamente. En junio de 1940 Wright fallecía, catorce años más tarde (septiembre de 1954) la revista cerraba sus puertas definitivamente, dejaba para la posteridad 279 números y una legión de fans desconsolados.
Desde la década de los setenta hasta nuestros días ha habido sucesivos intentos de resucitarla, pero ya sea por la poca calidad esgrimida, por políticas editoriales absurdas o, simplemente porque el mercado ya no entendía ni acogía éste tipo de publicación, la resurrección a quedado en el más absoluto de los olvidos. Quizá sea mejor de esta manera, no se puede recuperar el esplendor perdido y la época que estamos viviendo no creo que sea la idónea para una propuesta de éstas características.   
La influencia de la revista original ha sido y es notoria, los números se cotizan a precios muy elevados en el mercado del coleccionismo actual y grandes autores contemporáneos se confiesan fans acérrimos. Lo que es indudable es que la apuesta de Weird Tales fue valiente, no exenta de motivación económica, pero valiente de todas maneras, pues sin ésta publicación muchos de los escritores que son actualmente considerados maestros, a lo mejor, no hubieran podido publicar ni un mísero relato, con el consiguiente perjuicio para la humanidad.
Os dejo un enlace con una cojonuda página que recoge toda la producción de Weird Tales, sus portadas y los relatos publicados en cada número ¡una gozada vamos!, que aproveche!! Pincha aquí.
Por hoy ya está bien, próximamente más, o eso espero.
Un saludo

24 de noviembre de 2010

Ingrid Pitt 1937 / 2010 (in memorian)

Proyección de El Invernadero

Los amigos de El Buque Maldito retoman su actividad. El sábado 18 de diciembre a las 19.00 h. se proyecta la película El Invernadero (1983), opera prima del realizador catalán Santiago Lapeira, protagonizada por Berta Cabré, Carla Dey, Victor Israel, Ovidi Montllor y Llatzer Escarceller.   
Al evento asistirán en calidad de invitados de lujo el realizador y las dos protagonistas (Berta Cabré, Carla Dey).

La proyección tendrá lugar en:
Centro Garcilaso
C/ Juan de Garay,116
Barcelona
<M> Sagrera L1-L5

Ya sabéis, si os apetece pasar una estupenda tarde de sábado, no dudéis en asistir, estoy seguro de que no os arrepentiréis. Se me olvidaba la entrada es gratuita.
Un saludo a todos/as

21 de noviembre de 2010

Alucarda, La hija de las tinieblas (1978)

Curiosa y extraña esta película dirigida por Juan López Moctezuma (1932–1995) en el año 1978. Director, actor y escritor, Juan López Moctezuma había colaborado con Alejandro Jodorowski y producido dos de sus películas (Fando y Lis /1968 y El Topo / 1970), su carrera como realizador se resume a cinco películas (La Mansión de la Locura / 1973, Mary, Mary, Bloddy Mary / 1975, Alucarda / 1978, To Kill a Stranger / 1985 y El Alimento del Miedo / 1994), todas ellas de genero terrorífico y siendo la que hoy nos ocupa la más fascinante y perversa de todas ellas.
La sinopsis es la siguiente: Después de un prólogo un tanto raro, en que una mujer da a luz y es inmediatamente desposeída del bebe por un extraño personaje, para inmediatamente, ser atacada por una fuerzas “sobrenaturales”, la acción de la película pasa rápidamente a unos cuantos años más tarde. Justine (Susana Kamini) ingresa en un orfanato y ahí conoce a Alucarda (Tina Romero), naciendo entre ellas una gran amistad. Un día paseando por el bosque se encuentran con un  siniestro gitano (Claudio Brook) que les ofrece unos raros talismanes, gracias a ellos las jóvenes entran en una especie de delirio demoníaco y sacuden la armonía del internado con sus salmos satánicos y su explosión hormonal. Los rectores deciden llevar a cabo un exorcismo, durante la celebración del mismo Justine fallece y Alucarda es rescatada en el último instante por el Dr. Oszek (otra vez Claudio Brook). A partir de ese momento el infierno se desata entre los muros del orfanato.
Alucarda es una combinación explosiva y barroca de lesbianismo, vampirismo, satanismo, violencia, exorcismo, posesiones diabólicas y aquelarres, que bebe de diversas fuentes (basada en el relato Carmilla de Sheridan Le Fanu y con una notoria influencia de El Marqués de Sade)  para dar un giro personal y malsano a un universo ya de por sí perverso. El tema de las posesiones demoníacas, tan de moda en los años ’70, encuentra en este film un caldo de cultivo ideal para el desfase y el bizarrismo, Moctezuma realiza un ejercicio de estilo propio de los grandes realizadores del fantástico y al igual que muchos de ellos, hace especial hincapié en la atmósfera y las imágenes impactantes por encima de la coherencia narrativa o la linealidad de la narración. Alejándose intencionadamente de las películas contemporáneas de terror mexicanas, el realizador juega con todos los detalles, ideas o imágenes que puedan dar una impresión de perversión en el espectador. De esta manera escenas como el aquelarre en el bosque presidido por la aparición impactante de un macho cabrío (muy onírico y atmosférico), la vestimenta de las monjas (una especie de vendaje de color crudo manchado de sangre en la entrepierna), la monja llorando y sudando sangre, el interior del orfanato lleno de cruces, velas y sombras inquietantes; las diferentes escenas de lesbianismo y posesión con un aire muy alucinado y enfermizo o la escena final en la cual la protagonista emerge de un ataúd lleno de sangre lanzando alaridos ensordecedores, dan fe de las intenciones del director que se deleita creando una atmósfera ,durante todo el metraje, muy, pero que muy, perversa.
Tina Romero
El film está muy bien fotografiado, estupenda labor de Xavier Cruz, las interpretaciones son correctas, en especial la de Tina Romero (verdaderamente escalofriante) y Claudio Brook en su doble papel de gitano y Doctor. También debo mencionar los maquillajes y los Fx, a cargo, respectivamente, de Ramírez del Río y Abel Contreras que realizan un trabajo más que meritorio con muy pocos recursos.
Como curiosidad mencionar que el propio director realiza un pequeño papel de monje.
En fin, una película de culto de notable largo y un “rara avis” dentro de la producción mexicana. Sorprendente, eficaz, psicotrónica y muy entretenida ¿que más se puede pedir?
Un saludo a todos/as




















Ficha Técnica
Año: 1978
Director: Juan López Moctezuma
Producción: Max Guefen, Juan López Moctezuma, Eduardo Moreno
Guión: Juan López Moctezuma, Alexis Arroyo, Tita Arroyo
Inspirada: Carmilla de Sheridan Le Fanu
Música: Anthony Guefen
Fotografía: Xavier Cruz
Maquillaje / FX: Ramírez del Río, Abel Contreras
País: Mexico
Duración: 85 m.
Formato: 1.37: 1
Color
Ficha Artística
 Tina Romero, Claudio Brook, Susana Kamini, David Silva, Lili
Garza, Tina French, Martin LaSalle, Antonia Guerrero, Agustín
Isunza, Adriana Roel, Adriana Riveroll, Marina Isolda

19 de noviembre de 2010

Astro Zombies / Misfits (videoclip de la semana)

Hoy toca videoclip, en este caso imágenes de la película Astro Zombies con la canción compuesta por The Misfits para homenajearla. A disfrutar de Tura Satana y el excelente tema de esta banda Punk Rock.
Un saludo

Si os apetece saber más: Tura Satana / La Reina de la Serie B

17 de noviembre de 2010

William Hope Hodgson (Parte 2)

Hodgson era un consumado maestro en crear atmósferas oprimentes e inquietantes y en sus relatos cortos es donde explota con mayor fuerza ésta habilidad.
Debido a la gran cantidad de relatos existentes voy a hacer una partición de toda la obra por temáticas o personajes, comentando aquellos relatos que más me impresionaron o aterrorizaron. Vamos a ello!
Los cuentos o relatos cuya acción transcurre en la mar y tienen como eje narrativo el terror, son predominantes en la obra de Hodgson. De un total de 45 historias, seis de ellas están ambientadas en el mar de los sargazos. El Mar de los Sargazos es una extensa parte del océano atlántico que abarca parte del famoso Triángulo de las Bermudas, en el siglo XVII y XVIII existía la creencia entre los marineros de que era un gran cementerio de barcos y que bajo sus calmosas aguas existían criaturas horrorosas. Con esta premisa no es de extrañar que algunos de los mejores relatos de Hodgson estuvieran inspirados en ese inhóspito lugar. Desde el mar sin mareas (parte 1 y 2), El misterio del buque abandonado, The thing in the weeds, El descubrimiento del Graiken y The call in the dawn son los cuentos que componen esta saga.
….dejaron una impresión profunda en mi imaginación, una impresión debida tal vez a la morbidez engendrada por la implacable soledad. Durante un momento me habían parecido los rostros blancos de una multitud de muertos, rostros que me miraban atrapados en las redes de la vegetación…
Una recopilación extraordinaria de la obra de Hodgson
El extracto anterior pertenece al relato Desde el mar sin mareas, un cuento dividido en dos partes tremendamente tensas y deprimentes. En él se nos explica la historia del navío Homebird desaparecido en el año 1873, se inicia con el descubrimiento (año 1902) de una barrica embreada flotando en medio del mar que contiene una especie de diario. Escrito por el marinero Arthur Samuel Philips, se narra como el navío es sorprendido por una brutal tormenta y amanece encallado en medio del Mar de los Sargazos, la poca tripulación que ha sobrevivido va pereciendo poco a poco por los ataques de unos pulpos gigantescos. Sólo sobreviven, el marinero antes mencionado y la hija del capitán, pocos meses después tienen una hija. La segunda parte del relato nos cuenta el hallazgo de otra barrica enviada de la misma manera y que resulta ser el quinto mensaje escrito por Phillips, en el que se narran los acontecimientos ocurridos en el año 1879. Hodgson alcanza con éste relato cotas pocas veces conseguidas en la literatura, su manera de desgranar la historia e ir hilvanando los resortes que provocan el (primero) desasosiego y (después) el terror en el lector son magistrales, un engranaje perfecto que conjura nuestros miedos más ancestrales y los disecciona con inusual agudeza, logrando mezclar en la narración acontecimientos puramente físicos (o naturales) con lo que parecen ser fuerzas sobrenaturales que acechan a los protagonistas de la historia. Simplemente magnífico.
Otro de los relatos que dejó una huella perenne en mi imaginación fue El misterio del buque abandonado. El relato es mucho más directo que el anterior, no se basa tanto en los elementos sobrenaturales (aunque no están erradicados por completo) sino que juega con el misterio y la curiosidad del ser humano como motores de la narración.
Los cuentos que no pertenecen a la saga de los sargazos son innumerables, pero no puedo dejar de comentar uno en concreto que siempre que lo he leído me ha provocado deliciosos escalofríos; se trata de Una voz en la noche y en él se narra la historia de un velero parado en medio del mar por falta de viento para poder navegar, por la noche un pequeño bote se acerca a unos metros del barco y una extraña voz les solicita alimentos…. No voy a explicar más, tenéis que leer el relato, es una pequeña (en extensión) obra maestra de misterio y terror que, creo, nunca podrá ser superada. Leedla hacedme caso.
Carnacki es un especie de detective de los sobrenatural
La saga de Carnacki, una especie de detective de lo sobrenatural, es una buena muestra de la gran imaginación que poseía Hodgson para la creación de personajes singulares siempre embarcados en aventuras sobrenaturales. Todos los relatos de éste investigador (por lo menos los que he tenido el gusto de leer) se inician de la misma manera, Carnacki cuenta a sus amigos íntimos (entre los que se encuentra el mismo Hodgson) al finalizar una excelente cena, la última aventura sobrenatural que ha vivido y acaban  volviendo todos a sus casas asombrados por las aventuras de su compañero. En medio nuestro investigador se enfrenta con amenazas de diversa índole, monstruos deformes, un caballo extraño, una habitación poco confortable y un amplio abanico de raros sucesos. Por lo anteriormente comentado Carnacki puede entrar en el Olimpo de los investigadores de lo oculto como Auguste Dupin, John Silence o el excéntrico Jules de Grandin, inmortales personajes todos ellos que en un futuro próximo serán protagonistas de un largo artículo en El Terror Tiene Forma. La aventuras de Carnacki fueron publicadas en su totalidad por la editorial Anaya en su famosa colección Útima Thule en el año 1993, el libro se titulaba Carnacki, El cazafantasmas y contenía los siguientes relatos: La puerta del monstruo, La casa entre los laureles, La habitación que silbaba, El caballo de lo invisible, El investigador de la casa apartada, La cosa invisible, El embrujamiento de Jarvee, El Hallazgo y El cerdo. Absolutamente recomendable. 
A parte de las sagas mencionadas Hodgson también se prodigó con otros muchos relatos de diversa temática y diferentes protagonistas: las aventuras del Capitán Jat, los trece relatos que tienen por protagonista al Capitán Gault o los cuentos de terror y misterio que no están ambientados en la mar. Desgraciadamente muchos de éstos cuentos o relatos no han sido publicados o son difíciles de encontrar actualmente, por suerte la Editorial Valdemar parece que va a editar la obra completa de Hodgson (igual que hizo con Lovecraft), acontecimiento que me llena de alegría pues éste escritor merece estar en la biblioteca de cualquier aficionado al genero fantástico y de terror que se precie.

Las adaptaciones cinematográficas basadas en las obras de este escritor se pueden contar con los dedos de una mano:
The Voice in the Night (1958), capitulo de la serie televisiva “Suspicion” producida entre los años 1957 / 1959. Dirigida por Arthur Hiller y protagonizada por James Coburn, James Donald, Patrick Macnee y Barbara Rush. El capitulo en cuestión, como bien indica el título, esta basado en el relato Una Voz en la Noche.
Matango aka Attack of the Mushroom People (1963), dirigida por Ishirô Honda (el mismo de Godzilla) y protagonizada por Akira Kubo, Kumi Mizuno, Kenji Sahara, Miki Yashiro y Hiroshi Koizumi. También esta basada en el relato Una Voz en la noche.
The Horse of the Invisible (1971), capitulo de la serie televisiva Los Rivales de Sherlock Holmes. Esta dirigido por Alan Cooke y protagonizado por Donald Pleasence (Carnacki), Tony Steedman, Aimée Delamain, David Millet y Michele Dotrice. Esta basada en la aventura de mismo título protagonizada por el detective de lo oculto Carnacki.
Actualmente se halla en fase de desarrollo el largometraje Carnacki, The Ghost-Finder, el estreno esta previsto para el año 2013. No he podido encontrar más información de esta producción , lo siento.
Bueno, ya esta bien por hoy. Un saludo desde el Mar de los Sargazos.

15 de noviembre de 2010

Bajo el signo de Ishtar / The Mole People (1956)

The Mole People / Bajo el signo de Ishtar pertenece por derecho propio a ese amplio catálogo de películas menores (pero interesantes) que rellenan los estrenos anuales (sobretodo en los años ‘50 y ‘60) de las grandes productoras. Como cualquier film que ve la luz bajo esos parámetros, los problemas de guión, de presupuesto e incluso de dirección condicionan el resultado final, de todas maneras The Mole People, a pesar de ser una película con constantes altibajos, no deja de tener algunos puntos de interés y es una buena muestra de ingenuidad cinematográfica que se hace muy simpática para el espectador sin prejuicios. 
La sinopsis es la siguiente: una expedición está investigando en Asia unas ruinas sumerias, de pronto encuentran una extraña tabla de piedra con escritura cuneiforme. Mientras intentan descifrar los símbolos un repentino terremoto asola el lugar retrasándolos en sus investigaciones. Paralelamente un niño les trae un objeto encontrado en unas montañas cercanas. Una vez descifradas las inscripciones del objeto (una lámpara de aceite con forma de barco) deciden explorar las montañas en busca del punto de origen del artefacto. Después de una larga ascensión encuentran las ruinas de un templo sumerio. Uno de los componentes del grupo cae por una hendidura y el resto  va a rescatarlo, quedando a su vez atrapados en las entrañas de la tierra. Allí son raptados por unos extraños mutantes y descubren asombrados la existencia de una antigua raza que ha creado una civilización en las profundidades de la tierra y que practican sacrificios rituales a la diosa Ishtar.      
La gestación del film se produjo en el año 1956. El productor William Alland, responsable de films como The Creature from the Black Lagoon / La mujer y el monstruo (1954), It Came from Outer Space / Llegó del más allá (1953) o Tarántula! (1955) decide llevar a la gran pantalla una sencilla historia sobre un pueblo que habita en las entrañas de la tierra. Aprovechándose del gran interés mostrado por un montador de películas de la Universal (Virgil W. Vogel) que deseaba dar el paso a la dirección, da luz verde al proyecto dando plenos poderes al incipiente realizador ya que Alland estaba inmerso en otras producciones. El trabajo de Virgil no resalta por su brillantez, su ópera prima adolece de un mínimo ritmo y consistencia narrativa, llegando en ciertas secuencias a provocar el sonrojo del espectador. La labor del guionista (László Görög) tampoco es para tirar cohetes, pues mezcla sin ningún tipo de pudor multitud de civilizaciones diferentes (sumeria, egipcia, griega) en un intento de dotar al producto final de una entidad propia y tampoco puedo dejar de mencionar los, por momentos, hilarantes diálogos entre los protagonistas.
Por otra parte quienes tendrían que ser los auténticos protagonistas de la fiesta (los mutantes) no están al nivel habitual de la Universal, el poco presupuesto dejó en pañales al equipo encargado de representar a los monstruos y el resultado final es, como mínimo, grotesco. Los dobles que tenían que encarnar a los mutantes se vieron, de la noche a la mañana, enfundados en unas túnicas y pantalones harapientos que cubrían todo su cuerpo, cubriendo sus caras con máscaras y sus manos con ridículos guantes en forma de garra. A pesar de todo, las apariciones de éstos son lo más espectacular del film (aunque no lo más importante para el guionista) y hacen olvidar ciertas escenas peor resueltas y no tan interesantes.
La película está protagonizada por John Agar (Tarántula!, Revenge of the Creature), en la que sería su última película con Universal, la espectacular Cynthia Patrick, Alan Napier, Hugh Beaumont y Nestor Paiva. Los encargados de dar vida a los mutantes son  algunos de los habituales dobles de la Universal: Bob Herron, Robert F. Hoy, Eddie Parker y Joe Rubino. 
The Mole People supuso el final de la edad de oro de las películas de monstruos de la Universal, pero no puedo dejar de sentir cierta simpatía por esta modesta producción, pues jugando con tantos factores en su contra es un entretenimiento bastante efectivo y, no nos engañemos, “las bestias de la oscuridad”, o sea los mutantes, dejan  en la imaginación del espectador una huella nada desdeñable. Yo le doy un 6 sobre 10, creo que se lo merece.
En nuestro país esta película ha sido editada en DVD por L’Atelier 13, la edición, muy cuidada como es habitual en esta distribuidora, contiene como extras un libreto con detalles de la producción y el capitulo “The Subworld Revenge” de la serie Flash Gordon.
Un saludo a todos/as

Ficha Técnica / Artística

Ficha Técnica
Año: 1956
Director: Virgil W. Vogel
Producción: William Alland
Guión: Lázsló Görög
Música: Heinz Roemheld, Hans J. Salter, Herman Stein
Fotografía: Ellis W. Carter
Maquillaje / FX: Joan St. Oegger, Bud Westmore  
País: USA
Duración: 77 m.
B/N
Ficha Artística
 John Agar, Cynthia Patrick, Hugh Beaumont, Nestor Paiva, Phil
Chambers, Alan Napier, Robin Hughes, Rodd Redwing, Frank Baxter, Arthur D. Gilmour, Marc Hamilton, James Logan

Tráiler

14 de noviembre de 2010

Carteles y pósters de Universal Studios

La entrada de hoy es un recopilatorio de carteles y pósters clásicos de la productora Universal. Drácula, El Hombre Lobo, La Momia, La Criatura de la Laguna Negra y algunos más componen un repaso al cine de terror que veía y me aterrorizaba hace unos cuantos años atrás (bastantes, para que mentir). Me apetecía dedicarles un espacio en El Terror Tiene Forma y aquí los tenéis.
Un saludo y espero que los disfrutéis como yo .

13 de noviembre de 2010

Lucio Fulci, el maestro del horror (Parte 4)

A partir de este momento la carrera de Fulci fue cuesta abajo. Pone fin a su relación profesional con De Angelis, pierde a buena parte de sus colaboradores habituales y para colmo la industria cinematográfica Italiana sufre cambios a raíz de los éxitos a nivel internacional de películas como Conan el Barbaro o Mad Max, como es normal Italia comienza a explotar y a producir películas de esa temática. Fruto de esta coyuntura Fulci realiza La conquista de de la tierra perdida / Conquest (1983) y Roma, año 2072 D.C.: los gladiadores / I Guerrieri dell’ anno 2072 (1984), dos subproductos nada desdeñables pero lejos del mejor Fulci.

En el año 1984 dirige Danza Mortal / Murderock aka Uccide a passo di danza, un  retorno al giallo más clásico, con alguna escena onírica bien llevada sobre todo gracias a la fotografía de Giuseppe Pinori y con algunos asesinatos violentos (que no gore), pero desgraciadamente la película está a años luz de sus obras claves.
Dos años más tarde dirige La miel del diablo / Il miele del diavolo aka Dangerous obssesion (1986), un thriller erótico protagonizado por Blanca Marsillach y Brett Halsey, un buen film que sin embargo no obtuvo el beneplácito del público y fue un fracaso de taquilla. La película es un estudio malsano acerca de la desesperación y el masoquismo, la película no cuenta con ninguna escena gore, sin embargo no dejaba de ser hiriente e impactante para los espectadores. Una verdadera lastima pues “La miel del diablo” merecía mejor suerte.

Una escena de La miel del diablo
Aenigma se estrena en el año 1987,  siendo un retorno al género sobrenatural y a las escenas explícitas. La historia es la siguiente: en un internado femenino una chica llamada Kathy (Milijana Zirojevic) es constantemente fruto de las bromas de sus compañeras, en una de ellas queda en coma por un atropello accidental. Desde el lecho del hospital, usando sus poderes psíquicos, posee a Eva (Lara Lamberti), una nueva estudiante que se convertirá en su marioneta para realizar una cumplida y devastadora venganza. Con un ritmo lento y algo aburrida el film no cumple con las expectativas puestas en él, por suerte algunas escenas gore con bastante mala baba nos recuerdan que a Fulci todavía le queda maestría.  
El año 1988 lo resuelve con tres producciones. Los fantasmas de Sodoma / Il fantasma de Sodoma es una producción intrascendente realizada para Tv y no voy a entretenerme en ella. El espejo roto / Quando Alicia ruppe specchio aka Touch of Death también producida para TV, es una comedia negra no apta para todos los públicos, una película retorcida y políticamente incorrecta que deviene en un estupendo divertimento.
Por último se embarca en una nueva película sobre Zombis, titulada, “muy originalmente”, Zombi 3 aka Zombie Flesh Eaters 2. Fulci ha declarado que hizo esta película acuciado por sus problemas económicos. Paralelamente el estado de salud del realizador es muy delicado, a esta situación se suman las limitaciones de presupuesto, la mala coordinación de la producción, un guión de patio de colegio y las constantes desavenencias con los productores, por todo ello no es de extrañar que Fulci abandonara el rodaje a las pocas semanas de iniciarse siendo sustituido por Bruno Mattei y Claudio Fragasso (uno de los guionistas). Cuenta la leyenda que la parte rodada por Fulci rondaba los 70 minutos y que en la sala de montaje ese metraje se vio reducido a  50 siendo, los 40 minutos restantes fueran filmados por los sustitutos. A pesar de que no se sabe muy bien, cuando se visiona el film, quién dirigió qué, la historia funciona bien siendo bastante divertida, hay buenas y efectivas (a pesar del escaso presupuesto) escenas gore y los poco más de 90 minutos son un festín para los amantes de este género.
 La dolce casa degli orrori y La casa nel tempo son las dos producciones que realiza para TV en el año 1989, no he tenido ocasión de visionarlas por lo que paso de puntillas sobre ellas.
Los ‘90 parece que le sientan bien al maestro, estrena dos películas y parece recuperar parte de la apuesta visual que lo había llevado a la fama.
Demonia narra la historia de un grupo arqueológico canadiense que está trabajado en Sicilia, accidentalmente liberan los espíritus diabólicos de cinco monjas que fueron masacradas en el siglo XVI. La venganza de las monjas no se hace esperar, desencadenando una masacre en toda regla. La película se inspira en otros films del propio director y deriva hacia una película de horror más convencional, dentro de los parámetros Fulci por supuesto, tiene sus momentos escabrosos y en una de sus escenas hay un homenaje a los seres primigenios imaginados por Lovecraft. Totalmente recomendable.
Un gato en el cerebro / Un gatto nel cervello aka Nightmare Concert es una película que provocó no pocas controversias y dividió a sus seguidores como ninguna de sus películas anteriores lo había logrado, el motivo de tanta controversia viene por la inclusión de múltiples escenas gore ya usadas en otros films más oscuros del realizador (Los Fantasmas de Sodoma y El Espejo Roto principalmente), por lo tanto el menú ofrecido, si bien era ultra explícito, no convenció a los fans que ya habían saboreado dichas escenas y acusaron a la película y al propio Fulci de haber creado una patética estafa, por otro lado el público que no sabía el truco utilizado elevó el film a los altares, clasificándolo de clásico total. En fin ni los unos, ni los otros. Un gato en el cerebro es lo que es, un gran entretenimiento salvaje que conviene degustarlo con mesura, ya que la avalancha de escenas duras es apabullante y no todos los días se tiene el estómago preparado.
La trama, muy simple: un director de cine (interpretado por el propio Fulci) es acosado por horrorosas alucinaciones fruto de las sangrientas escenas rodadas en películas anteriores. Agobiado por la situación (se halla al borde de la locura) recurre a un psicólogo que resulta ser un asesino en serie. Como ya hemos mencionado antes la película es un sin fin de situaciones horripilantes, siendo lo más divertido ver a Fulci en una  parodia de su propia carrera. Un gato en el cerebro está protagonizada por David L. Thompson (el psicólogo asesino), Jeoffrey Kennedy y Malisa Longo.
Voces del más allá / Urla dal profondo (1991) es una de las apuestas más extrañas a la par que fascinante del realizador. Esclavo de un presupuesto mínimo, Fulci realiza un ejercicio de estilo dedicado a sus fans más acérrimos. Alejándose de los parámetros más comerciales y sumergiéndose en un film claramente atmosférico y totalmente onírico. No realiza ningún esfuerzo en todo el metraje para dotarlo de una mínima coherencia narrativa, el espectador se ve abocado a una historia macabra, oscura y sobrenatural con un final deprimente y atípico.

La película nos presenta a Giorgio Mainardi (Duilio Del Prete), un excéntrico y odiado millonario, que muere al principio del film debido a una hemorragia estomacal. Su familia, que parece alegrarse mucho por su muerte, pronto no tendrá motivo para tanta alegría. El fantasma de Giorgio, convencido de que ha sido asesinado, entra en contacto con su hija y pide su ayuda para encontrar la verdad.
Voces del más allá es una película triste, un recetario de obsesiones (y anhelos?) con la vida más allá de la muerte, con la posibilidad de sobrevivir a la muerte del cuerpo y encontrar algo mejor. Por ese motivo no existe venganza, no hay ninguna muerte (salvo la del protagonista), es una búsqueda de la paz que parece armonizar con el estado mental del propio Fulci.   
El film tiene una excelente banda sonora, algún buen momento macabro y explícito, pero sobre todo resalta por la ingeniosa puesta en escena de las apariciones del fantasma, siempre presentándose en los sueños de sus familiares para provocarles espantosas pesadillas. Una buena película que no tuvo éxito y que se merece volverla a visionar. Por algo es una de las películas que Fulci siempre defendió y que tenía en más alta estima. Como curiosidad mencionar el cameo de Fulci como el patólogo forense que practica la autopsia a Giorgio.
Su última película fue una de las peores de toda su carrera. La puerta del silencio / Le Porte del Silenzio (1991), producida por Joe D’Amato en contra de la voluntad del mismo director (éste no creía para nada en el proyecto). Es intrascendente, aburrida e incluso molesta, pues en ella no encontramos nada del maestro, secuencias planas sin ritmo y un guión denigrante (y eso que estaba basada en un relato del propio Fulci) abocaron a esta producción al más completo de los fracasos.
A partir de ese momento nuestro protagonista estuvo fuera del circuito cinematográfico, su mal estado de salud, unido a un accidente que lo postró en una silla de ruedas lo mantuvieron inactivo durante unos años, paralelamente su fama iba en aumento y su presencia se hizo recurrente en multitud de festivales (incluido Sitges) donde los fans de nuevo cuño le asediaban sin cesar.
En el año 1996 se anunció su vuelta a la dirección. El proyecto, producido por Darío Argento, se titulaba La mascara de cera / La maschera di cera, lamentablemente el 13 de marzo de éste mismo año, Fulci fallecía por un paro cardíaco motivado por su diabetes.
Con él se fue una manera única e inimitable de entender el cine, su legado a pasado a la historia y su personalidad como realizador nos ha ofrecido momentos verdaderamente inigualables. Un creador con mayúsculas que supo superar todos los problemas con tal de llevar al celuloide sus historias y obsesiones más íntimas.
Un saludo Maestro del Horror.

Enlaces a los otros artículos
si quieres leer la primera parte de este artículo: aquí 
si quieres leer la segunda parte de este artículo: aquí
si quieres leer la tercera parte de este artículo: aquí
  
Filmografía seleccionada
Tempo di massacro / Los Colt cantaron la muerte (1966)
Beatrice Cenci / La verdadera historia de Beatrice Cenci (1969)
Una lucertola con la pelle di dona / Una lagartija con piel de mujer (1971)
Non si sevizia un paperino / Angustia de silencio (1972)
I quattro dell’ apocalisse / Los cuatro del Apocalipsis (1975)
Zombi 2 / Nueva York bajo el terror de los Zombi (1979)
Paura nella città dei morti viventi / Miedo en la ciudad de los muertos vivientes (1980)
E tu vivrae nel terror – L’aldilà / El Más Allá (1981)
Quella villa accanto al cimitero / Aquella casa al lado del cementerio (1981)
Lo squartatore di New York / El destripador de Nueva York (1982)  
Il miele del diavolo / La miel del diablo (1986)
Aenigma / Aenigma (1987)
Zombi 3 / Zombi 3 (1988)
Urla dal profondo / Voces del más allá (1991)


Tráilers







8 de noviembre de 2010

The Walking Dead (Primeras impresiones)

Acabo de ver el primer episodio de ésta serie y la verdad es que tengo un sabor agridulce en la boca.
La adaptación es muy honesta y fiel a lo leído en los cómics y a pesar de que han colocado algunas escenas originales éstas se adaptan perfectamente a la línea argumental. Por otra parte, se nota que estamos delante de una serie profesional y muy bien hecha, el nivel de producción es excelente (casi a nivel cinematográfico) enseñándonos un mundo devastado por la invasión Zombie, con profusión de detalles apocalípticos y grandes momentos de una tensión muy bien llevada, los efectos especiales (gran trabajo de Greg Nicotero y su equipo) son espectaculares y bastante explícitos (para tratarse de televisión), la dirección de actores está bastante bien  y la dirección en general es notable (se nota la mano de Darabont).

Hasta aquí todo correcto, el sabor agrio viene motivado por el ritmo excesivamente lento del primer capítulo, aunque si hay que ser sinceros el primer número del cómic original también tenía ese “defecto” por lo que no se le puede dar toda la culpa a la TV. Por lo tanto tenemos entre manos un episodio inicial que dedica buena parte del metraje a darnos pequeños toques de atención sobre la catástrofe (sin demasiadas explicaciones) y sobre todo a presentarnos al protagonista, siendo principalmente con éste personaje donde mis quejas se hacen más ostensibles, no acabo de ver al actor Andrew Lincoln (sheriff Rick Grimes) en este rol, el papel le viene demasiado grande y no consigue transmitir demasiadas sensaciones, yo lo veo siempre con la misma cara, ya sea viendo por primera vez a un zombie o esté acariciando a un caballo, siendo absolutamente comido en pantalla por la interpretación de Lennie James (Morgan Jones) que sí que sabe trasmitir perfectamente, con un variado registro, la angustia de la situación que están viviendo. Por otro lado las situaciones presentadas a lo largo del capítulo me parecen demasiado previsibles, en cada momento sabes lo que va a pasar y eso amigos es un lastre bastante grande, sobre todo si pensamos que es una serie que tendrá continuidad y que debe sorprender adecuadamente para mantener el interés del espectador.
En fin, espero que los siguientes capítulos corrijan éstos defectos, yo por mí parte voy a ver la primera temporada entera (por lo menos tenemos ración zombie cada semana) y en el futuro ya daré una valoración más justa del evento en un nuevo artículo. A continuación os dejo con un pequeño documental (behind the scenes)
Saludos Zombies.  

6 de noviembre de 2010

Lucio Fulci, el maestro del horror (Parte 3)

Tercera parte del artículo dedicado al maestro, en este caso toca comentar su última gran película de tema sobrenatural (y final de la Trilogía de la Muerte) y su nueva y salvaje incursión en el giallo sabiamente condimentado con la influencia de los psycho killers típicamente norteamericanos. Entremos sin demoras.
Vagamente inspirada en Lovecraft, Aquella Casa al Lado del Cementerio / Quella villa accanto al cimitero aka House by the cemetery  (1981) es otra buena muestra de cómo entendía el cine Fulci, una película con un argumento confuso (en ocasiones absurdo) y una continuidad errática que sin embargo no importan a la hora de visionarla, pues la esencia del film y máxima para el realizador no era crear películas comprensibles y lineales sino adentrarse en las sensaciones y la irrealidad como eje central de la película. Como ya se ha comentado en los anteriores artículos, a Fulci le encantaban las cadencias lentas y progresivas, sucesiones de imágenes a cada cual más cruenta y salvaje para, finalmente, desembocar en finales extraños e incomprensibles.
Teniendo presente lo anteriormente expuesto Aquella casa al lado del cementerio es un film muy correcto y aprovechable, con una ambientación muy parecida a su anterior película (El Más Allá), el realizador vuelve a recrear sus obsesiones favoritas: atmósferas sobrenaturales, personajes misteriosos y extraños, asesinatos brutales y salvajes ataques de animales, todo ello rodado con profusión de primeros  y detallados planos.
La trama es la siguiente: debido al suicidio de un colega de profesión (Dr. Petersen) el Dr. Norman Boyle (Paolo Malco) recibe el encargo de trasladarse a un remoto pueblo para retomar las interrumpidas investigaciones. Acompañado de su mujer Lucy (Katherine MacColl)  y de su hijo Bob (Giovanni Frezza) parten hacia el lugar, no sin antes haber recibido la advertencia de su propio hijo de que sería conveniente anular el viaje. Una vez en el pueblo, alquilan la misma casa donde se alojaba Petersen, una mansión que había pertenecido antiguamente al Dr. Freudstein (Freud + Frankenstein, vaya tela!!!!!!!), un científico que realizaba extraños experimentos. Una vez instalados comienzan a ocurrir extraños sucesos y una ola de salvajes crímenes se abate sobre ellos. 

El Dr. Freudstein
Como no podía ser de otra manera, el film es bastante gore,  el primer asesinato se resuelve con una brutal cuchillada en la parte trasera del cráneo, atravesándolo por completo y apareciendo la punta del cuchillo por la boca de la víctima, el ataque del murciélago no está nada mal, la muerte de la vendedora de fincas es bastante sádica (aun estando cortada, según Fulci por falta de realismo), la decapitación de la baby-sitter es contundente, pero verdaderamente lo que se lleva el premio son la correrías del amigo Freudstein, un ser que necesita células vivas para sobrevivir y que por su interior corretean felices cientos de gusanos, absolutamente delirante.
La película cierra la llamada “Trilogía de la Muerte” y a pesar de no ser tan redonda como Miedo en la ciudad de los muertos vivientes o, sobre todo, El más allá se deja ver con agrado.
El film fue otro éxito de taquilla, pero desgraciadamente también supuso la última gran incursión de Fulci en el género sobrenatural.
Como siempre el trabajo de Giannetto de Rossi con los efectos especiales es soberbio, también merece la pena destacar la música compuesta por Walter Rizatti y la fotografía de Sergio Salvati.
Como curiosidad un par de comentarios: el propio Fulci hace un cameo (sin acreditar) al principio de la película en el papel del Profesor Muller, la frase final “nadie sabrá nunca si los niños son monstruos o los monstruos son niños” adjudicada a Henry James surgió en realidad del propio Fulci.
 
En el año 1982 Fulci entregó la que sería la película más dura y polémica de toda su carrera; El destripador de Nueva York / Lo squartatore di New York se aleja de los parámetros de lo sobrenatural para adentrarse en el giallo clásico (tiene todos los tópicos) mezclado con el típico psycho killer surgido del cine americano en la década de los ochenta. El film fue criticado por todos los frentes. Políticamente incorrecta, absolutamente misógina y muy sádica esta producción es, todavía a día de hoy,  considerada la película más perversa jamás filmada. Para constatar este hecho podemos señalar la descripción que hizo el director de la BBFC (British Board of film Classification –la censura británica, vamos-) sobre el film, transcribo literalmente: “una película obscenamente ofensiva que destila la misoginia más brutal proyectando toda su violencia contra la mujer”. Como es obvio, no voy a defender los postulados que en esta película se enseñan, pero la verdad es que como cine es todo un peliculón y como aquí hablamos de cine, pues eso, a hablar de cine.
El destripador de Nueva York narra de forma sencilla, pero contundente, los asesinatos de un psycho killer que se dedica a torturar, mutilar y asesinar a cualquier bella joven  que se cruce en su camino, después de cometer los asesinatos se recrea comentándolos usando la voz del Pato Donald, el teniente de policía Fred Williams (Jack Hedley) ayudado por el Dr. Paul Davids (Paolo Malco) , un reputado psicólogo con tendencias gay, intentarán detenerlo.
El film tiene un buen ritmo priorizando la acción y el impacto visual por encima de la coherencia en el guión y la interpretación de los actores. El destripador es como una vagoneta de montaña rusa sin frenos, Fulci no se corta para nada, explora la violencia y la locura llegando hasta los extremos mismos, los asesinatos y torturas son horripilantes (en especial el de la prostituta amiga del teniente) y el mensaje no puede ser más desolador: si eres mujer, eres guapa y te gusta follar, estas muerta.
La excusa psicológica, revelada al final del film, para todo este delirio de sangre y muerte es cuanto menos tópica: el asesino tiene una hija internada en un hospital por un linfogranuloma que ha provocado la amputación de un brazo y una pierna y está acabando con su vida, cada vez que la niña llama por teléfono a su padre éste asume el rol del pato Donald (muñeco que su hija tiene en la mesilla del hospital), este rol le permite asumir la figura del pato como elemento de venganza y destrucción hacia otras mujeres, mujeres en las cuales su hija nunca se podrá convertir. La figura del pato como catalizador de la violencia es un auto homenaje a la película Angustia de Silencio.




Algunas curiosidades: Fulci hace un Cameo al principio del film, Tarantino admitió a la hija de Fulci haber visto 30 veces la película, al enterarse Fulci recomendó a su hija que se casara con ese hombre inmediatamente, la secuencia de la tortura con gilette de la prostituta amiga del teniente fue cortada porque era demasiado espantosa…, la distribución en DVD en Gran Bretaña no se pudo realizar hasta el año 2007, eso sí con 19 segundos eliminados de la escena de la gilette.
El siguiente film fue Manhattan Baby aka Eye of the evil dead, Possesed (1982), Fulci cansado de la relación profesional con De Angelis se embarcó en esta producción de muy mala gana y el resultado final se resintió considerablemente. La película se inicia en Egipto donde un grupo de arqueólogos liderado por George Hacker (Christopher Connelly) descubre una tumba secreta. Al abrir la tumba Hacker queda ciego y libera un espíritu maligno que posee a su hija Emily Hacker (Laura Lenzi) gracias a un medallón entregado por una misteriosa mujer. Una vez de vuelta en New York, comienzan a ocurrir una serie de extraños asesinatos.
Manhattan Baby es un film  muy errático, como si Fulci no supiera o no quisiera darle fuerza e intensidad, si a eso le sumamos la apuesta,  que el mismo director y el guionista Dardano Sacchetti hacen, por intentar crear un film de terror “convencional” sin caer en la truculencia del gore, tenemos un resultado mediocre y bastante aburrido. Una película sólo recomendable para completistas del realizador.

El próximo artículo será el último, en el comentare los años más oscuros y el lento declive del realizador. Hasta entonces, felices pesadillas.
Para leer el primer artículo
Para leer el segundo artículo 
Para leer el cuarto artículo

3 de noviembre de 2010

William Hope Hodgson (Parte 1)

Hodgson, uno de los maestros de la literatura fantástica
Con el escritor William Hope Hodgson doy inicio a una serie de artículos en El Terror Tiene Forma dedicados a los escritores del fantástico y del terror más importantes e influyentes de la historia. Escritores como Edgar Allan Poe, H.P. Lovecraft, Arthur Manchen, Robert E. Howard o el mencionado Hodgson, entre otros muchos, crearon con sus relatos y novelas la base del terror y la fantasía actual, su influencia es notable en todos los ámbitos artísticos actuales y curiosamente muchos de ellos nunca conocieron las mieles del éxito. Los artículos contendrán una breve biografía, comentarios de sus mejores obras y las adaptaciones al cine (en caso de que las halla).
Hodgson es considerado uno de los padres de la literatura sobrenatural, el mismo Lovecraft lo tenía por una referencia indiscutible, su maestría en aunar el ambiente marino y las atmósferas sobrecogedoras no tiene parangón, la mar, para el autor, siempre era una vasta inmensidad llena de horrores inimaginables, presencias fantasmales que conducían a sus personajes a situaciones límite que siempre los empequeñecían y desbordaban quedando abrumados por la grandeza de los sucesos a los que tenían que enfrentarse. Pero no sólo de la mar escribe el hombre, siendo también del agrado del autor embarcarse en los horrores que habitan en los abismos del espacio-tiempo siempre vigilados por seres terroríficos y custodiados por deidades colosales e inhumanas. Nada mejor para iniciar éste artículo que unas frases escritas por el propio Lovecraft en su ensayo "El horror en la literatura" acerca de la novela “The Night Land”: “…formas y entidades de una especie inconcebible y absolutamente inhumanas - merodeadoras del mundo negro, abandonado e inexplorado por los hombres, al exterior de la pirámide- están sugeridas y parcialmente descritas con fuerza impresionante; mientras que el paisaje de la tierra nocturna, con sus abismos y laderas y volcanes agónicos, alcanza un terror casi palpable bajo el trazo del autor…”    
Biografía
William H. Hodgson, vio la luz en el año 1877 (dato no muy fiable) en Blackmore End, Essex (Gran Bretaña), hijo de un sacerdote anglicano de nombre Samuel Hodgson y de Lissie Sarah Brown, fue el segundo vástago de un total de doce. El padre de Hodgson, debido a su profesión, cambiaba constantemente de lugar de residencia, por lo que la educación del niño fue, en muchos casos, casi privada. A la edad de 13 años se escapa del colegio con el fin de convertirse en marinero, es descubierto y devuelto al hogar donde su padre intenta convencerle de lo descabellado de su idea, el joven no da su brazo a torcer y su padre se ve obligado a concederle el permiso para embarcarse en un navío mercante, así es como a los 14 años Hodgson surca los mares de todo el planeta durante un periodo de ocho años. Paralelamente su padre fallece y su familia se ve obligada a vivir de la caridad. El joven vuelve y durante dos años cursa estudios en una escuela especializada de Liverpool para finalmente aprobar los exámenes de oficial. Pronto vuelve a la mar y se aficiona a la fotografía convirtiéndose en un experto en ese arte. Vuelve a tierra firme cansado de lo que él denominaba “una vida de perros”, aprovechando su buena forma física decide abrir un gimnasio y  dar clases en este. A la vez también se dedica a dar conferencias acompañado de las fotografías que había tomado en sus viajes. En esa época inicia colaboraciones con algunas revistas literarias y algunos de sus textos (cultura física o temas de marinería principalmente) son publicados.
En el año 1904 publica en el Royal Magazine su primera historia de ficción (The Goddess of Death) y este hecho provoca que su carrera como escritor se confirme. A partir de ese momento no cesó en su actividad literaria, vendiendo sus relatos cortos a ambos lados del charco en revistas pulp de la época y editando personalmente sus cuatro novelas y un libro de poemas.
En el año 1913 conoce a Betty Farnworth que se convertirá, pocos meses después en su esposa. De mutuo acuerdo deciden residir en Paris, desde esa ciudad Hodgson continúa su actividad literaria hasta que el estallido de la Primera Guerra Mundial interrumpe todas sus actividades, Hodgson vuelve a Inglaterra y se alista en el Cuerpo de Caballería. En 1916 es herido en combate y deja el servicio activo durante un tiempo aprovechando para volver a escribir. A finales del año 1917 se incorpora otra vez a filas, entrando en acción rápidamente, pocos meses después, concretamente el 19 de abril 1918, encuentra la muerte por la detonación de una granada, su cuerpo nunca fue encontrado. El 2 de Mayo del mismo año el periódico The Times notificó su muerte oficialmente.
Obra / Novelas
Hodgson descubrio en la mar un oceano de inspiración
En el año 1907 se publica su primera novela Los botes del “Glen Carrig” / The boats of the Glen Carrig, en él se nos narra la odisea, después de un naufragio, de unos marineros a bordo de los botes de salvamento del navío Glen Carrig. Navegando a través de una interminable extensión de agua completamente cubierta de algas, bajo la cual habitan horripilantes monstruos marinos que intentan acabar con sus vidas. Esta es a grandes rasgos la historia, no voy a desvelar más, pues es un libro que hay que leer, hay que sumergirse en sus páginas y  dejarse llevar sin titubeos al escalofriante mundo que su autor nos propone. Muy recomendable.   
En 1909 se publica la que es su obra maestra, House on the borderland / La casa en el confín de la tierra, en esta novela Hodgson ya es un especialista consumado en crear atmósferas oprimentes y terroríficas, con una imaginación desbordante nos sumerge  en una pesadilla llena de elementos extraños y antinaturales, que transporta al lector a un sorprendente y alucinógeno viaje en el espacio-tiempo. La trama no es demasiado complicada, dos amigos se dirigen a una remota aldea situada al oeste de Irlanda con el ánimo de pasar una amena jornada de pesca en un río descubierto por uno de ellos anteriormente. Descendiendo río abajo descubren unas lóbregas e inhóspitas ruinas de una antigua mansión y encuentran un antiguo manuscrito medio hundido en el fango, el manuscrito resulta ser el diario de alguien que vivió en esa mansión durante mucho tiempo. A partir de ese momento descubren asombrados una terrorífica historia.
Realmente una obra maestra. Por el año 2003 se publicó una versión en cómic de esta novela dibujada por Richard Corben y con guión de Simon Revelstroke y el mismo Corben. Os sugiero que si tenéis oportunidad os la miréis pues la esencia y atmósfera de la obra original están muy bien conseguidas.   
Su tercera novela vio la luz en el año 1909, titulada Los Piratas Fantasmas / The Ghost Pirates, es otro muestrario completo de los horrores y atmósferas oprimentes tan del gusto del autor y se erige por derecho propio en la novela cumbre de las historias de fantasmas que tienen por escenario la mar.
La novela narra la historia del Mortzestus, un navío que jamás ha completado dos navegaciones con la misma tripulación y que tiene una reputación de barco maldito. El narrador es Jessop, un marinero que cuenta los avatares del último, trágico e inquietante viaje del barco. 
Esta novela, según el mismo autor, cierra una trilogía con las dos anteriormente mencionadas, en éstas se juntan todas las obsesiones y temáticas propias de Hodgson: la aventura, el misterio, los horrores abisales, las sombras fantasmales y los terrores primigenios, logrando cerrar un círculo perfecto de gran literatura sobrenatural.
Esta trilogía está editada en nuestro país por Valdemar en su colección Valdemar Gótica en un soberbio tomo titulado Trilogía del Abismo, (un día de éstos tengo que hacer un artículo sobre esta gente ya que su labor editorial habría que ponerla en un altar).
Su cuarta novela vio la luz en el año 1912. The Night Land / El País de la Noche es la obra de Hodgson más extensa y barroca, en ella se desborda toda la imaginería habitual del escritor, poblando sus páginas de un mundo extraño con seres indescriptibles como telón de fondo para desarrollar una historia de amor, una historia de amor que es el factor determinante para no poder decir que es una novela perfecta, porque los párrafos dedicados al romanticismo son demasiado extensos, empalagosos y quitan toda la fuerza a los elementos sobrenaturales de la narración. De todas maneras una lectura muy disfrutable para los incondicionales de este escritor, pues difícilmente se pueden superar las descripciones, los sucesos narrados y la prosa imaginativa de esta gran obra.
Hasta aquí la primera parte, en el siguiente artículo comentare los relatos cortos y la conexión con el mundo del cine.
Un saludo y hasta la próxima.

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