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Tu Web del Cine de Terror

Tu Web del Cine de Terror

31 enero 2011

Jesus Marti

Fuerza vital / Lifeforce (1985)

Lifeforce 1985, una película de Tobe Hooper

"Una película brillante pero fallida en el planteamiento argumental"

Dios y ayuda le ha costado a Tobe Hooper asimilar el éxito y posterior influencia que su segunda incursión en el largometraje, The Texas chainsaw massacre, película que originó en la historia del moderno cine de terror, un cambio radical de planteamientos y conceptos, que todavía a día de hoy provocan no poca controversia. La calidad e intensidad del film, su crudo toque realista y la particular visión del terror extremo que en ella hacía gala, han ensombrecido (y en algunos momentos hundido totalmente) la posterior carrera del director. Difícil, muy difícil superar, igualar o ni siquiera acercarse a lo conseguido en ese film. Todas las obras posteriores han sido desmenuzadas, analizadas y comparadas con la  obra inicial, así películas como Trampa mortal / Eaten alive (1977), Phantasma II / Salem´s Lot (1979) o La casa de los horrores / The funhouse (1981) fueron despreciadas y arrinconadas como meros productos sin ningún tipo de interés. Personalmente yo no apoyo esas opiniones, supongo que muchos aficionados estarán de acuerdo conmigo, si digo que estos films, reconociendo que no llegan al nivel de su obra más importante, sí que tienen suficientes puntos de interés para justificar su visionado. A mediados de los ochenta, después de haber filmado Poltergeist (1982), Hooper firmó un contrato para rodar tres películas con la productora Golan Globus. Los tres proyectos fueron: Fuerza vital / Lifeforce (1985), Invasores de Marte / Invaders from Mars (1986) y La matanza de Texas 2 / The Texas chainsaw massacre 2 (1986). Todas ellas fueron un fracaso en taquilla, las inversiones fueron abultadas y la recuperación, en el mejor de los casos, lenta, provocando el cierre de la productora y condicionando la carrera profesional de Hooper, casi en su totalidad, al formato televisivo. La pregunta es obvia ¿tan malas eran?, yo creo que no, simplemente las expectativas puestas en el realizador eran tan elevadas que los espectadores se sintieron defraudados por lo visto en pantalla.
Hoy vamos a comentar la primera de esas obras creadas para Globus y nada mejor que una pequeña sinopsis para ponernos en situación: Churchill es el nombre de un transbordador espacial encargado de interceptar y estudiar el cometa Halley, la misión es una operación conjunta entre Inglaterra y Estados Unidos. Escondida en la cola del cometa encuentran una misteriosa nave extraterrestre. Una vez investigada encuentran los esqueletos completamente deshidratados de varios alienígenas y unos extraños cubículos que contienen unos cuerpos humanos (dos hombres y una mujer) en suspensión animada. El coronel Tom Carlsen (Steve Railsback) ordena a su equipo llevar a la nave uno de los esqueletos y los tres cuerpos encontrados. 30 días después la nave entra en la órbita terrestre, desde la base de control intentan ponerse en contacto con el transbordador, nadie contesta, así que deciden enviar una misión de rescate. Al llegar a la nave encuentran todo su interior completamente calcinado, sin embargo los extraños cubículos están intactos y deciden llevárselos a la tierra para ser investigados. Los misteriosos cuerpos reviven de repente y la mujer consigue escapar del centro de investigación. A partir de ese momento el terror se desata por todo Londres, pues el ser que ha escapado es una vampira que necesita la energía vital de los seres humanos para sobrevivir.   
Lifeforce, está basada en la novela The space vampires de Colin Wilson. Desde el punto de vista cinematográfico podría decirse que sus influencias son múltiples y variadas, personalmente a mí me resuenan ecos de El experimento del Doctor Quatermass / The Quatersmass Xperiment (1955), Planeta sangriento / Queen of blood (1966), Alien (1979) y un pastiche de diferentes películas de vampiros y unas cuantas de zombis, una acumulación de referencias, guiños o homenajes que más que ayudar, enturbian, en según qué momentos, el ritmo de la narración. Fue una producción muy cara, alrededor de 25.000.000 $ y en ella estuvieron involucrados nombres tan importantes como Dan O’Bannon, John Dykstra (FX) o la música de Henry Mancini
Lifeforce transita por las turbulentas aguas de la indefinición, eso no quiere decir que la película sea mala, simplemente que podía haber sido bastante mejor, pues podría decirse que Hooper jugaba con bastantes cartas a su favor como para haber hecho alguna jugada un poco más redonda.
La primera parte del film, la que transcurre en el espacio, es la más atmosférica y opresiva de todo el metraje. A partir de ese momento, cuando llegan a la tierra, la acumulación de ideas, muchas de ellas sin respuesta, deja a la película un poco coja e incoherente. De todas maneras Lifeforce se deja ver, tiene un buen impacto visual y algunas secuencias muy conseguidas, por ejemplo, la creación de la imagen de la vampira a partir de la sangre de dos de sus victimas o todas las escenas finales con Londres convertido en un campo de batalla apocalíptico, mientras la nave alienígena chupa toda la energía vital de la población.
En el apartado de los efectos visuales y los maquillajes estamos hablando de palabras mayores, a pesar de que algunos de los efectos (los animatronics principalmente) puedan haber quedado algo obsoletos, no dejan por ello de tener encanto visual. El resto de efectos, la nave alienígena, los maquillajes de los zombies / vampiros y la secuencia de la sangre mencionada anteriormente, entre otros, proporcionan mucha fuerza a la narración y están muy bien llevados.
Queen of Blood, uno de los referentes claros de Lifeforce
Como conclusión, se puede decir que la película a pesar de no ser, ni mucho menos, redonda, sí que consigue entretener. Sus más de 100 minutos pasan rápidamente, hay buenos efectos visuales, un buen puñado de ideas atractivas (aunque muchas se queden en la nada y sea el espectador el que tenga que sacarles el jugo), sangre, algo de gore y bastantes desnudos femeninos. La mayor decepción del film para el aficionado es sin lugar a dudas la labor detrás de las cámaras de Tobe Hooper, quizás superado por el presupuesto, quizás desorientado por el argumento o simplemente poco motivado por la historia, lo cierto es que su labor pasa discretamente a segundo plano, se nota a faltar nervio y pasión (dos de sus principales bazas en La matanza de Texas) y llega, por momentos, a lograr que el espectador se olvide completamente de su vinculación a este trabajo.
Película recomendada para un amplio sector de aficionados al género, sobre todo por su impactante aspecto visual. Una película brillante pero fallida en el planteamiento argumental y que ha envejecido considerablemente con el tiempo.
Bueno nada más por hoy. Un saludo.
Tráiler: Lifeforce
    
Ficha Técnica
Año: 1985 / Director: Tobe Hooper / Productor:  Yoram Globus, Menahem Golan, / Guión: Dan O’Bannon, Don Jakoby / Música: Henry Mancini / Fotografía: Alan Hume / Maquillaje: Nick Maley, Richard Mills, Michael Morris / FX: John Gant, Kevin Welch, Steve Crawley / E. Visuales: John Dykstra, Andrew Coupe, Jim Machin / País: UK / Duración: 116 m. / Formato: 35mm  / Proporción: 2.20: 1 / Color
Ficha Artística
Steve Railsback, Peter Firth, Frank Finlay, Mathilda May, Patrick Stewart, Michael Gothard, Nicholas Ball, Aubrey Morris, Nancy Paul, John Hallam, John Keegan, Chris Jagger, Bill Malin, Jerome Willis, Derek Benfield, Peter Porteus, Owen Holder, Jamie Roberts, Russell Sommers, Patrick Connor

28 enero 2011

Jesus Marti

VIDEOS INSPIRADOS EN H.P. LOVECRAFT

H.P. Lovecraft una influencia constante en el cine de Terror.

H.P. Lovecraft una influencia constante en el cine de Terror.

La sombra de H.P. Lovecraft es alargada y para demostrarlo, hoy en El Terror Tiene Forma tenemos una selección de vídeos dedicada a su obra y su persona. El primer corto está basado en el relato Dagon. El segundo trabajo se títula A Lovecraft Dream, un corto de animación muy interesante.
Espero que os gusten.
Un saludo primigenio.


27 enero 2011

Jesus Marti

Hellraiser, Los que traen el Infierno (1987)

la ópera prime de Clive Barker: HellraiserPlacer y dolor van casi siempre de la mano (dicen que el amor es dolor, sin ir más lejos). En la historia del cine hay muy buenas muestras de esta dicotomía, pero pocas veces una película de género fantástico ha llevado tan lejos esta premisa. Hellraiser es brutal, su planteamiento inicial es intenso, su desarrollo denso y malsano y su final…bueno dejemos su final.
La adaptación del relato The hellbound heart permitió a Clive Barker estrenarse en el largometraje (antes había dirigido un par de cortos) y poder llevar a la pantalla uno de sus relatos más sombríos y malsanos. Sin separarse ni un ápice de su particular universo creativo y de sus constantes fijaciones con el sexo, el sadomasoquismo, el dolor y las sensaciones más extremas, Barker consiguió crear una obra que marcó una época y abrió nuevos caminos al cine de terror, gore y fantástico en general. Por aquellos años el género fantástico estaba plagado de psicópatas enmascarados, más o menos sobrenaturales, tampoco faltaban a su cita en los cines, películas de monstruos alienígenas a rebufo de Alien; con semejante panorama, la película de Barker irrumpió en medio del panorama como un coche sin frenos, ofreciendo al espectador una novedosa propuesta, que se desmarcaba de las imitaciones insulsas y que pretendía crear un universo propio, fascinante y perverso.  
en el rodaje de Hellraiser
El visionado de Hellraiser siempre me ha recordado las perturbadoras visiones filmadas de David Cronenberg (sobre todo en Videodrome o La Mosca). La obsesión enfermiza por la carne y sus múltiples, variadas y sexualmente devastadoras transformaciones, es la hoja de ruta y el nutriente necesario para el imaginario de Hellraiser, ambas películas son contundentes visualmente hablando, pero la película que hoy nos ocupa gana, en ciertos aspectos, la batalla, pues donde la película de Cronenberg (en especial Videodrome) queda un poco diluida (debido a todos los problemas que tuvo en el montaje), el trabajo de Barker, por el contrario, es pródigo en crear todo un envoltorio para los excesos, dejando para la posteridad una serie de señas de identidad inconfundibles; iconos como La caja de Lemarchand (o Configuración de los Lamentos) un extraño puzzle que abre puertas a una dimensión paralela con sus propias leyes y prácticas, esos seres …ángeles para unos, demonios para otros…, llamados cenobitas, con Pinhead como líder absoluto, guardianes de la dimensión y ejecutores de sus leyes, se han convertido en parte de la imaginería del moderno cine de terror.
A parte de esos logros, el film explora sin contemplaciones la dualidad humana y la facilidad con que los deseos o anhelos de cada uno de nosotros pueden condicionar nuestra existencia, el paradigma de todo lo anterior lo representan Julia (Clare Higgins) y Frank (Sean Chapman); Julia, oscila entre la cómoda y fácil vida con Larry (Andrew Robinson) y el recuerdo de su infidelidad con el hermano de éste. Al producirse la resurrección de Frank, ella no duda en convertirse en su aliada y ayuda al monstruo a regenerar su cuerpo humano, pasando de esposa a asesina, anhela volver a sentirse viva y objeto de deseo, destruyendo de paso su acomodada pero aburrida existencia, Frank por su parte está desde el principio en el otro extremo de la cuerda, es un hombre amoral, físico, sexual, vive el momento y no duda en anteponer sus deseos a cualquier otra cosa, buscando sin tregua el límite de los sentidos y de los placeres convirtiéndose, sin saberlo, en presa fácil para el puzzle y su distorsionada línea entre los dos mundos. Ambos personajes son el eje y motor que mueve todo el film, sin ellos y sin la preocupación de Barker por exponerlos tan crudamente, sin tapujos, haciendo que la relación sea enfermiza, egoísta y tan poderosa, el film hubiera perdido muchos puntos y podría haberse convertido, fácilmente, en algo bastante más vulgar.
Los Cenobitas, mal rollo en cantidades industriales.
Como en todas las obras arriesgadas, el estreno de Hellraiser dividió al público, el que sí vio cumplidas sus expectativas fue el productor, ya que habiendo invertido 1.000.000$, la recaudación total fue de más de 20.000.000$, negocio redondo sin ninguna duda. El paso de los años ha convertido la película en un fenómeno de culto que se ha traducido en una gran cantidad de merchandising y hasta siete secuelas (algunas estrenadas directamente en DVD), con diferentes niveles de calidad pero ninguna tan poderosa como la primera parte, al final del artículo encontrareis la relación de las mismas. Actualmente se está preparando un remake de la película original con el original título de Hellraiser, está prevista para el año 2012.
A estas alturas del artículo habréis adivinado que no voy a explicar la trama, doy por sentado que la conocéis (si no es así recomiendo encarecidamente su visionado), a lo que no voy a resistirme es a mencionar algunas cosas del film que, sea por un motivo u otro, han pasado a la posteridad:
Female Cenobita
- La resurrección y posterior regeneración de Frank, espeluznante y nauseabunda. Los buenos efectos logran que sea convenientemente “realista”.
- La conversión de Julia en asesina sin escrúpulos y sus espléndidos martillazos a los inocentes hombres que sólo querían un buen polvo. Clare Higgins está absolutamente brillante dando vida al personaje. Miedo, miedo de verdad da la señora.
- La aparición del extraño mendigo en la tienda de animales donde trabaja Kirsty (Ashley Laurence), el banquete de insectos que se pega es digno de un gourmet del averno.
- Por supuesto la aparición de los cenobitas, dan un miedo brutal. Pinhead es el líder, pero su séquito de seres infernales (Chattering, Buterball y Female cenobite) no le van a la zaga.
- Toda la atmósfera malsana y perturbada del film, hasta las escenas más intrascendentes y normales parecen bañadas de una presencia amenazadora.
-  La maravillosa banda sonora compuesta por Christopher Young, una melodía inquietante que envuelve todo el metraje con un halo mágico y terrorífico. Una nana para el dolor.
Butterball
También me apetece reseñar algunas curiosidades:
- Fue el debut en el cine de Doug Bradley (Pinhead) y Ashley Laurence.
- Seis horas se tardaba en lograr el maquillaje de Pinhead.
- El film fue censurado (obligando a cortar algunas secuencias) en países como Francia, Holanda o Inglaterra.
- El actor Andrew Robinson ya había demostrado sus dotes para la actuación en la película Harry el Sucio, donde interpretaba al peligroso psicópata al cual Clint Eastwood tenía que dar caza.
- El título de la película durante el rodaje era: Sadomasochists from beyond the grave.
Para terminar, comentar que la película ha influido considerablemente en el posterior devenir del cine fantástico y gore. Hellraiser no ha envejecido con el paso de los años, más bien, al igual que un buen vino, el tiempo le ha añadido más cuerpo y presencia. Solo me queda recomendar el visionado del film y comentar que la continuación directa, o sea, Hellbound, también es muy aprovechable.       
Esta es la lista de secuelas filmadas hasta el momento:
1988 / Hellbound: Hellraiser II / Dirección: Tony Randel
1992 / Hellraiser III: Hell on Earth / Dirección: Anthony Hickox  
1996 / Hellraiser IV: Bloodline / Dirección: Kevin Yagher, Joe Chappelle
2000 / Hellraiser V: Inferno / Dirección: Scott Derrickson
2002 / Hellraiser VI: Hellseeker / Dirección: Rick Bota
2005 / Hellraiser VII: Deader / Dirección: Rick Bota
2005 / Hellraiser VIII: Hellworld / Dirección: Rick Bota
2011 / Hellraiser: Revelations / Dirección: Víctor García
2017 / Hellraiser: Judgment / Dirección: Gary. J. Tunnicliffe
Bueno, ya está bien por hoy, voy a jugar un rato con una extraña caja que me han regalado.
Hasta luego amigos/as.


Ficha Técnica
Año: 1987 / Director: Clive Barker / Productor:  Christopher Figg / Guión: Clive Barker / Música: Christopher Young / Fotografía: Robin Vidgeon / Maquillaje: Bob Keen, Dave Keen, Nigel Booth, Sally Sutton / FX: Cliff Wallace / E. Visuales: Nick Xypnitos, Richard Dimblebly, Don Lee, Peter Swinson, Peter Watson /  País: UK / Duración: 94 m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Color
Ficha Artística
Andrew Robinson, Doug Bradley, Clare Higgins, Ashley Laurence, Sean Chapman, Oliver Smith, Robert Hines, Anthony Allen, Leon Davids, Michael Cassidy, Frank Baker, Kenneth Nelson, Gay Baynes, Niall Buggy, Dave Atkins, Oliver Parker, Nicholas Vince, Simon Bamford, Grace Kirby    

26 enero 2011

Jesus Marti

La no muerta / The undead (1957)

The Undead / Poster
Quintus Ratcliff ( Val Dufour), una especie de científico loco, ha recogido en la calle a una prostituta llamada Diana Love (Pamela Duncan) y la ha llevado al Instituto Americano de Investigación Psíquica. Una vez allí convence al profesor Ulbretch (antiguo maestro suyo) para que le ayude en un experimento. El cual es una práctica de hipnosis, con el objetivo de llevar la  mente de la muchacha a una especie de regresión en el tiempo para demostrar la existencia de las reencarnaciones. Durante la sesión, en un trance muy profundo, la chica ayuda a escapar de la hoguera a una joven acusada de brujería. Este simple hecho puede cambiar totalmente las cosas en el futuro, por lo que Quintus se verá obligado a intervenir e intentar arreglar las cosas.
Esta es, a grandes rasgos, la sinopsis del film que hoy traigo a El Terror Tiene Forma. Dirigida y producida por Roger Corman sin separarse ni un milímetro de su manera de trabajar, o sea, rodajes cortos, presupuestos ajustados,  mucha imaginación y un descaro a prueba de bombas para plasmar sus ideas en celuloide, nada nuevo visto ahora, pero que en su momento dinamitó completamente la industria cinematográfica y abrió el camino para un montón de nuevos realizadores, que se forjaron a la sombra de este avispado y excepcional personaje.

25 enero 2011

Jesus Marti

Holocausto 2000 por gentileza de El Buque Maldito

Otra proyección de los amigos de El Buque Maldito. El próximo sábado día 29 a las 18h. podremos ver la magnifica película Holocausto 2000. Nadie mejor que ellos mismos para explicaros el evento:

Proyección de la película Holocausto 2000 con la presencia de su realizador Alberto de Martino.
El mítico realizador Alberto de Martino, autor de célebres títulos como "Horror" (1962), "El asesino... está al teléfono" (1972) o "El anticristo" (1976), firmó en 1977 una de las mejores películas de terror satánico de aquella década y que contó con un reparto estelar comandado por Kirk Douglas y acompañado por Agostina Belli y Simon Ward. Ahora, treinta y cuatro años después del estreno del film, el realizador italiano visitará la ciudad condal para asistir como invitado al pase de su film y hablarnos de su trayectoria profesional en el mundo del cine.
Entrada Gratuita

Centro Garcilaso
C/ Juan de Garay, 116
Barcelona
<M> Sagrera L1-L5

Como siempre recomendaros la asistencia, disfrutareis como locos, estoy seguro.
Un saludo

24 enero 2011

Jesus Marti

Refugio macabro / Asylum (1972)

Siempre me han gustado las películas que contienen varias historias al servicio de un hilo argumental, el cine nos ha dado buenos ejemplos de esta manera de trabajar, películas como Al morir la noche / Dead of night (1945), Historias de terror / Tales of terror (1962), Las tres caras del miedo / I tre volti della paura (1963), Creepshow (1982) o la más reciente Truco o trato / Trick ‘r treat (2007) son buena muestra de ello.
Pero la productora que hizo de este estilo una marca de fábrica fue Amicus Productions. Milton Subotski y Max J. Rosenberg, dos estadounidenses que se habían conocido durante el rodaje de Horror Hotel, fundaron, a principios de los años sesenta, esta empresa, haciendo de Inglaterra su base de operaciones para pronto convertirse en una competencia bastante seria para otra productora del mismo país: la Hammer. Ambas  ofrecían películas con temáticas muy parecidas (el terror y el suspense) pero se distanciaban en el tono y el estilo utilizado. La circulación entre ambas empresas, sin ningún tipo de rubor, de parte de sus directores, técnicos y artistas, provocó que las producciones tuvieran un acabado y una presencia muy similar.
El film que hoy nos ocupa, es una pequeña joya bastante olvidada pero muy aprovechable. Asylum (1972), conocida en España como Refugio macabro (se lucieron con el título),  fue dirigida por Roy Ward Baker (en la que fue su primera colaboración con Amicus), el guión estuvo a cargo del gran Robert Bloch y fue protagonizada por una amplio y conocido plantel de intérpretes que aseguraban el perfecto funcionamiento de toda la propuesta.
Roy Ward Baker
El argumento de Asylum es el siguiente: un joven psiquiatra (Robert Powell) tiene una entrevista de trabajo en un sanatorio mental. Una vez en el lugar lo recibe el Dr. Lionel Rutherford (Patrick Magee), que le informa de que el responsable del establecimiento es ahora uno de sus internos. Para comprobar si el joven está suficientemente preparado para trabajar en el lugar, el Dr. Lionel le propone un reto:  tiene que subir a la planta de arriba (donde están los enfermos), entrevistarse con ellos y averiguar cual es el antiguo director, avisándole, de paso, de que puede ser un hombre o una mujer indistintamente. Acompañado de Max (Geoffrey Bayldon), cuidador de los enfermos, el aspirante al trabajo inicia sus pesquisas.   
Como seguramente ya habréis adivinado el eje central de la película son las entrevistas con los enfermos, cuatro historias diferentes que permiten al director adentrarse en distintos ambientes, atmósferas y posibilidades, un auténtico tour de force del cual el realizador sale muy bien parado.
A continuación desgloso los diferentes segmentos, por supuesto, no explico de qué va cada uno para no estropear la sorpresa de su visionado. 
La primera historia se titula Frozen Fear (traducción literal: Miedo congelado), en ella se mezclan, sabiamente, elementos o situaciones bastante utilizados en el cine de terror: adulterio, asesinatos, vudú y venganza sobrenatural. Está protagonizada por Richard Todd, Barbara Parkins y Sylvia Syms.
The Weird Tailor (tl: El sastre extraño) es la siguiente y quizás la más conseguida de la película. Peter Cushing y Barry Morse bordan su trabajo consiguiendo que toda la historia desarrollada tenga una atmósfera sobrenatural y terrorífica realmente brillante.
El tercer segmento es Lucy comes to stay, la historia presentada es la típica de doble personalidad esquizoide. Protagonizada por Britt Ekland, Charlotte Rampling, James Williers y Megs Jenkins es el segmento más predecible de toda la película.
Mannikins of Horror es la última y, siendo la menos trabajada (o más ingenua), es la más importante pues es la que crea el nexo de unión para el sorpresivo final de la película (sorpresivo es una exageración, pues el espectador atento, seguramente, ya ha resuelto el misterio). Herbert Lom, con su habitual carisma y variedad de registros se encarga de toda función, una función que se inspira en la grandiosa película de Tod Browning Muñecos infernales.      
El resultado final es muy entretenido, una película muy correcta técnicamente, suficientemente atmosférica y por momentos bastante enfermiza, detalles suficientes para deleitar a los aficionados al género. En su contra juegan factores como la escasez de secuencias explícitas o más sangrientas y la poca atención mostrada a los efectos visuales; de todas maneras Amicus siempre apostaba más por las atmósferas y las historias que por la expresividad visual, por lo tanto has de entrar en el juego propuesto para disfrutar de estas producciones.   
La película está muy cercana al espíritu de cómics como Tales from the Crypt o The house of mistery, historias cortas, sorpresivas e impactantes que dejan con ganas de más (siendo está su principal virtud).
Especial atención merece la banda sonora, la utilización y arreglos del tema Noche en el monte pelado del gran compositor ruso Modest Petrovich Mussorgsky es soberbia. Esta pieza, utilizada en infinidad de películas (el mismo Disney la utilizó en Fantasía), está inspirada en un cuento corto de Nicolás Gogol, en el cual se relataba el Sabbath de las brujas.
En próximos artículos nos acercaremos más a la historia y películas de esta curiosa productora, por ahora ya está bien, como siempre os dejo con la ficha técnica, artística y el trailer de la misma.
Un saludo desde el manicomio.



Ficha Técnica
Año: 1972 / Director: Roy Ward Baker / Productor: Max Rosenberg, Milton Subotsky / Guión: Robert Bloch / Música: Douglas Gamley, Modest Mussorgsky / Fotografía: Denys N. Coop / Maquillaje: Roy Ashton / País: UK / Duración: 88 m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Color
Ficha Artística
Peter Cushing, Herbert Lom, Barry Morse, Britt Ekland, Patrick Magee, Barbara Parkins, Robert Powell, Charlotte Rampling, Sylvia Syms, Richard Todd, James Villiers, Geoffrey Bayldon, Ann Firbank, Megs Jenkins, John Franklyn-Robbins, Sylvia Marriott, Tony Wall, Frank Forsyth, Daniel Jones

22 enero 2011

Jesus Marti

Hellraiser / Trailer de la semana

Dirigida en 1987 por Clive Barker, en la que fue su primera incursión en el largometraje, Hellraiser es todo un icono del cine de terror de los años ochenta.
Basada en el relato The Hellbound Heart (editado en este país por la editorial La Factoría de Ideas) del mismo Clive Barker, el film sumerge al espectador en una sobrecogedora, perversa y sangrienta historia que hasta el momento ha generado siete u ocho secuelas. Como pronto le dedicaré un extenso artículo a esta película no voy a entreteneros más, como entrante os dejo los trailers de Hellraiser y Hellbound: Hellraiser II, que Pinhead y sus amigos cenobitas sean con vosotros amigos.
Un saludo



21 enero 2011

Jesus Marti

Muñecos infernales / The devil-doll (1936)

Cartel de The Devil Doll

"Muñecos infernales es una película de notable alto y cine en estado puro"

Decir que Tod Browning es uno de los directores que está por derecho propio ocupando un puesto de privilegio en la historia del cine creo que no puede sorprender a nadie, así mismo reconocer que su nombre está indisolublemente ligado a unas cuantas películas en concreto y que el resto de su trabajo es menos conocido no es faltar a la realidad. La película que hoy ocupa nuestro tiempo es una pequeña pero grandiosa obra, Muñecos Infernales acumula en sus 78 minutos de duración todas las virtudes de este director y a día de hoy sigue siendo una delicatessen para todos los aficionados al séptimo arte. Basándose en el relato ¡Arde, Bruja, Arde! / Burn, Witch, Burn! de Abraham Merritt, (publicado en España por Anaya en su colección Ultima Thule), Browning junto a Guy Endore y Garrett Fort crearon un guión, muy cercano al libro, en el cual gracias a cierto tipo de magia negra, un fugado de un penal puede ver satisfechas sus ánsias de venganza para poco después suicidarse. La censura imperante consideró inapropiada la utilización de la magia negra y el suicidio en el argumento, por lo que Browning y su equipo (con alguna ayuda extra, entre ellos Erich von Stroheim) se vieron forzados a cambiar partes del guión, eliminando todos los elementos molestos e inventándose un concepto más científico y un final más al uso, sin embargo los cambios no variaban para nada todo el nudo argumental. 
Tod Browning y Lionel Barrymore La historia resultante se transformó en película y antes de seguir con el artículo prefiero hacer un pequeño esbozo de la misma: Paul Lavond (Lionel Barrymore), un banquero que cumple cadena perpetua por una acusación falsa de sus tres socios, y Marcell (Henry B. Watlhall) logran escapar del penal de la Isla del Diablo. Marcel (un científico brillante pero trastornado) conduce a su amigo hasta la casa donde se encuentra su mujer Malita (Rafaela Ottiano), que ha seguido con los experimentos de su marido durante esos años. Una vez en el lugar, Lavond descubre asombrado que el propósito de los experimentos es reducir el tamaño de los seres vivos (tanto animales como personas), una vez reducidos  quedan a merced de su creador, ya que, a pesar de estar vivos, el proceso de miniaturización destruye sus cerebros y por consiguiente carecen de voluntad, necesitando la concentración de su creador para realizar cualquier tipo de actividad. Marcel muere durante el último experimento y Lavon convence a Malita para trasladarse a París. Una vez en la ciudad Lavon, disfrazado de anciana, inicia los preparativos para llevar a cabo su venganza.
Rafaela Ottiano en Muñecos Infernales 1936
Rafaela Ottiano
Como podéis observar los elementos que unen el film son clásicos: drama, terror y venganza, todos ellos sabiamente condimentados con travestismo y seres extraños (los humanos diminutos) siendo todos muy del gusto de Browning. Con semejante material entre las manos no es de extrañar que el resultado final fuera muy bueno. Toda la trama, que en manos de otro director podía haber sido sumamente ridícula, adquiere en esta ocasión un tono amenazador y verdaderamente bizarro a la vez que inmensamente humano, puesto que el realizador se ocupa de que el protagonista sea capaz del odio más extremo pero también del amor más puro sin pedir nada a cambio, dualidad que hace creíble al personaje y al argumento. Es este planteamiento el que otorga al film un aire único, pero no habría bastado si no hubiera un actor capaz de transmitir semejante crisol de emociones, por suerte Lionel Barrymore cumple con creces (a veces parece un clon del gran Lon Chaney) llevando en perfecta comunión con el realizador toda la trama de la película y consiguiendo una complicidad con el espectador que evita que la película decaiga en ningún momento.
Secuencia de The Devil Doll 1936
El resto de actores está correcto (hombre, alguna sobreactuación hay, pero no es importante), siendo la actriz Rafaela Ottiano, en su papel de Malita, la que más resalta, pues su personaje es el contrapunto de locura necesario para apoyar la interpretación de Lionel. También me gustaría mencionar la aparición de Maureen O’Sullivan (la novia de Tarzán) interpretando a la hija de Lavond, siendo su papel el menos conseguido  (demasiado lacrimógeno).
Por otro lado tengo que citar las escenas que, indudablemente, quedan grabadas en la retina del espectador, me refiero a las secuencias con los humanos miniaturizados, Browning consigue momentos verdaderamente atmosféricos, casi asfixiantes, que provocan una creciente inquietud y una sensación de miedo absolutamente magistral, los ataques de esos seres (con sus pequeños estiletes emponzoñados) han pasado a los anales de la historia del cine de terror, y no es para menos.
En el apartado de efectos visuales la labor del equipo técnico es brillante, casi mágico si tenemos en cuenta la época en que está rodado. Con escenarios gigantescos, transparencias y sobreimpresiones consiguen en todo momento apoyar la narración y hacer creíble los sucesos que en ella ocurren. Un trabajo de maestros.         
Muñecos infernales fue un relativo fracaso en taquilla, la diferencia entre lo invertido (sobre los 400.000 $) y lo recaudado (68.000 $ de beneficio) dejó un margen mínimo que no satisfizo nada a la productora y acrecentó aún más la mala fama de Browning en relación a la comercialidad de sus obras. Siempre es curiosa la reacción del público, pues productos que no se apreciaron en su momento, años después, una vez fallecido su creador, se convierten en auténticas joyas y su valor se revaloriza hasta límites insospechados; un caso patente de esta dicotomía es La parada de los monstruos / Freaks (1932) que de ser repudiada ha pasado a ser considerada una de las obras maestras totales y absolutas del séptimo arte. Quién se lo iba a decir al pobre de Tod.
Bueno, Muñecos infernales es una película de notable alto y super recomendable para cualquier seguidor del cine en toda su extensión, sin entrar en preferencias de género ni demás parámetros, cine en estado puro que no es poco ¿verdad?
Pronto le dedicaré a este maestro una serie de artículos, pues la verdad, su carrera es verdaderamente fascinante.
A disfrutar que son cuatro días mal contados. Un saludo. 

Ficha Técnica
Año: 1936 / Director: Tod Browning / Productor: Tod Browning, E.J. Mannix / Guión: Garrett Fort, Guy Endore, Erich von Stroheim / Música: Franz Waxman, Edward Ward / Fotografía: Leonard Smith / Maquillaje: Robert J. Schiffer / País: USA / Duración: 78 m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.37: 1 / B/N
Ficha Artística
Lionel Barrymore, Maureen O’Sullivan, Frank Lawton, Rafaela Ottiano, Robert Greig, Lucy Beaumont, Henry B. Walthall, Grace Ford, Pdero de Cordoba, Arthur Hohl, Juanita Quigley, Claire Du Brey, Rollo Lloyd, E. Alyn Warren, Jean Alden, King Baggot, Egon Brecher, Paul Foltz   



20 enero 2011

Jesus Marti

El regreso del Doctor X / The return of Doctor X (1939)

Siete años después de El Doctor X (Michael Curtiz), se estrenó esta presumible secuela dirigida por Vincent Sherman (con la que debutaba en la dirección) y protagonizada por Humphrey Bogart en su única incursión en el género fantástico.
La sinopsis es cuanto menos ocurrente: una actriz teatral es encontrada muerta por un periodista que, sin pararse a más consideraciones, da la primicia. Al día siguiente la actriz aparece con vida (aunque con un aspecto un poco extraño) para desmentir la noticia. El joven periodista es desacreditado y decide, junto a un médico amigo suyo,  investigar lo ocurrido. Uno de los implicados en el caso es el Dr. Flegg (John Beal) que tiene como ayudante a Marshall Quesne (Humphrey Bogart), un hombre con un misterioso pasado ya que en realidad es el Doctor Maurice Xavier (más conocido como el Dr. X), ejecutado tiempo atrás por sus experimentos con niños (mata de hambre a uno) y que fue resucitado por el Dr. Flegg, convirtiéndolo, sin querer, en un ser que necesita sangre (de un tipo especial) para poder seguir viviendo su vida “zombie”.
Una joven enfermera es el próximo objetivo del doctor X, los dos jóvenes tendrán que resolver el misterio si quieren salvarla.
 62 minutos le bastan y le sobran al realizador para dar cumplida cuenta de la historia contada más arriba. La película es rápida y muy entretenida, teniendo en cuenta que no es una obra redonda, sí que podemos afirmar que tiene suficientes puntos positivos para merecer un agradable visionado.
A pesar de que se vendió en su momento como una continuación para aprovechar el éxito de la anterior, El regreso del Doctor X solo recupera el nombre del mencionado doctor (ni siquiera es el mismo personaje: en la original era Jerry Xavier y aquí es Maurice Xavier) para poner en marcha una historia de horror y ciencia ficción con la vida después de la muerte como eje argumental y la necesidad de sangre para sobrevivir como telón de fondo. La diferencia, obvia, para alejarse del argumento de El Doctor X es que si en la original el motor de la historia era la “carne sintética” en ésta es la “sangre sintética”, una pequeña diferencia que sin embargo es importante pues el Doctor X se convierte en zombie y vampiro, un monstruo con dos variantes combinadas del terror sumamente interesantes.
La película adolece de un estilo único, va picoteando de diferentes géneros sin decidirse por ninguno, esto puede ser debido a que es la ópera prima de su realizador, por lo que hay momentos de la historia que bajan considerablemente el interés por la historia.
Uno de los puntos fuertes del film es la presencia de Bogart, a pesar de ser uno de sus primeros papeles como protagonista, la recreación que hace de su personaje es consistente y en muchos casos bastante terrorífica. Su maquillaje (la cara blanca como la nieve), su pelo negro con un mechón blanco en medio, su aspecto físico (el cuerpo un poco encogido y un andar algo extraño) y la falta de escrúpulos que demuestra el personaje, impone y logra provocar algún que otro escalofrío en el espectador,  metiéndose de lleno en la memoria colectiva de todos los seguidores del terror.  
La muerte del Doctor X
Por otro lado el factor “comedia”, tan típico en esos años, está bastante diluido en comparación con el film original y, salvo algún desliz, bastante controlado. Cosa que se agradece mucho.  
La dirección, sin ser una maravilla, está bastante bien aunque se nota la falta de experiencia. Eso lo podemos comprobar en algunas escenas que parecen incompletas o poco desarrolladas, pues se diría que la intención de Sherman era ir por derroteros más góticos y atmosféricos pero no sabe (o no le dejaron) plasmarlo en celuloide, una lástima ya que los pocos momentos del film que se mueven en esos parámetros son los más logrados de todo el metraje. De todas maneras un buen trabajo digno de tener en cuenta.

Curiosidades:
-         La película está basada en el relato corto The Doctor’s Secret del escritor británico William J. Makins
-         Bogart no volvería nunca al género de terror, pero no queda ahí la cosa, el actor declaró muchas veces que odiaba este papel, que odiaba a esta película y que lo habían obligado a intervenir en ella. Parece ser que la decisión de alejarse del  género fue acertada para su carrera posterior.
-         La frase promocional: Se levanta de entre los muertos… para vengarse de la vida. Simplemente magistral.
Bueno lo dicho, si os apetece pasar un buen rato no dudéis en visionar esta película. Solo por ver a Bogart convertido en zombie-vampiro ya merece la pena.
Un saludo
Ficha Técnica
Año: 1939 / Director: Vincent Sherman / Productor: Bryan Foy, Hal B. Wallis, Jack L. Warner / Guión: Lee Katz / Música: Bernhard Kaun / Fotografía: Sidney Hickox / Maquillaje: Perc Westmore / País: USA / Duración: 62 m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.37: 1 / B/N
Ficha Artística
Humphrey Bogart, Wayne Morris, Rosemary Lane, Dennis Morgan, John Litel, Lya Lys, Huntz Hall, Charles C. Wilson, Vera Lewis, Olin Howland, Howard C. Hickman, Arthur Aylesworth, Cliff Saum, Creighton Hale, John Ridgely  
Edición en DVD (Importación)
Audio: Inglés (Dolby Digital 1.0) / Subtítulos: Castellano, Francés / Pantalla: Full Frame / Calificación: not rated / Distribuidora: Warner /  Extras: Trailers, Comentarios a cargo de diferentes historiadores de cine / Valoración de la edición: 6 / Comentarios: Legends of Horror: Box set de tres discos con seis películas: Doctor X, The return of Doctor X, Mad Love, The Devil Doll, Mark of the Vampiro, The mask of Fu-Manchu / Precio: 28,49 $

19 enero 2011

Jesus Marti

The Crazies (2010)

Yo no sé vosotros, pero yo estoy bastante harto de precuelas, secuelas, remakes y demás zarandajas que, o bien esconden una alarmante falta de ideas novedosas y originales en los engranajes actuales de la industria cinematográfica, o bien son las únicas apuestas con las que las productoras se encuentran cómodas, sea como sea, en los últimos años la oleada de productos de estas características ha sido abrumadora y los resultados digamos que no demasiado brillantes (salvando honrosas excepciones).
La película que hoy nos ocupa no sale de las coordenadas habituales de estos productos, es decir, un producto técnicamente bueno, con bastante dinero detrás, creado para un tipo de espectador acomodado en unos estándares de entretenimiento básicos y que necesita pocas cosas para divertirse y/o asustarse, además The Crazies versión 2.0 no solo no aporta nada sino que encima quita los aspectos más políticamente incorrectos de la película original, consiguiendo como resultado final una peli plana, sin alma y a momentos bastante incoherente y predecible.
Con 20.000.000 $ de presupuesto el producto final no puede dejar de ser espectacular. Explosiones, ataques brutales, buenos maquillajes y efectos visuales; elementos, todos ellos, puestos al servicio de una historia contada con ritmo, que da más importancia a las consecuencias físicas del virus que a las verdaderas razones del desastre, perdiendo la oportunidad de ejercer algo de crítica socio-política que habría dado un poco más de interés a la película. La historia se centra, sobre todo, en el momento en el que la pandemia ya es una realidad, con lo cual todo el suspense que podía haberse creado entorno a las reacciones de los enfermos y su forma de actuar sorpresiva y violenta, se diluye en su totalidad, ¿que queda a partir de entonces?, pues, la brutal irrupción del ejército y la huída del los protagonistas, poca cosa para llenar todos los minutos que faltan para el final del film.
Breck Eisner, su director, no muestra mucho interés en crear una historia de terror, más bien se mueve en las coordenadas de una película de acción con algún toque de terror, cometiendo el error habitual a la hora de hacer remakes: repite los esquemas ya sabidos pero no les inyecta sangre nueva, limitándose a filmar algo que ya estaba filmado muchos años antes y que tenía a su favor la sorpresa de la historia. Falta de talento, me parece que se le llama a eso.
Los momentos gore son escasos y bastante contenidos, aunque bien realizados y crean puntos de tensión apreciables dentro de la mediocridad del invento. Por otro lado los actores tampoco resaltan para nada, siendo particularmente llano el protagonista, Timothy Olyphant, que en ningún momento logra transmitir una sensación real de peligro o angustia y lastra considerablemente el desarrollo del film.
Algunas incoherencias o tonterías de narración:
-         La escena en la tienda de la gasolinera, donde el sheriff está cogiendo cosas para la huída, en medio de su búsqueda ve un expositor de zippos y coge uno de ellos, lo prueba, ve que funciona y se lo queda (por cierto no saben que los zippos no vienen llenos de gasolina, hay que llenarlos), yo me pregunto ¿para qué? No ha fumado en todo el film, para qué narices quiere un Zippo!!!, me sigo preguntando, pues está claro, para poder quemar a uno de los zombies (perdón, infectados) que le ataca al poco rato. Un ejemplo de adivinación y previsión admirable.
-         La escena, al principio del film, cuando encuentran el avión accidentado. ¿Alguien me puede explicar cómo el accidente de un avión de esas características ha pasado desapercibido para todo el mundo? Otra cosa, un avión accidentado deja un rastro de destrozos brutal, ¿Cómo es que los árboles, vegetación y demás cosas que rodean el lugar del accidente están inmaculados?
-         El virus parece estar a las ordenes del guionista, cuando este señor lo necesita actúa con rápida virulencia, cuando le conviene, los primeros efectos son al cabo de un par de días. Mola este virus a la carta ¿no?    
-         El final construido para una posible segunda parte. ¿Cómo es posible sobrevivir a una explosión nuclear? La respuesta es fácil, el sheriff y su encantadora y embarazada mujer tienen que llegar, sí o sí, al siguiente pueblo para que el director pueda incluir la imagen de un satélite espía que nos informa de que ese pueblo, en concreto, es el siguiente objetivo de los militares.
Podría continuar durante horas, la película es un sin fin de errores, fallos de continuidad y demás chapuzas pero la verdad, no merece la pena perder el tiempo.
Algunas curiosidades:
-         la canción “We’ll meet again” que abre la película es de Johnny Cash, curiosamente proviene del mismo disco (American IV) que la canción “The man comes around” utilizada en el remake de Dawn of the Dead.
-         La actriz Lynn Lowry, que salía en el film original, realiza en esta nueva versión un pequeño papel (es la chica de la bicicleta).
Poco más se puede comentar, solo recomendada para curiosos que ven cualquier novedad de “fantástico” y para adictos al entretenimiento más básico y políticamente correcto. Un 3 sobre 10 es una muy buena puntuación para esta decepcionante producción.
Ficha técnica, artística, características de la edición en DVD y un trailer del film a continuación.
Por hoy ya está bien, me voy a ver alguna película que me desintoxique un poco, no me apetece caer bajo los efectos de Trixie.
Un saludo

Ficha Técnica
Año: 2010 / Director: Breck Eisner / Productor: Michael Aguilar, Rob Cowan, Dean Georgaris / Guión: Scott Kosar, Ray Wright  / Música: Mark Isham / Fotografía: Maxime Alexandre / Maquillaje: Randy Houston Mercer, Kenny Myers, Eric Porn, Leo Corey Castellano / FX: Joe Badiali, David Fletcher, Ken Gorrell, Glen Hanz, Heath Hood /  E. Visuales: Trevor Adams, Jaime Baxter, Michael Cliett, Aaron Brown / País: USA / Duración: 101 m. / Formato: 35mm  / Proporción: 2.35: 1 / Color
Ficha Artística
Timothy Olyphant, Radha Mitchell, Joe Anderson, Christie Lynn Smith, Danielle Panabaker, Brett Rickaby, Preston Bailey, John Aylward, Joe Reegan, Larry Cedar, Glenn Morshower, Gregory Sporleder, Mike Hickman, Lisa K. Wyatt, Justin Welborn, Alex Van, Justin Miles, Marian Green 
Edición en DVD y Blu Ray
Audio: Castellano, Catalán, Inglés (Dolby Digital 5.1) / Subtítulos: Castellano, Catalán / Pantalla: 16/9 / Calificación: 18 años / Distribuidora: Savor Ediciones /  Extras: Si (Entrevistas, Como se hizo, Spots, Clips, Trailer) / Valoración de la edición: 6 / Comentarios: tres ediciones en nuestro país: DVD sencillo 1 disco (solo con el trailer como extra) Pvp: 18 €, DVD 2 discos, Pvp: 21 €, Blu Ray 1 disco, Pvp: 30 € 

Jesus Marti

Una canción dedicada a Lon Chaney / videoclip de la semana

 El videoclip de la semana va dedicado al grandioso Lon Chaney. La canción es de Garland Geffreys y fue compuesta en 1973. No se, me apetecía poner un tema tranquilo para variar. Espero que os guste. 
Un saludo. 




"LON CHANEY":
Oh Lon Chaney,
where you been so long?
Sit right down
and let me sing you a song.
I seen you on a movie in my room.
Oh Lon Chaney,
with the velvet touch,
a silver dagger and a black man's crutch.
Now's the time to come out from your tomb.
You look so sad,
with a face of stone,
with a hunchback's eye you live.
Oh Lon Chaney,
with the velvet touch,
a gypsy woman that you love so much.
Say goodbye,
you're cured,
you're free at last.
Oh Lon Chaney,
what's to hold you back?
The Wolfman's dead
and the old black cat is gone,
like a memory faded from your past.
You look so sad,
with a face of stone,
just skin and bone.
You're all alone,
with a hunchback's eye you live.

18 enero 2011

Jesus Marti

EL CUERVO / THE RAVEN (1935)

“La muerte es lo único cierto en este mundo lleno de incertidumbres”


Poe, Lugosi y Karloff en The Raven
Esta frase la pronuncia solemne y adecuadamente impertérrito Bela Lugosi en el inicio de la película que hoy nos ocupa. El cuervo es una película brutal, pletórica de sentimientos encontrados y, sobre todo, un ejercicio de terror y locura extrema en toda regla. Dirigida en el año 1935 por Lew Landers (realizador poco apegado al género fantástico) y protagonizada por Lugosi y Karloff en otra colaboración memorable (la espléndida Satanás / The black cat (1934) dirigida por Edgar G. Ulmer es otra muestra de ese poderío interpretativo), el film parte y se nutre de las esencias más perturbadoras de Edgar Allan Poe para ofrecernos un ejercicio de cine oscuro, malsano, perverso y atemporal, pues parece que, los años no pasen para esta pequeña joya de la Universal.
La historia presentada es la siguiente: La joven y bella Jean Tatcher (Irene Ware) tiene un grave accidente automovilístico y queda en estado semi comatoso. Una vez en el hospital los doctores no encuentran remedio para recuperarla y deciden solicitar la ayuda del doctor Richard Vollin (Bela Lugosi), ya retirado de la práctica médica. Vollin en un principio se niega a intervenir en el caso pero la visita del padre de la chica, el juez Tatcher (Samuel S. Hinds), lo convence para realizar la delicada intervención quirúrgica. La operación es un éxito y la relación entre la paciente y el doctor se estrecha, Vollin se enamora de la chica pero ella ya está prometida y no puede corresponderle de igual manera. Paralelamente el padre de la chica, que desconfía de las intenciones del doctor, le prohíbe volverla a ver; entonces Vollin decide vengarse de las personas que le impiden obtener la felicidad, el destino pone en sus manos a Edmond Bateman (Boris Karloff), un brutal asesino, que se convertirá en su sicario y herramienta para llevar a cabo sus funestos planes. 
The raven, 1935

La película tiene un ritmo endiablado, ya en sus primeras escenas, en las cuales se muestra el accidente de Jean, podemos observar que la eficacia y economía narrativa va a ser una constante en todo el film. Landers no se entretiene en florituras innecesarias, la presentación de los dos personajes principales es rápida y contundente, sólo hay que ver la primera aparición de Lugosi, sentado en su despacho, con la ominosa sombra de un cuervo disecado reflejada en la pared y recitando parte de los versos del inmortal poema o a Boris Karloff, pistola en mano, intercambiando reflexiones con Lugosi sobre la fealdad y su relación con la capacidad de ejercer el mal del ser humano (cuanto más feo, más malo) para darse cuenta de esta aseveración.
El espíritu de Poe sobrevuela todo el metraje, la presencia ominosa del poema es parte importante de la narración, pero en verdad el eje principal sobre el que gira la producción es el relato El pozo y el péndulo. La obsesión de Vollin por construir réplicas perfectas de los aparatos de tortura descritos por Poe, es el reflejo de una particular personificación del mal en estado puro, instrumentos de tortura creados para provocar dolor y agonía a los enemigos pero que, en verdad, son para conjurar su propio dolor y locura, una tortura mental que provoca una atmósfera turbadora durante todo el metraje y que logran que esta película sea tan especial.
una soberbia actuación de Bela Lugosi
Como es bastante común en las producciones de estos años, la primera parte es gloriosa y absolutamente malsana, la segunda parte parece ideada para rebajar el tono y eludir los muros de la censura, convirtiendo el terror puro en una serie de situaciones a medio camino del misterio facilón y el humor negro, desembocando en un final en el cual los malvados pagan por sus fechorías sin importar, en el caso de Bateman, la redención y sacrificio final, a costa de su monstruosidad, liberando a los prisioneros de Vollin.      
Por otra parte, fiel al estilo Universal, El Cuervo es una mezcla casi perfecta de tecnología moderna y ambientación gótica, esto se traduce en una gran cantidad de elementos modernos que permiten a Vollin crear su trampa final: suelos de las habitaciones convertidos en ascensores que llevan al sótano, una consola de interruptores que le permite controlar toda la casa (desde cortar las líneas telefónicas hasta cerrar a cal y canto todas las ventanas y puertas), un moderno quirófano y puertas camufladas que dan acceso a sitios secretos dentro de la casa, todo ello es combinado con todo un muestrario de muros viejos, polvorientos y cubiertos de telarañas que esconden todo un catálogo de maldades y crean  una particular atmósfera gótica que impregna todo el film.
Es obvio mencionar que las interpretaciones de Karloff y Lugosi son excepcionales, con más registros Karloff, con más sobreactuación Lugosi, entre los dos llevan todo el peso narrativo de lo film, el resto de actores, todos ellos bastante correctos, quedan eclipsados por los dos “monstruos” del terror.
El diseño de los maquillajes estuvo a cargo del gran Jack Pierce y el trabajo de darles forma fue de Otto Lederer, un artesano experimentado, que dividía su tiempo entre la actuación (122 títulos a sus espaldas), la dirección (solo un par de pelis) y el departamento de maquillaje.
El cuervo es recomendable para cualquier aficionado al fantástico que se precie. Una película muy grande que actualmente está un poco olvidada y eso no es justo, ¿verdad amigos?
Como siempre ficha técnica, artística y trailer.
Un saludo


FICHA TÉCNICA
Título V.O.: THE RAVEN (1935 / USA / 61' / Blanco y Negro)
Título: EL CUERVO
Director: Lew Landers
Guión: David Bohem / Edgar Allan Poe (poema)
Música: Clifford Vaughan
Fotografía: Charles J. Stumar
Edición: Albert Akst
Dirección Artística: Albert S. D'Agostino
Efectos Visuales: John P. Fulton
Maquillaje: Jack Pierce / Otto Lederer / Hazel Rogers
FICHA  ARTÍSTICA
Bela Lugosi, Boris Karloff, Lester Matthews, Irene Ware, Samuel S. Hinds, Spencer Charters, Inez Courtney, Ian Wolfe, Maidel Turner, Anne Darling, June Gittelson, Joe Haworth, Mary Wallace