Últimos Artículos

Tu Web del Cine de Terror

Tu Web del Cine de Terror

28 febrero 2011

Jesus Marti

The crimson ghosts / Unleashed

Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma, para animar un poco el día de hoy, como odio los lunes, voy a incluir el videoclip de una banda alemana que ostenta orgullosa la bandera del horror punk como estandarte de batalla. The Crimson Ghosts, banda de origen alemán, se formaron en el año 2001 como una banda tributo a los Misfits. Después de unos años en esta actividad, deciden componer sus propios temas, fruto de este trabajo editan su primer disco en el año 2005 titulado Leaving the Tomb. Posteriormente se editan Carpe Mortem (2006) y Dead Eyes can see (2008). El año 2010 lo estrenan con disco nuevo, el tremendo Generation Gore, del cual hoy incluimos el video del tema Unleashed.
Si queréis más información:

A disfrutar con este pedazo de tema.
Un saludo


27 febrero 2011

Jesus Marti

Razorback, Los colmillos del Infierno (1984)

Razorback, Los colmillos del Infierno / Carátula DVD
En la historia del cine de terror los animales convertidos en monstruos sanguinarios han tenido una presencia constante a lo largo de las décadas. Ya sea porque sus instintos se desatan y buscan venganza contra el ser humano o porque han sido víctimas de algún imaginativo y loco experimento genético o de alguna enfermedad degenerativa que los ha vuelto locos de remate, los bichitos sedientos de sangre han demostrado una tenacidad y un odio hacia la especie humana digna de elogio. Tiburones, orcas, ratas, perros, ovejas, murciélagos, gatos o como en la película que hoy nos ocupa, cerdos salvajes, han tenido su momento de gloria en alguna película de género.
La premisa argumental de Razorback es sencilla: en una zona desértica del interior de Australia un niño de dos años es asesinado por el ataque de un jabalí gigantesco, el abuelo de la víctima, Jack Cullen un experto cazador y abuelo del niño, es acusado ante las autoridades de la desaparición de éste pero finalmente es absuelto por falta de pruebas. Años después una periodista americana, Beth Winters, conocida activista pro-animales llega al continente para realizar un documental sobre la caza del canguro. A los pocos días desaparece en extrañas circunstancias. Su novio decide ir hasta Australia y afrontando la hostilidad de los lugareños, comienza a investigar los sucesos. El jabalí asesino no tardará en aparecer, y su investigación se convertirá en una lucha por la supervivencia.
Razorback, Los colmillos del Infierno / Secuencia
Razorback, los colmillos del infierno está dirigida por Rusell Mulcahy, director con un gusto visual muy cercano al videoclip y que dos años después tendría un éxito masivo gracias a los Los inmortales (Highlander, 1986). Visualmente muy trabajada, efectiva en sus intenciones pero con algunas lagunas en el ritmo de la narración, el film logra entretener y, para muchos aficionados, es una película de referencia ineludible en éste género de monstruos desatados.
El film combina diferentes elementos, un tanto dispares, que si bien dan una textura original al producto, no acaban de cuajar totalmente en el resultado final. Vayamos por partes, como elementos principales de la mixtura tenemos por un lado la denuncia de los derechos de los animales, encarnada en la periodista y su ayudante, una denuncia algo inocente y usada como leve motor unificador para desarrollar todo el argumento; por otro tenemos el componente de la venganza, encarnado por el abuelo del chico asesinado al principio de la película, personaje muy desaprovechado que, con más atención en el guión, podía haber deparado momentos más convincentes; el tercer punto es la investigación en sí misma llevada a cabo por el novio de la reportera, algo incoherente e inconexa, lastra en muchos momentos el desarrollo de la película, prescindiendo de las posibilidades del personaje, el realizador prefiere usarlo más como un vehículo que permita llegar hasta el final dignamente. Por último también conviene destacar que el realizador no puede sustraerse a la tentación de añadir elementos apocalípticos, larga es la sombra de Mad Max en la cinematografía australiana, visualmente representados por los lugareños del pueblecito, especialmente dos de ellos, que como máximas aficiones tienen vestir extravagantemente, cazar sádicamente canguros amparados por la oscuridad y revolcarse en su propia mugre e inmundicia.
Razorback, Los colmillos del Infierno / Secuencia
Todos los puntos anteriores están expuestos pero no desarrollados, dando la sensación de que tanto el realizador como el guionista querían insertar demasiadas ideas sin decidirse por ninguna. El verdadero leit motiv del film es, no se puede poner en duda, el jabalí asesino, por lo tanto las diferentes propuestas para desarrollar la historia, que quedan en pequeños apuntes sin profundidad, abocan por momentos al espectador a un espectáculo algo incoherente y falto de ritmo en determinadas escenas.
Lo anteriormente indicado no es de ninguna manera una crítica a Razorback, es más, para mí éste producto es altamente recomendable y muy entretenido, pero no puedo dejar de pensar que si el director hubiera podido ligar más consistentemente todas las ideas expuestas, nos encontraríamos delante de una auténtica joya de éste género con muchos más valores cinematográficos para sumarle, quedándose, sin embargo, a medio camino de las intenciones expuestas.
La presencia y los ataques del jabalí, están muy conseguidos, sin enseñarnos claramente a la bestia, el director logra una atmosfera de amenaza constante que es lo mejor del film, aún en las escenas más intrascendentes se siente la amenaza del peligroso bicho, consiguiendo que cuando hace acto de presencia física de auténtico miedo.
Razorback, Los colmillos del Infierno / Secuencia
Otro elemento destacable es la iluminación y fotografía, extraño trabajo que logra en muchos momentos pasar por encima de la historia misma, dándole al film un aire bastante surrealista, onírico e inquietante logrando que el, ya de por sí, impresionante paisaje australiano adquiera tanta importancia o más que el bicho en cuestión, ya que tanta belleza paisajística puede ocultar en su interior muchos horrores y ésta realidad es explotada visualmente con mucha maestría aquí.
Razorback, Los colmillos del Infierno / Secuencia
Los efectos visuales, en especial el jabalí animatrónico (buena parte del presupuesto se esfumó en él) y toda la parte del enfrentamiento final en la fábrica, están muy conseguidos logrando que nos olvidemos de la carencia de ellos durante buena parte del metraje.
El film está basado en la novela de Peter Brennan y el guión estuvo a cargo de Everett De Roche, interesante personaje éste último que durante su carrera ha estado implicado en proyectos tan dispares como Patrick (1978), Largo fin de semana (Long Weekend, 1978), Harlequin (1980) o más recientemente El infierno bajo tierra (Nine miles down, 2009). Un día de éstos tengo que dedicarle un artículo a éste hombre, su trabajo es bastante singular y merece una aproximación al mismo.
Razorback, Los colmillos del Infierno / Secuencia
La banda sonora fue compuesta por Iva Davies, que mucha gente recordará por ser el líder de una banda australiana llamada Icehouse, que transitaba entre la new wawe, la música electrónica y el rock al uso. 
Razorback se ha convertido con el paso del tiempo en una obra de culto, no sé sí es justa o no tal denominación, lo que sí que tengo claro es que el film, dentro de su rareza implícita, consigue buenos momentos y resulta un buen entretenimiento para todos los amantes de éste género tan especial.
Un saludo      


     
Ficha Técnica
Año: 1984 / Director: Rusell Mulcahy / Productor: Hal McElroy, Tim Sanders / Guión: Everett De Roche / Música: Iva Davies / Fotografía: Dean Semler / Maquillaje: Wendy Sainsbury, Bob McCarron / FX: Brian Cox, Guillermo Masterchoto, Chris Murray / País: Australia / Duración: 95m. / Formato: 35mm  / Proporción: 2.35: 1 / Presupuesto: 5.500.000 $ / Color
Ficha Artística
Gregory Harrison, Arkie Whiteley, Bill Kerr, Chris Haywood, David Argue, Judy Morris, John Howard, John Ewart, Don Smith, Mervyn Drake, Redmond Phillips, Alan Becher, Peter Schwarz, Beth Child, Rick Kennedy, Chris Hession, Brian Adams, Jinx Lootens, Angus Malone, Peter Boswell, Don Lane 


21 febrero 2011

Jesus Marti

RICHARD MATHESON, EL TERROR INTELIGENTE

Richard Matheson, un excelente escritor de ciencia ficción y terror
La carrera de Richard Matheson se ha desarrollado a caballo entre la literatura y el cine. Su faceta como escritor nos ha regalado novelas o relatos, siempre inteligentes, imaginativos e inquietantes, que han llenado muchas horas de los aficionados al terror y la ciencia ficción. Paralelamente las adaptaciones de las mismas, tanto para cine como para televisión, o la gran cantidad de guiones realizados han logrado que su nombre sea bastante conocido para el público en general. Sus seguidores son legión y su influencia en artistas posteriores es notoria, así Stephen King, George A. Romero o el mismo Chris Carter (Expediente X) se declaran fans confesos del escritor y lo reconocen como una influencia brutal en el desarrollo de sus respectivas carreras.  Siendo su carrera tan extensa y enrevesada he pensado en dedicarle éste artículo, por lo tanto hoy vamos a repasar su trayectoria, desglosándola en varias partes: biografía con sus obras y adaptaciones cinematográficas más importantes, su faceta como guionista, una pequeña guía de lectura y los premios y reconocimientos que ha atesorado a lo largo de los años.
Empecemos por el principio:
Soy Leyenda uno de los totems de la literatura de vampiros
Biografía: hijo de inmigrantes noruegos nació un 20 de febrero de 1926 en Allendale (Nueva Jersey). Brooklyn le vio crecer y cursar los estudios reglamentarios. En 1949 se licenció en periodismo por la Universidad de Missouri. Pronto su carrera como escritor tomó forma, publicando sus primeros cuentos en el periódico Brooklyn Eagle. Poco después se traslada a California y continúa publicando cuentos y relatos, en este caso en la revista Magazine of Fantasy and Science Fiction. El año 1954 lo celebra publicando la novela Soy Leyenda / I am Legend. Novela a la que siguieron otros trabajos como El hombre menguante (The shrinking man, 1956), El último escalón (Stir of Echoes, 1958), Ride the nightmare (1959) o The Beardless warriors (1960). Durante esos años el mismo Matheson adapta para la pantalla grande su novela El hombre menguante y el resultado es espectacular, dirigida por Jack Arnold con el título El increíble hombre menguante (The shrinking man, 1957) el film pronto se convierte en una película de culto y abre las puertas de Hollywood a nuestro amigo.
La década de los sesenta es pródiga para Matheson en trabajos para la industria del cine, siendo su colaboración con Roger Corman, adaptando los cuentos de Edgar Allan Poe, lo más conocido, de ésta manera La caída de la casa Usher (1960) y El péndulo de la muerte (1961) y hasta tres películas más conforman todo un imaginario donde nuestro protagonista se mueve como pez en el agua. 
También trabaja para la televisión siendo sus colaboraciones en The Twilight Zone realmente espectaculares. En el año 1964 se filma la primera adaptación de su novela Soy Leyenda, titulada The last man on earth que fue dirigida por Ubaldo B. Ragonna y Sidney Salkow y protagonizada por Vincent Price.
Matheson acertó de pleno con esta novela de entidades sobrenaturales
Los años setenta suponen un nuevo impulso a la carrera literaria de Matheson, en el año 1971 publica La casa infernal (Hell House), a la que seguirían títulos como En algún lugar del tiempo (Bid time return, 1975) o Más allá de los sueños (What dreams may come, 1978). En el año 1971 dos películas lo mantienen más vivo que nunca en el mundo del cine: otra adaptación de Soy Leyenda, protagonizada por Charlton Heston y titulada El último hombre… vivo (The omega man) y El diablo sobre ruedas (Due) basada en un relato corto y ópera prima de Steven Spielberg. Durante estos años también colabora en seriales televisivos como Night Gallery o Ghost History.
En el año 1973 adapta su novela La casa infernal al formato cinematográfico, el resultado es una de las películas más importantes dentro del género de casas encantadas. Dirigida por John Hough, protagonizada por Roddy MacDowall, Pamela Franklin y Clive Revill, La leyenda de la mansión del infierno asienta, todavía más, su reputación en Hollywood. Los siguientes años los pasa muy metido en el circuito televisivo, varias novelas y cuentos cortos son adaptados al medio y da la impresión de que la fuente no se agota nunca.
A principios de los ochenta tres adaptaciones cinematográficas más se estrenan en los cines. En algún lugar del tiempo (Bid time return 1980) fue dirigida por Jeannot Szwarc y protagonizada por Christopher Reeve, Jayne Seymour y Christopher Plummer, cosechando excelentes críticas. En el año 1981 le toca el turno a La increíble mujer menguante (The incredible shrinking woman), dirigida por Joel Schumacher, protagonizada por Lily Tomlin, Charles Grodin y Ned Beatty, la película tiene un tono de comedia con toques de fantasía que no acabó de cuajar entre los aficionados. La tercera película fue En los límites de la realidad (Twilight zone: The movie 1983), la película estaba dividida en cuatro segmentos o historias dirigidas por Joe Dante, John Landis, Steven Spielberg y George Miller, con un resultado desigual pero que servía de homenaje a la serie televisiva de igual título.  
El resto de la década lo pasa colaborando en series televisivas como Amazing Stories (Cuentos asombrosos) o The martian chronicles.
Una recopilación excelente publicada por Valdemar
La primera parte de la década de los noventa nos ofrece una serie de adaptaciones y guiones exclusivamente para televisión. En el año 1998 se estrena Más allá de los sueños (What dreams may come) protagonizada por Robin Williams, Cuba Gooding Jr. y Annabella Sciorra, fue dirigida por Vincent Ward siendo el resultado una combinación de drama y fantasía bastante interesante. Al año siguiente le toca el turno a la novela El último escalón (A stir of echoes) ser adaptada a la gran pantalla. La película resultante, de notable alto, fue dirigida por David Koepp (su segunda incursión en el largometraje) y protagonizada por Kevin Bacon y Kathryn Erbe.
Una historia corta para la serie Masters of horror (concretamente el episodio Dance of the dead) ve la luz en el año 2005. El año 2007 nos trae la que hasta el momento es la última adaptación de Soy Leyenda. Estrenada con el mismo título, dirigida por Francis Lawrence y protagonizada por Will Smith y Alice Braga, ésta superproducción (presupuesto de 150.000.000 $) es, para mi gusto, la más floja y superflua de las realizadas hasta la fecha, no aportando nada nuevo y moviéndose bajo unas coordenadas muy previsibles y bastante rutinarias. Una lástima.
A continuación una pequeña selección de sus trabajos como guionista, una bibliografía seleccionada y una reseña de los premios y reconocimientos cosechados durante su carrera.

Guionista (selección de sus mejores trabajos, no se incluyen las adaptaciones de sus propias novelas o cuentos):
1960 / La caída de la casa Usher (House of Usher) / Roger Corman
1961 / El amo del mundo (Master of the world) / William Witney
1961 / El péndulo de la muerte (Pit and the pendulum) / Roger Corman
1962 / Historias de terror (Tales of terror) / Roger Corman
1963 / El cuervo (The Raven) / Roger Corman
1968 / La novia del diablo (The devils ride out) / Terence Fisher
1974 / Drácula (TV movie) / Dan Curtis
1983 / El gran tiburón (Jaws 3-D) / Joe Alves

 Bibliografía seleccionada
1953 / Someone is Bleeding
1954 / Soy Leyenda ( I am legend) / publicada en nuestro país por Minotauro (2007)
1956 / El increíble hombre menguante (The shirnking man) / publicado en nuestro país por Planeta (1985) y reeditado por Factoría de Ideas (2006)
1958 / El último escalón (A stir of echoes) / publicado en nuestro país por Factoría de Ideas (2004)
1971 / La casa infernal (Hell House) / publicado en nuestro país por Factoría de Ideas (2003)
1975 / En algún lugar del tiempo (Bid time return – Somewhere in time / publicado en nuestro país por Factoría de Ideas (2005)
1978 / What dreams may come
1993 / 7 steps to midnight
2000 / Hunger and thirst
2010 / Other kingdoms
A parte de lo anteriormente mencionado también conviene reseñar la fenomenal antología de relatos cortos editada por Valdemar titulada: Pesadilla a 20.000 pies y otros relatos insólitos y terroríficos (2003). Pertenece a la colección Gótica.  
Premios
1976: Premio Mundial de Fantasía (World Fantasy Award) a la mejor novela (En algún lugar del tiempo)
1984: Premio Mundial de Fantasía por su trayectoria.
1989: Premio Bram Stoker a la mejor colección de relatos.
1990: Premio Mundial de Fantasía a la mejor colección de relatos.
(Datos obtenidos de Wikipedia)
Bueno amigos el artículo de hoy ha salido un poco más largo de lo habitual, pero Matheson y su obra merecían el esfuerzo.
Un saludo y hasta la próxima.






20 febrero 2011

Jesus Marti

Calabrese / Voices of the dead


Para alegrar el domingo hoy os traigo la canción Voices of the Death de la banda de horror punk Calabrese. El tema proviene del disco The traveling vampire show. Si queréis más información sobre esta banda solo tenéis que entrar aquí: calabrese rock 
Un potente tema que seguro que hará las delicias de los asiduos al El Terror Tiene Forma. Que aproveche!!!!! 

17 febrero 2011

Jesus Marti

El Marqués de Sade, más allá del placer (Parte 3)

El Vicio y la Virtud (1963)
Las dos primeras editoriales estaban dedicadas a esbozar una breve biografía y un pequeño análisis a sus obras más representativas, pero la sombra del Marques es alargada y su influencia notoria a título póstumo. Hoy toca hablar del cine y de sus innumerables visitas al mundo del divino Marqués.
LE VICE ET LA VERTU / EL VICIO Y LA VIRTUD (1963)
Basada en la novela Justine o los Infortunios de la virtud este film, dirigido por Roger Vadim, es una buena muestra, aunque poco conocida, de cómo adaptar una novela de Sade al cine. Protagonizada por Catherine Deneuve en el papel de Justine y Annie Girardot en el papel de Juliette (atentos a la interpretación de esta actriz), bien secundadas por Howard Vernon, Robert Hossein y Serge Marquand
THE SKULL / LA CALAVERA DEL MARQUES (1965)
Protagonizada por Peter Cushing (Dr. Christopher Maitland) y Christopher Lee (Sir Matthew Phillips). La sinopsis es sencilla, Cushing consigue hacerse con la calavera del Marques de Sade comprándosela a un extraño personaje, las sugerencias de su antiguo propietario (Lee) recomendándole deshacerse de ella caen en saco roto, a cada día que pasa el doctor se obsesiona más con el objeto, este consigue finalmente poseerle y le obliga a cometer unos atroces y sádicos crímenes. Dirigida por el gran Freddie Francis y basada en un relato corto de Robert Bloch, esta película (a pesar de ser una obra menor) es una muy buena muestra del cine de terror realizado en Inglaterra en esos años. Recomendable.  
The Skull / La calavera del MArqués (1965)
MARAT / SADE (1967)
También conocida como La persecución y asesinato de Jean-Paul Marat representada por lo reclusos del Asilo de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade, esta producción del año 1967 dirigida por Peter Brook es una de las adaptaciones más poderosas e imaginativas inspiradas en la figura del Marqués. Interpretada por actores de la Royal Shakespeare Company, en el reparto es encontramos nombres como Patrik Magee (Sade), Ian Richardson (Marat), Glenda Jackson o Michael Williams. Un título a revisar. 
DE SADE (1969)
Producida por la AIP, esta fallida película dirigida por Cy Endfield fue protagonizada por Keir Dullea (Sade), Senta Berger, Lili Palmer, Anna Massey, Uta Levka y un sorprendido John Huston en el papel de Abad de Sade. El ritmo es muy lento y confuso y solo en sus momentos finales adquiere algo de interés.    
JUSTINE (1969)
Dirigida por Jesús Franco, es otra adaptación de la novela más famosa del Marqués, en este caso el papel de Justine esta interpretado por Romina Power, Juliette por Maria Rohm, bien acompañadas por Klaus Kinsky que interpreta al Marques de Sade, Jack Palance, Sylva Koscina y Howard Vernon. Un título de culto de prolífico realizador.
PHILOSOPHY IN THE BOUDOIR / EUGENIE…LA HISTORIA DE SU VIAJE A LA PERVERSION (1970)
Más conocida por el título De Sade 70. Otro ejercicio de perversidad y erotismo de la mano de Jesús Franco, Marie Liljedahl da vida a Eugenie, una adolescente que inicia un viaje hacia la perversión de la mano de Maria Rohm, Jack Taylor y un sorprendente Christopher Lee. En el año 1980 el mismo director realizo un remake de esta película titulado Eugenie (Historia de una Perversión), fue protagonizada por Katja Bienert (Eugenie) y Lina Romay.
JUSTINE DE SADE (1972)
Dirigida por el realizador francés Claude Pierson. El director intenta mantenerse fiel al espíritu y época de la novela, si bien el resultado no es demasiado afortunado. Esta protagonizada por Alice Arno en el papel de Justine acompañada por Yves Arcanel, Michel Bertay y Georges Beauvilliers. 
EUGENIE DE SADE (1974)
Otra incursión de tío Jess en el mundo de Sade sin embargo esta vez el resultado es decepcionante quedando la película para completistas de este realizador, lo mejor de la peli: las prietas y carnosas curvas de Soledad Miranda.
Saló o los 120 días de Sodoma (1975)
SALÒ O LE 120 GIORNATE DI SODOMA / SALÓ O LOS 120 DÍAS DE SODOMA (1975)
Pier Paolo Pasolini dirigió esta adaptación de la novela de Sade logrando mantener toda la amoralidad y violencia descritas en la obra. Ambientada en la Italia fascista a finales de la 2ª Guerra Mundial la película es cruda y violenta a la par que un alegato contra el fascismo y la intolerancia, imprescindible su visionado. Si queréis más información pinchad en este vínculo: Saló o los 120 días de Sodoma
JUSTINE (CRUEL PASSION) (1977)
Otra vuelta de tuerca a la novela Justine, en este caso el resultado tampoco es demasiado afortunado. Fue dirigida por Chris Boger y protagonizada por Koo Stark (Justine) y Lydia Lisle (Juliette). Fue distribuida por la empresa inglesa Redemption.
MARQUIS (1989)
Una curiosa y excepcional película. Dirigida por Henry Xhonneux, con guión del mismo director y de Roland Topor y con unos actores caracterizados como diferentes animales que representan a diferentes clases sociales o roles muy determinados. El film destaca por su originalidad y honestidad al acercarse a la figura de Sade, prescindiendo expresamente de los tópicos y leyendas negras que rodean al escritor, un canto a la libertad de imprescindible visionado.   
NIGHT TERRORS (1993)
Dirigida con evidente desgana por Tobe Hooper, la película nos cuenta las tribulaciones de una bella jovencita que viaja a El Cairo para visitar a su padre, pronto caerá en las redes de un antiguo culto sadomasoquista liderado por Paul Chevalier (Robert Englund), que es descendiente directo del Marqués de Sade. Una pobre inspiración de la obra de Sade.
Quills (2000)
SADE (2000)
Un intento fallido de biografiar los años que Sade pasó bajo la persecución de Robespierre en plena revolución Francesa. Dirigida por Benoit Jacquot e interpretada por Daniel Auteuil (Marqués de Sade), Marianne Denicourt, Jeanne Balibar y Isild Le Besco. La película obtuvo dos premios en el festival Lumiere Awards, Mejor actor (Daniel Auteuil) y mejor actriz promesa (Isild Le Besco).
QUILLS / LETRAS PROHIBIDAS (2000)
Nominada a 3 Oscars y con 14 premios y 33 nominaciones en otros festivales podemos decir que este film es, hasta el momento, la superproducción más grande dedicada a la vida y obra de Sade. La película, de ritmo un poco confuso, tiene momentos de gran brillantez y las grandes interpretaciones de Geoffrey Rush, Kate Winslet, Michael Caine y Joaquin Phoenix dotan al producto de un especial brillo e interés. Fue dirigida por Philip Kaufman. Recomendable.
Bueno amigos esto es todo por hoy, os dejo con un video de Justine de Jesús Franco. Un saludo.


16 febrero 2011

Jesus Marti

David F. Friedman (1923-2011)

David F. Friedman
El 14 de febrero falleció a la edad de 87 años uno de los padres del cine gore. Me estoy refiriendo a David F. Friedman, que en su faceta como productor estuvo involucrado en películas como Blood Feast (1963), 2000 maníacos / Two thousand maniacs (1964), Color me blood red (1965) o Ilsa, la loba de las SS / Ilsa: she wolf of the SS (1975). El binomio creativo formado con Herschell Gordon Lewis fue espectacular: Sangre, sadismo y humor fueron los elementos primordiales en su forma de entender el cine, elementos que, mutados adecuadamente, han llegado hasta nuestros días creando un género cinematográfico con nombre propio.
En fin, otro que se va, desde luego este año está siendo fatal.
RIP



Jesus Marti

Hammer (tres trailers de la mítica productora)

Hoy vamos a rendirle tributo a la mítica productora Hammer. Con este objetivo incluyo los trailers de Drácula / Horror of Dracula (1958), La Momia / The Mummy (1959) y de propina La maldición del hombre lobo / The curse of Werewolf (1961), todas ellas dirigidas por el siempre magnifico Terence Fisher, estas películas representaron el resurgir del cine de terror en la década de los sesenta y el inicio de unos años escalofriantes.
Espero que os gusten.
Un saludo con el martillo en la mano.






15 febrero 2011

Jesus Marti

Frozen / Bajo Cero (2010)

A la sombra de clásicos como Náufragos / Lifeboat (1944) de Hitchcock un montón de películas han desarrollado un sub-género denominado Surviving-movies, o sea películas en las cuales un grupo de gente tiene que enfrentarse a una serie de circunstancias y luchar contra la madre naturaleza para salvar sus vidas. Frozen, el film que hoy nos ocupa, es una más de ésta corriente que intenta mezclar el thriller angustioso con el suspense añadiendo a la combinación algunas gotitas visualmente explícitas de gore para todos los públicos. Con un planteamiento inicial bastante previsible, el film nos narra la odisea de tres jóvenes que han sido abandonados, por incompetencia de un operario, en un telesilla a medio camino de la cumbre de una montaña; para acrecentar la angustia una tormenta se desatará en el emplazamiento, la noche se cierne sobre ellos y un elemento sorpresivo acabará de adobar la situación.
El principal problema para éste tipo de películas reside en tres puntos muy importantes: por una parte el guión tiene que ser sólido y presumir de unos diálogos interesantes, no olvidemos que buena parte de las escenas de estas películas transcurren en una misma localización, por lo que la tarea del guionista es esencial para evitar el aburrimiento en el espectador; por otra parte el director tiene que jugar muy bien sus cartas por la misma razón expuesta anteriormente, por lo tanto con muy pocos elementos a su alcance ha de  saber buscar y crear planos que inquieten y logren que la acción y el ritmo no decaigan en ningún momento. El tercer punto, no menos importante, es la actuación de los actores, tienen que lograr interpretaciones intensas y creíbles, pues buena parte del metraje se sustenta en sus diálogos y reacciones, por lo tanto si fallan ellos, la película no puede funcionar de ninguna manera.
Frozen, reparte con desiguales resultados los tres puntos enumerados anteriormente. Adam Green se encarga de los dos primeros trabajos, su labor de guionista no resalta demasiado, su libreto es fácil, previsible y en muchos puntos del film absolutamente aburrido, regalándonos unos diálogos pobres y muy poco interesantes. Curiosamente su labor detrás de las cámaras es más meritoria, buscando ángulos no habituales y haciendo gala de un ritmo narrativo bastante ágil, logra, por momentos, una sensación de verdadera angustia que consigue mantener el interés de los acontecimientos narrados. Sería interesante que para futuros proyectos Adam se dedicara a dirigir y contratara los servicios de un buen guionista, todos saldríamos ganando. 
Respecto al trío protagonista, su labor es bastante acertada, sobre todo si tenemos en cuenta el libreto que tienen entre manos. Emma Bell, Shawn Ashmore y Kevin Zegers, en especial los dos primeros, cumplen con su cometido y sin brillar demasiado consiguen transmitir credibilidad a sus personajes.
La fotografía es brillante, faltaba más, con ese pedazo montaña nevada, y los efectos visuales están bien conseguidos.
Bueno, como se desprende de lo dicho anteriormente, la película se queda entre dos aguas, la premisa original apuntaba alto pero tiene demasiados contras en sus espaldas como para impresionar al espectador, que se queda helado (valga la redundancia) viendo el devenir del film. De todas maneras su visionado no molesta tanto como otras películas que he visto recientemente, recomendada para pasar el rato en el sofá y poco más. Una verdadera lástima pues ésta misma historia, con algo más de guión,  profundidad y otro final podría haberse convertido en una pequeña joya. Otra vez será.
Un saludo amigos/as. 



      
Ficha Técnica
Año: 2010 / Director: Adam Green / Productor: Peter Block, Cory Neal / Guión: Adam Green / Música: Andy Garfield / Fotografía: Will Barratt / Maquillaje: Chris Hanson, Greg T. Moon / FX: Kenny Abney, Dean W. Miller / E. Visuales: Tyler A. Hawes, Peter Dana, Travis Baumann / País: USA / Duración: 93m. / Formato: 35mm  / Proporción: 2.35: 1 / Color
Ficha Artística
Emma Bell, Kevin Zegers, Shawn Ashmore, Ed Ackerman, Rileah Vanderbilt, Kane Hodder, Adam Johnson, Chris York, Peder Melhuse, Will Barratt, Adam Green, Joe Lynch, Cody Blue Snider
Edición en DVD (Importación)
Audio: Inglés / Subtítulos: No / Pantalla: 2.35:1 / Calificación: Rated / Distribuidora: Anchor Bay /  Extras: Si / Valoración de la edición: 6 / Precio:  13,49 $ / Comentario: Incluye como extras: audio comentario del director y de los actores, escenas suprimidas, trailer 

14 febrero 2011

Jesus Marti

EL LADRÓN DE CADÁVERES / THE BODY SNATCHER (1945)

The Body Snatcher, 1945
Hoy voy a comentar otra de esas películas semidesconocidas para el público mayoritario, pero que sin embargo ofrecen auténticos momentos de deleite cinematográfico cuando se descubren.
Basada en una novela de Robert Louis Stevenson (1850 / 1894), autor de maravillas como La isla del tesoro o El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, en la cual se nos narran las andanzas de un joven  estudiante de medicina que ayuda en sus investigaciones a un famoso profesor que, necesitado de cadáveres mínimamente frescos para sus prácticas de disección, recurre a los servicios de unos ladrones de cadáveres para que le solucionen el problema. Surgida de la imaginación del escritor, pero basada en acontecimientos reales, la novela es un espeluznante viaje a la parte oscura de la ciencia y campo abonado (por la temática) para adaptaciones en celuloide.
El ladrón de cadáveres fue una de las últimas maravillas producida por Val Lewton  para la RKO. Este productor, responsable de joyas como La mujer pantera / The cat people (1942) o Yo anduve con un Zombie / I walked wiht a Zombie (1943), contó para esta producción con un presupuesto mínimo pero con un elenco de actores y técnicos de primer orden. Robert Wise a la dirección, Robert de Grasse a la fotografía y Boris Karloff, Henry Daniell y Bela Lugosi (participación como actor secundario) en sus principales papeles, dieron forma a la mejor adaptación, hasta día de hoy, del famoso relato.

13 febrero 2011

Jesus Marti

Horror Story / Full moon at midnight



Para alegrar el Domingo os traigo la canción Full Moon at Midnight de la banda Horror Story, la canción pertenece a su álbum Bride of the Monster. Como veréis en el video esta banda de Nueva Zelanda está muy “influenciada” por los Misfits, nada a reprochar pues el tema es potente y poderoso.
A disfrutarlo. Un saludo                

12 febrero 2011

Jesus Marti

Zombis Nazis / Dead Snow (2009)

Desde que Herschell Gordon Lewis inventara la formula gore + humor y posteriormente  Sam Raimi y Peter Jackson la perfeccionaran hasta límites insospechados, han sido innumerables las producciones que han hecho de esa máxima (con mayor o menor fortuna) su libro de estilo.
Zombies Nazis no se separa ni un milímetro de los postulados marcados, o sea: pandilla de chicos de vacaciones (cada uno un estereotipo marcado y poco desarrollado), un lugar remoto e incomunicado (of course), lugareño extraño que los pone sobre aviso del peligro y después, bueno después ya sabéis lo que viene. Con estos elementos en juego sólo la dirección, un guión mínimamente coherente,  una propuesta visual acertada y un montaje impactante pueden salvar a la película de caer en el más absoluto de los desatinos.
En este caso los objetivos se cumplen a medias. La pura verdad es que puede decir, sin riesgo a equivocarse, que Zombies Nazis tiene muchos errores y unos cuantos aciertos, por lo que el producto final es adecuado para una velada divertida siempre en función del humor que tenga en ese momento el espectador.

Empecemos por los “pecadillos”, el film se inicia de forma cansina con una presentación de los personajes (freak del cine de terror incluido) y algunas de sus fobias que luego serán explotadas a lo largo del film, continúa con algunas actividades intrascendentes y culmina con la aparición del lugareño (predecible, predecible) para dar algo de cuerpo al resto de la historia. En toda esta primera media hora, más o menos, del film las apariciones de los zombies son siempre entre sombras y sin verlos claramente en ningún momento, supongo que la idea del realizador era crear tensión, atmósfera y predisposición en el espectador, pero, a pesar del favorecedor y terrorífico escenario de las montañas nevadas y la oscuridad, no consigue crear una sensación de inquietud creíble, más bien se crea impaciencia por ver de una vez a los dichosos zombis y el consiguiente espectáculo gore. Guión flojo, diálogos pobres, chistes sin gracia y poca tensión es lo que ofrece el principio de la película. 
La parte positiva se consolida a partir de la primera media hora, la dirección cobra algo de vigor y ritmo, las secuencias explícitas son contundentes, la combinación de humor y gore funciona (a momentos) y los guiños “cinéfilos” hacen las delicias de los aficionados al género. La falta de pretensiones, las ganas de gamberrear un poco y la sucesión de homenajes y clichés son las virtudes más señaladas y protagonistas de toda la función, no falta de nada, no sé si eso es bueno o malo, pero por lo menos el resto de la película pasa bastante rápido y entretiene más. Se me olvidaba una buena muestra de la socarronería que reina por toda la película es el uso de la avaricia como una de las motivaciones que mueven a los Zombi, no es una idea nueva pues ya la había usado nuestro amigo Carpenter, pero aplicarla en estos momentos de crisis no esta nada mal: banquero = zombi, buena analogía. 
En el apartado de efectos visuales y maquillajes todo está muy conseguido, los nazis dan bastante miedo y las escenas gores son suficientemente explícitas para contentar a los aficionados. Poco más se puede comentar en este aspecto, un buen trabajo y un buen resultado para el desarrollo final. Por otro lado las localizaciones donde está filmada son espectaculares y dan mucho juego visual, la nieve siempre es efectiva cuando se mancha de sangre ¿verdad? 
¿Son suficientes estas virtudes para justificar el visionado?, pues no sé qué deciros, este tipo de producto necesita de la predisposición y del humor del aficionado, son películas que no aportan nada novedoso y que se recrean en situaciones y tópicos mil veces vistos, por lo tanto sólo queda el entretenimiento puro y duro como baza principal. Bajo este prisma, sin buscarle más vueltas, Zombies Nazis puede ser recomendada, con algunas reservas; los seguidores más acérrimos de estas temáticas no se sentirán defraudados, para los aficionados más puristas recomendarles que se acerquen con prudencia y, en caso de hacerlo, con la mente bien libre de prejuicios y ganas de echarse unas risas. 
En definitiva, una parodia con algunos buenos momentos que no destaca para nada dentro del género, con evidentes síntomas de desgaste, Zombi. Por lo menos el film no tiene la desfachatez de prometer ninguna experiencia cinematográfica avasalladora, cosa de agradecer ya que últimamente hay mucho gurú cinéfilo suelto por esos mundos del terror, que prometen mucho, no dan nada y encima quieren nuestro beneplácito complaciente.
Un saludo y hasta la próxima.



Ficha Técnica
Año: 2009 / Director: Tommy Virkola / Productor: Tomas Evjen, Terje Stroemstad / Guión: Tommy Virkola, Stig Frode Henriksen / Música: Christin Wibe / Fotografía: Matthew Weston / Maquillaje: Janne Røhmen, Lene Bruksas, Elisabeth Lusie Haugan, Steinar Kaarstein, Ragnhild Presthold, Gudmund Saksvik / FX: Hummer Høimark, Carl Oscar Meyer Johansen, Lars Kolding Andersen / E. Visuales: Tom Joelsen, Bryan Jones, Monica Østbø Østgard / País: Noruega / Duración: 90m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Color
Ficha Artística
Vegar Hoel, Stig Frode Henriksen, Charlotte Frognen, Lasse Valdal, Evy Kasseth Røsten, Jeppe Laursen, Jenny Skavlan, Ane Dalh Torp, Bjørn Sundquist, Ørjan Gamst, Steinar Kaarstein, Tommy Virkola    
Edición en DVD
Audio: Castellano, Catalán (Dolby Digital 5.1) / Subtítulos: Catalán / Pantalla: 1.85 : 1 – 16:9 / Calificación: 16 / Distribuidora: Paramount /  Extras: Trailer / Valoración de la edición: 5 / Precio: 18 €  

11 febrero 2011

Jesus Marti

El Marqués de Sade, más allá del placer (Parte 2)


Sade, único e irrepetible
“La idea de Dios es el único error por el cual no puedo perdonar a la humanidad”
-Marques de Sade-
En la anterior editorial me entretuve en bucear un poco en la biografía de este influyente personaje omitiendo, expresamente, su trabajo como escritor y la tremenda influencia ejercida, con el paso del tiempo, en múltiples disciplinas artísticas. Esta editorial, como es obvio, esta dedicada a profundizar en su obra, con el objetivo de clarificar y ayudar a las personas que estén interesadas en conocer más “íntimamente” a este gran escritor y curioso personaje. Su influencia posterior la dejaremos para una tercera editorial en la cual hablaremos del interés que siempre ha demostrado el mundo del cine y del cómic sobre la vida y obras de Sade, inspirando multitud de proyectos. Vamos al lío.   
La filosofia en el tocador una novela realmente poderosa
Como se mencionaba en la anterior editorial el principal interés del Marqués se centraba en escribir y representar obras de teatro, su mala situación económica y los cambios en la vida política de su país (sobre todo en el periodo revolucionario y posterior) le obligaron a escribir, para posteriormente publicar, relatos y cuentos de un carácter radical y extremadamente libertino, por supuesto siempre negando su autoría.
Sus obras más representativas son alegatos virulentos y vehementes que incitan a rebasar los límites de la moral, así por ejemplo en La Filosofía en el Tocador una adolescente de quince años es aleccionada por tres adultos absolutamente amorales a iniciarse en los caminos de la depravación y el desenfreno, en otra de sus novelas más famosas, Justine o los Infortunios de la Virtud, escrita durante su encarcelamiento en La Bastilla, su protagonista Justine ve como todos sus intentos por ser virtuosa y casta son aplastados por el vicio encarnado en su hermana Juliette, que convirtiéndose en prostituta alcanza notoriedad social y económica, mientra que Justine malvive presa de infortunios varios,  el final del libro no puede ser más contundente y no voy a desvelarlo aquí, solo voy a decir que el vicio gana la batalla y es presentado como el único camino valido para vivir la vida.
Una de las novelas más famosas del divino Marqués
Otra de sus obras más famosas es Las 120 Jornadas de Sodoma, un libro duro, amoral y desagradable. En el se nos presenta a cuatro libertinos encarnados por un duque, un obispo, un presidente y un exitoso hombre de negocios, que imaginan una extensa orgía (120 días) que se celebrara en una de las propiedades del duque, el propósito de esta orgía no es otro que dar rienda suelta a todas las perversiones, vicios y caprichos imaginables hasta alcanzar el éxtasis. Para conseguir estos fines los pervertidos se rodean de sus esposas (que intercambian entre ellos a placer), cuatro narradoras que amenizaran las jornadas con sus relatos, cuatro amas que controlaran a los esclavos/as sexuales, ocho mujeres y ocho hombres para su uso y disfrute y, finalmente, ocho superhombres encargados de controlar las sesiones. 
 Sade, de esta manera consigue que el lector asista atónito a todo un catalogo de perversiones a cada cual más aberrante: humillaciones, flagelaciones, incesto, lesbianismo, coprofagía, torturas y asesinatos convierten a la obra en un descenso a los infiernos novelado.
También quiero destacar una pequeña novela que, a mí juicio, reúne en sus páginas toda la filosofía y manera de entender la vida de Sade. Diálogo entre un Sacerdote y un Moribundo es un alegato del ateismo y paralelamente un ataque brutal contra las buenas costumbres, la moral y la hipocresía. El inicio de la obra nos presenta a un hombre a punto de morir que solicita la presencia de un cura en su lecho de muerte, el propósito de tal petición no es el arrepentirse de sus pecados, sino el hacerle ver al cura, con ayuda de la razón, la inutilidad y el error que comete al dedicar su vida a la exaltación de un dios inexistente y una religión inútil para el desarrollo natural del ser humano. Este pequeño libro de 46 páginas es una hoja de ruta impagable para adentrarse en el mundo literario del divino Marques.      
Bueno en la siguiente editorial más.
Un saludo.

OBRAS ESCOGIDAS

Viaje por Italia (1775)
Diálogo entre un sacerdote y un moribundo (1782)
120 Jornadas de Sodoma (1785)
Justine o los infortunios de la virtud (1788)
La filosofía en el Tocador (1795)
La nueva Justine (1797)
Los Crímenes del Amor (publicada por primera vez en el año 1800)
   Historia secreta de Isabel de Baviera, reina de Francia. La marquesa de Gange (1813)

10 febrero 2011

Jesus Marti

El Marqués de Sade, más allá del placer (Parte 1)


Sade ¿Acosado por sus personales demonios?
Hoy en El Terror Tiene Forma nos apartamos de nuestra línea habitual para adentrarnos en la vida y obra del divino Marqués, un libre pensador que fue perseguido y encarcelado en numerosas ocasiones a causa de sus prácticas “sacrílegas”, representando para buena parte de la sociedad de esa época la encarnación del mal absoluto. Fue escritor visceral y genial, con una vida fascinante y que dejó para la posteridad una serie de obras que se han convertido en iconos de la literatura, influyendo notoriamente en gran cantidad de artistas posteriores. En este primer artículo su biografía tiene todo el protagonismo, el próximo estará dedicado a su  obra y la influencia que ha tenido en diversas disciplinas artísticas (cómic, cine etc…). Vamos a ello.        
Hijo de Jean-Baptiste (Conde de Sade) y de su esposa Marié-Éléonore (princesa de la familia Condé), Donatien Alphonse François más conocido como El Marqués de Sade nació en Paris un 2 de Junio de 1740, desde su más tierna infancia fue rodeado de todos y cada uno de los privilegios que su familia podía darle. Una excelente educación, una relación estrecha con lo más alto de la sociedad francesa y sucesivas estancias en casa de familiares y amigas de su padre moldearon una personalidad prepotente y unos aires de superioridad que le granjearon, con el paso del tiempo, no pocas enemistades. A la edad de 5 años es trasladado a Provenza, concretamente al castillo de Saumane, en ese entorno sombrío y aterrador, en claro contraste del lugar de donde procedía, el joven Marqués descubre los encantos del libertinaje de la mano de un tío suyo que ejercía de abad del territorio pero que no despreciaba ninguno de los placeres de la carne, paralelamente cultiva su mente gracias a la grandiosa biblioteca que su familia poseía.
A los 10 años regresa a Paris e ingresa en un celebre colegio de Jesuitas, es en este momento cuando surge su pasión por el teatro, algunos biógrafos sugieren que en este entorno también descubre los placeres de la fustigación y la sodomía, cosa nada extraña pues en esa época el castigo con vara o látigo y las practicas sodomitas se practicaban y fomentaban por los mismos maestros con una asiduidad sospechosa.
Recién cumplidos los 14 años su padre lo incorpora en el ejército, poco después estalla la guerra con Prusia y Sade cumple con sus deberes militares con honor. En 1763 acaba la Guerra de los Siete Años y su padre, conociendo la gran fama de libertino que su hijo arrastra, quiere apaciguar sus arrebatos casándolo con Renné-Pélagie, mujer de buena posición económica y de carácter prudente. Sade consigue ganarse el aprecio de su familia pero sus instintos no son reprimidos durante mucho tiempo, a los pocos meses la denuncia de una joven que lo acusa de actos sacrílegos lo conducen a la cárcel durante quince días, las gestiones de su suegra consiguen que salga, más o menos, airoso de la situación pero lejos de escarmentar nuestro protagonista da rienda suelta a todo su libertinaje y una sucesión de damas y prostitutas comparten gustosamente sus orgías sexuales alcanzando su punto culminante con un episodio de carácter sádico en las carnes de una bella señorita, azotes, cera ardiendo, cortes y alguna lindeza más son el resultado del encuentro y la chica no duda en denunciarlo a las autoridades, el Marqués vuelve a ingresar en prisión (esta vez por siete meses).
A partir de ese momento Sade es considerado la personificación del mal en estado puro, la sociedad de la época consideraba habituales y bastante normales los episodios de libertinaje y vicios varios que la nobleza practicaba con devoción, pero los vicios exhibidos por nuestro amigo, su negativa a arrodillarse y pedir perdón a las personas influyentes que podían haber ocultado lo ocurrido unidos a su altanería y prepotencia consiguieron que la nobleza tuviera una cabeza de turco perfecta para justificar todos sus desmanes, pudiendo demostrar al populacho (la hipocresía de siempre) que la nobleza también pagaba ante la justicia por sus actos.
Desterrado, por el mismo rey, en su residencia de La Coste, Sade dedica su tiempo a recuperar su afición por el teatro y a buscar desesperadamente la felicidad perdida, pero la desgracia, en forma de vicio, vuelve a cebarse en su persona. Durante una escapada a Marsella junto a su criado buscan a unas prostitutas para realizar una orgía que transcurre en los parámetros habituales dentro de las costumbres del Marqués, es decir, un poco de flagelaciones, actos sexuales en grupo y sodomía entre su criado y el mismo, la única novedad introducida en la fiesta fue la invitación que se hizo a las prostitutas a ingerir  unas pastillas de anís mezcladas con un poderoso afrodisíaco llamado Cantárida, el error fue que la dosis de la droga era excesiva y las chicas enfermaron durante varios días. Denunciado a las autoridades por intento de asesinato y sodomía se da a la fuga y marcha a Italia, el juez encargado de su caso lo declara culpable, a los pocos días vuelve a Francia y es encarcelado, logra fugarse de la cárcel y a partir de ese momento, entre los años 1774 y 1776, su vida es una continua huida, vuelve a Italia y en junio de 1976, debido a unos problemas con un estafador, tiene que volver a su país y al poco tiempo visita Paris por la defunción de su madre, las autoridades no pierden la oportunidad y vuelven a detenerlo. El caso se reabre y es encarcelado, su estancia en Vicennes se prolonga hasta 1785, es trasladado a La Bastilla, a los pocos días estalla la revolución y Sade junto a muchos compatriotas es liberado.
La Bastilla alojó comodamente a nuestro amigo
La Bastilla alojó durante un tiempo a Sade  
Los tiempos han cambiado, nada más salir de la cárcel su mujer se separa, Sade pasa a convertirse en escritor, se inscribe en la Sociedad de Autores y centra todas sus energías en lograr la representación de sus obras en los teatros de la ciudad, al mismo tiempo, de incógnito, se dedica, acuciado por sus problemas económicos, a escribir y publicar sus novelas, el carácter transgresor y polémico de estas le crean más problemas y el sigue negando la paternidad de las mismas. En un ejercicio de hipocresía y supervivencia se hace pasar por revolucionario llegando a ser presidente de una sección y escribiendo textos totalmente alejados de sus creencias políticas, debido a sus discrepancias con la pena de muerte se ve obligado a abandonar sus funciones políticas y Robespierre aprovecha para arrestarlo, encarcelarlo y enviarlo a la guillotina, la acusación: enemigo de la revolución. Logra librarse de la pena de muerte y se aparta de la vida pública.
Francia ha vuelto a cambiar de tercio político y ahora es Bonaparte el que dirige el destino del país, en 1801 Sade vuelve a ser arrestado acusado de la publicación de novelas blasfemas y libertinas, es declarado culpable y recluido en el manicomio de Charenton hasta el fin de sus días. Como final una de sus famosas frases: "todo es bueno si es excesivo". 
Bueno esto es todo por hoy. Un saludo amigos/as.


09 febrero 2011

Jesus Marti

The Dead y Triangle / Trailers para hoy

Hoy incluyo los Trailers de dos películas, más o menos recientes, que me han llamado la atención y a las cuales dedicaré sendos artículos próximamente. Las películas en cuestión son The Dead (2009) dirigida por los hermanos Ford (Howard y Jonathan) y Triangle (2009) dirigida por Christopher Smith.
Espero que os gusten.
Un saludo  








07 febrero 2011

Jesus Marti

TURA SATANA, EL ADIOS FINAL

una de las películas más famosas de Tura Satana
El pasado viernes 4 de febrero fallecía la mítica Tura Satana. A la edad de 76 años, y sin haberse hecho públicas las causas de su muerte, nos deja esta actriz de culto que estará para siempre con nosotros. Sus psicotrónicos papeles como Varla, devoradora de hombres en Faster, Pussycat! Kill! Kill! de Russ Meyer o la inconmensurable Satana en The Astro-zombies dirigida por su amigo Ted V. Mikels son difíciles de olvidar. Desde El Terror Tiene Forma rindo homenaje a una de las mujeres más explosivas de la historia del cine.
RIP
Faster, Pussycat! Kill! Kill!
Las danzas exóticas de Tura Satana

06 febrero 2011

Jesus Marti

Iron Maiden / Murders in the Rue Morgue


Hoy es domingo y toca videoclip, aprovechando que mañana el artículo de portada de El Terror Tiene Forma estará dedicado a la película Asesinatos en la calle Morgue (1971) he decidido poner un video de la mítica banda Iron Maiden. El video es una grabación en directo durante la gira Beast on the road del año 1982 en el Hammersmith, la canción ya la podéis imaginar Murders in the Rue Morgue. El tema forma parte del famoso disco Killers (1981), disco que los encumbró a lo más alto del ranking y revolucionó el, por entonces, poco interesante mundo del Heavy Metal británico.
Espero que lo disfrutéis.
Un saludo.    

04 febrero 2011

Jesus Marti

Entrevista a Mae Clarke (extraida de la revista Famosos "Monsters" del cine) / Parte 2

Frankenstein / Poster
Segunda parte de la entrevista efectuada a Mae Clarke por Forrest J. Ackerman. A disfrutarla!!!!!

Entrevista a la novia del Dr. Frankenstein (parte 2)  © Warren Publishing, New York

 FJA: Corre una historia, que no sé si usted podrá corroborar o negar. Quizá no fue más que una invención de un agente de prensa, pero se dice que Boris Karloff, cuando estaba maquillado para representar al monstruo y tenía que salir del plató o de los estudios, iba con una especie de velo en la cara…
MC: Pudiera haber ocurrido. Yo no diría que no. Pero en ningún caso, si lo hizo, pudo ser en plan farsa o como una broma. Era una producción dramática muy seria, digna e importante, con gente muy profesional en el equipo, que sabía lo que se llevaba entre manos. Todos tratábamos de convertir la película en un acontecimiento de primera clase.
Ya sabe, una de las supersticiones entre los actores consiste en no aparecer jamás en público con el maquillaje de escena puesto…excepto para actuar claro. Nadie se dejaba ver por la calle con el maquillaje, ni encasa, ni en ningún sitio excepto estudio. No sé lo que ocurrirá hoy en día, porque las cosas cambian, pero en aquellos años teníamos tradiciones y costumbres que eran cuidadosamente observadas, e incluso esas supersticiones de que le hablaba eran tomadas muy en serio. Hoy se consideran un poco en plan anecdótico, pero antes, por ejemplo, a nadie se le consentía ni se le ocurría siquiera silbar en los vestuarios. Y si Boris pensaba que alguien de la calle podía ver su maquillaje, quizá hizo lo que usted me dice. Dentro de los estudios, puertas adentro, se considera que todos somos de la profesión, y esas cosas pierden importancia. Por eso mismo pasear por las calles de los estudios no es lo mismo que ir por New York o estar en un restaurante de lujo.
Forrest J. Ackerman
FJA: ¿Recuerda usted cuál fue su reacción la primera vez que vio a Boris Karloff maquillado de monstruo?
MC: La verdad es que asistí al desarrollo gradual de todo ello. Desde luego yo no estaba en el estudio cuando Boris y el magnifico maquillador Jack Pierce, de grato recuerdo, comenzaban su trabajo a las 5 de la mañana. Lo que es indudable es que trabajaban muchísimo los dos juntos, y digo “juntos” porque, si bien Pierce realizaba la mayor parte del trabajo, contaba con la colaboración de Boris, quien, con una paciencia infinita, probaba esto, y aquello, y lo otro y lo de más allá…Luego, cuando el director, James Whale, llegaba al estudio, se le consultaba, y él consultaba al resto del equipo, y se hacían varios intentos y rectificaciones antes de quedarse con la versión definitiva del monstruo.
Recuerdo el último cambio que se efectuó en el maquillaje. Por ejemplo, una de las últimas cosas en añadirse fueron los electrodos de la cabeza, que creo que fueron idea del director, que un día dijo que se necesitaban unos grandes tornillos que se suponía que sujetaban toda la estructura del cráneo, y otros dos en el cuello.
Y luego llego el último cambio: cuando Whale hubo dado su aprobación final al maquillaje, pidió que lo hicieran completamente en verde. Un verde grisáceo, ceniciento. Pero lo más curioso es que la película no iba a rodarse en color. Era simplemente un efecto psicológico para el propio Boris y para todos los que lo rodeábamos. James Whale era un hombre muy sensible. Poseía el verdadero genio de artista para elegir colores, músicas, perfumes e incluso el momento de tomar el té y hacer un alto en el rodaje. Para todos nosotros fue una verdadera alegría y un inmenso placer conocerle.
FJA: ¿Tiene usted alguna idea acerca de la cantidad de material que quedó en la sala de montaje, perteneciente a la escena en que el monstruo ahoga a la niña?
MC: Pues no, la verdad. Yo no estaba tan conectada con la parte técnica y administrativa del estudio. Todos desarrollaban intensamente su propia actividad. Cuando el encargado de efectos especiales y el operador jefe estaban cuchicheando en un rincón, nadie se atrevía a molestarles. Me han quedado recuerdos, momentos aislados, pero yo tenía entonces 21 años y mis propios problemas personales, como llamadas telefónicas, compromisos, el trabajo de aprenderme los diálogos de Elizabeth, mi personaje en la película….Me concentraba solamente en mi trabajo y hay muchas cosas que no puedo recordar.
FJA: ¿Fueron necesarios muchos ensayos para rodar su gran escena, cuando el monstruo entra por la ventana, y usted grita y se desmaya?
Mae Clarke y Boris Karloff en una secuencia de Frankenstein.
MC: Sí, creo que lo normal, porque teníamos rigurosamente marcados todos los detalles. El público tenía que verle aproximarse a la ventana, desde el ángulo de la cámara, y ver que estaba allí, mientras que yo debía ignorarlo. El director había decidido que yo, para no verle, debía estar concentrada en algo, haciendo alguna cosa, para dar más suspense al momento.
Así que, en el instante justo, yo me daba media vuelta y el monstruo estaba ya en la habitación. Sus intenciones no eran amenazadoras, pero como no le había visto antes, debía tomar su avance como un ataque. Hicimos unos cuantos ensayos, y yo, poco a poco, fui metiéndome en situación, hasta tal punto que llegue a sentir verdadero miedo. Hicimos una primera toma. Creo que la sensación de realismo fue muy lograda porque yo comenzaba a estar verdaderamente asustada.
Box Set editado en nuestro país de los mosntruos clásicos de la Universal.
Antes de la segunda toma, le confesé a Boris que no sabía como iba a reaccionar en la segunda, porque todo aquello era realmente impresionante. El me respondió: Mira, vamos a hacer una cosa. Mi dedo meñique no será visto por la cámara, cuando des media vuelta y me veas en la habitación, mira hacia esa mano y yo doblare mi dedo. Quedará oculto para la cámara pero tú podrás verlo. Y como tú sabes que no hay ningún monstruo que se dedique a doblar el dedo meñique, estarás segura de que soy yo. Interpreta tu papel, sigue adelante como quieras, pero si llegas a sentirte insegura, fija tus ojos en mi dedo y eso te devolverá a la realidad. Y así lo hicimos. Fue una gran ayuda, y casi me hizo reír.
Pero, realmente, hubo un momento en que estuve asustada. Si aún actualmente la escena impresiona un poco, imagínese hace casi 45 años…
FJA: ¿Así que usted no vio la película terminada hasta algunos años después?
MC: Unos 2 o 3 años más tarde. Como le dije, estaba trabajando continuamente para dos estudios. Estaba saturada. Tenía que cumplir forzosamente mis compromisos, y los contratos garantizaban 40 semanas de trabajo al año, que eran pagadas tanto si se trabajaban como si no. Naturalmente, la productora procuraba ocuparme durante esas 40 semanas. Teniendo uno solo de esos contratos, una sabía que le quedaban varias semanas libres al año, pero con dos…bueno, me faltaban horas para todo. Estaba cansada y enfermaba continuamente, de modo que durante el año siguiente sólo realicé tres películas entre los dos estudios, siendo estrenadas las dos en la misma semana en Broadway debido al bache de trabajo que había tenido. Entonces me derrumbé definitivamente. Estuve enferma un año entero, es decir, no enferma, sino lejos del cine y recuperando fuerzas. Luego regresé, realice una carrera bastante larga y lo dejé definitivamente.
FJA: ¿Le sorprendió la reacción del público?
MC: Cuando me enteré de que las ambulancias se estacionaban frente al local en que se proyectaba “El Doctor Frankenstein” pensé: “Dios mío, ¿qué hemos hecho?” Yo creía que habíamos hecho una película buena e interesante, pero nunca imaginé que iba a producir aquellos efectos. Nadie de los que entonces formamos el equipo hubiéramos llegado a suponerlo jamás. Pensábamos haber hecho ante todo una historia dramática. No nos dábamos cuenta que habíamos creado un monstruo. Y, realmente lo habíamos hecho, un monstruo que acabó convirtiéndose en algo adorable.
FJA: Muchas gracias por conversar con nosotros.
MC: Gracias a usted por sus preguntas, señor Ackerman. Ha sido un placer recordar…
© Warren Publishing, New York
Bueno por hoy ya esta bien. Un saludo amigos/as de El Terror Tiene Forma, mañana más.