ÚLTIMOS ARTÍCULOS

28/2/11

The crimson ghosts / Unleashed

Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma, para animar un poco el día de hoy, como odio los lunes, voy a incluir el videoclip de una banda alemana que ostenta orgullosa la bandera del horror punk como estandarte de batalla. The Crimson Ghosts, banda de origen alemán, se formaron en el año 2001 como una banda tributo a los Misfits. Después de unos años en esta actividad, deciden componer sus propios temas, fruto de este trabajo editan su primer disco en el año 2005 titulado Leaving the Tomb. Posteriormente se editan Carpe Mortem (2006) y Dead Eyes can see (2008). El año 2010 lo estrenan con disco nuevo, el tremendo Generation Gore, del cual hoy incluimos el video del tema Unleashed.
Si queréis más información:

A disfrutar con este pedazo de tema.
Un saludo


27/2/11

Razorback, Los colmillos del Infierno (1984)

En la historia del cine de terror los animales convertidos en monstruos sanguinarios han tenido una presencia constante a lo largo de las décadas. Ya sea porque sus instintos se desatan y buscan venganza contra el ser humano o porque han sido víctimas de algún imaginativo y loco experimento genético o de alguna enfermedad degenerativa que los ha vuelto locos de remate, los bichitos sedientos de sangre han demostrado una tenacidad y un odio hacia la especie humana digna de elogio. Tiburones, orcas, ratas, perros, ovejas, murciélagos, gatos o como en la película que hoy nos ocupa, cerdos salvajes, han tenido su momento de gloria en alguna película de género.
La premisa argumental de Razorback es sencilla: en una zona desértica del interior de Australia un niño de dos años es asesinado por el ataque de un jabalí gigantesco, el abuelo de la víctima, Jack Cullen un experto cazador y abuelo del niño, es acusado ante las autoridades de la desaparición de éste pero finalmente es absuelto por falta de pruebas. Años después una periodista americana, Beth Winters, conocida activista pro-animales llega al continente para realizar un documental sobre la caza del canguro. A los pocos días desaparece en extrañas circunstancias. Su novio decide ir hasta Australia y afrontando la hostilidad de los lugareños, comienza a investigar los sucesos. El jabalí asesino no tardará en aparecer, y su investigación se convertirá en una lucha por la supervivencia.

Razorback, los colmillos del infierno está dirigida por Rusell Mulcahy, director con un gusto visual muy cercano al videoclip y que dos años después tendría un éxito masivo gracias a los Los inmortales (Highlander, 1986). Visualmente muy trabajada, efectiva en sus intenciones pero con algunas lagunas en el ritmo de la narración, el film logra entretener y, para muchos aficionados, es una película de referencia ineludible en éste género de monstruos desatados.
El film combina diferentes elementos, un tanto dispares, que si bien dan una textura original al producto, no acaban de cuajar totalmente en el resultado final. Vayamos por partes, como elementos principales de la mixtura tenemos por un lado la denuncia de los derechos de los animales, encarnada en la periodista y su ayudante, una denuncia algo inocente y usada como leve motor unificador para desarrollar todo el argumento; por otro tenemos el componente de la venganza, encarnado por el abuelo del chico asesinado al principio de la película, personaje muy desaprovechado que, con más atención en el guión, podía haber deparado momentos más convincentes; el tercer punto es la investigación en sí misma llevada a cabo por el novio de la reportera, algo incoherente e inconexa, lastra en muchos momentos el desarrollo de la película, prescindiendo de las posibilidades del personaje, el realizador prefiere usarlo más como un vehículo que permita llegar hasta el final dignamente. Por último también conviene destacar que el realizador no puede sustraerse a la tentación de añadir elementos apocalípticos, larga es la sombra de Mad Max en la cinematografía australiana, visualmente representados por los lugareños del pueblecito, especialmente dos de ellos, que como máximas aficiones tienen vestir extravagantemente, cazar sádicamente canguros amparados por la oscuridad y revolcarse en su propia mugre e inmundicia.
Todos los puntos anteriores están expuestos pero no desarrollados, dando la sensación de que tanto el realizador como el guionista querían insertar demasiadas ideas sin decidirse por ninguna. El verdadero leit motiv del film es, no se puede poner en duda, el jabalí asesino, por lo tanto las diferentes propuestas para desarrollar la historia, que quedan en pequeños apuntes sin profundidad, abocan por momentos al espectador a un espectáculo algo incoherente y falto de ritmo en determinadas escenas.
Lo anteriormente indicado no es de ninguna manera una crítica a Razorback, es más, para mí éste producto es altamente recomendable y muy entretenido, pero no puedo dejar de pensar que si el director hubiera podido ligar más consistentemente todas las ideas expuestas, nos encontraríamos delante de una auténtica joya de éste género con muchos más valores cinematográficos para sumarle, quedándose, sin embargo, a medio camino de las intenciones expuestas.
La presencia y los ataques del jabalí, están muy conseguidos, sin enseñarnos claramente a la bestia, el director logra una atmosfera de amenaza constante que es lo mejor del film, aún en las escenas más intrascendentes se siente la amenaza del peligroso bicho, consiguiendo que cuando hace acto de presencia física de auténtico miedo.
Otro elemento destacable es la iluminación y fotografía, extraño trabajo que logra en muchos momentos pasar por encima de la historia misma, dándole al film un aire bastante surrealista, onírico e inquietante logrando que el, ya de por sí, impresionante paisaje australiano adquiera tanta importancia o más que el bicho en cuestión, ya que tanta belleza paisajística puede ocultar en su interior muchos horrores y ésta realidad es explotada visualmente con mucha maestría aquí.
Los efectos visuales, en especial el jabalí animatrónico (buena parte del presupuesto se esfumó en él) y toda la parte del enfrentamiento final en la fábrica, están muy conseguidos logrando que nos olvidemos de la carencia de ellos durante buena parte del metraje.
El film está basado en la novela de Peter Brennan y el guión estuvo a cargo de Everett De Roche, interesante personaje éste último que durante su carrera ha estado implicado en proyectos tan dispares como Patrick (1978), Largo fin de semana (Long Weekend, 1978), Harlequin (1980) o más recientemente El infierno bajo tierra (Nine miles down, 2009). Un día de éstos tengo que dedicarle un artículo a éste hombre, su trabajo es bastante singular y merece una aproximación al mismo.
La banda sonora fue compuesta por Iva Davies, que mucha gente recordará por ser el líder de una banda australiana llamada Icehouse, que transitaba entre la new wawe, la música electrónica y el rock al uso. 
Razorback se ha convertido con el paso del tiempo en una obra de culto, no sé sí es justa o no tal denominación, lo que sí que tengo claro es que el film, dentro de su rareza implícita, consigue buenos momentos y resulta un buen entretenimiento para todos los amantes de éste género tan especial.
Un saludo      


     
Ficha Técnica
Año: 1984 / Director: Rusell Mulcahy / Productor: Hal McElroy, Tim Sanders / Guión: Everett De Roche / Música: Iva Davies / Fotografía: Dean Semler / Maquillaje: Wendy Sainsbury, Bob McCarron / FX: Brian Cox, Guillermo Masterchoto, Chris Murray / País: Australia / Duración: 95m. / Formato: 35mm  / Proporción: 2.35: 1 / Presupuesto: 5.500.000 $ / Color
Ficha Artística
Gregory Harrison, Arkie Whiteley, Bill Kerr, Chris Haywood, David Argue, Judy Morris, John Howard, John Ewart, Don Smith, Mervyn Drake, Redmond Phillips, Alan Becher, Peter Schwarz, Beth Child, Rick Kennedy, Chris Hession, Brian Adams, Jinx Lootens, Angus Malone, Peter Boswell, Don Lane 
Edición en DVD
Audio: Castellano, Inglés (Dolby Digital 2.0) / Subtítulos: Castellano / Pantalla: Widescreen / Calificación: 18 / Distribuidora: Suevia Films /  Extras: Tráiler, filmografías / Valoración de la edición: 5   

25/2/11

Jack Pierce, maestro maquillador

Pierce está considerado como el maestro del maquillaje y uno de los “culpables” de que la Universal copara casi exclusivamente el panteón del terror cinematográfico. En una época en que la industria del cine estaba casi en pañales, Pierce de forma artesanal y con total entrega y dedicación, concibió en su imaginación y creó para el celuloide una serie de trabajos que se han convertido en imágenes icónicas del género de terror, siendo aún actualmente una inspiración o referente para los modernos profesionales del sector. Pierce brilló con luz propia, dio  forma a los rostros del terror y contribuyó a que esa industria, ese género y esos monstruos clásicos adquirieran un halo mítico e inimitable.
Hoy vamos a dedicarle el artículo a éste artesano, repasando su biografía y prestando especial atención a sus trabajos más representativos. Fascinante es la palabra que define la vida de éste señor y para adentrarnos en ella nada mejor que empezar por el principio.
Nacido como Jano Picculas en Valdetsiu, un pueblecito griego al norte de Trípoli, un 5 de mayo 1889. A comienzos del nuevo siglo, por recomendación de unos parientes, la familia al completo se traslada a los Estados Unidos, desembarcaron en Nueva York para poco después trasladarse a Chicago, donde el joven Jano decide americanizar su nombre, su nuevo nombre, Jack P. Pierce, desagrada a su familia y es el primero de los sucesivos encontronazos que derivarían en la ruptura familiar y de paso con su pasado más inmediato. Al poco tiempo se trasladan a Los Ángeles y Jack abandona el núcleo familiar casándose con Blanche Craven, circunstancia que provoca la ruptura total con su familia y la comunidad griega. La vida era difícil en esos años y el joven para poder sobrevivir pasó unos meses vendiendo periódicos por la calle, después encuentra trabajo como proyeccionista en un cine y al poco tiempo empieza haciendo de especialista para distintas productoras. Dos años le duró ésta ocupación, pronto consigue convertirse en actor, especializado en papeles de villano, y como en esa época no existía el departamento de maquillaje, él mismo se lo trabajaba, no pasando éstas virtudes desapercibidas para las productoras del momento. Entre los años 1915 al 1925 desempeña el trabajo de maquillador, hasta que en el año 1926 le llega su primera gran oportunidad, Raoul Walsh se disponía a iniciar la producción titulada The monkey talks (Habla el mono, 1927) y tenía muchos problemas para lograr un maquillaje creíble que convenciera al público, Jack Pierce se involucró en el proyecto y su maquillaje (a pesar de que sólo se conservan algunas fotos del mismo) asombró a propios y extraños. Su trabajo llegó a los oídos del presidente de la Universal (Carl Laemmle) que incorporó a jornada completa como maquillador a Pierce.
El hombre que ríe
Al poco tiempo Carl Laemmle nombró productor asociado a su hijo y lo puso al frente de toda la labor de producción. Carl Jr. era un gran fanático del terror y de Pierce, y le dio a éste plenos poderes para desarrollar sus conceptos artísticos, fruto de esta colaboración creó los maquillajes para Conrad Veidt en la increíble película The man who laughs (El hombre que ríe, 1928) y que a la postre se convertiría en uno de los primeros éxitos de nuestro protagonista en la productora. A partir de ese momento los éxitos se suceden, Drácula, el monstruo de Frankenstein, la Momia, la novia de Frankenstein o el hombre lobo demuestran al mundo entero el genio creativo de Pierce y encumbran a la Universal al numero uno del género fantástico. Durante los treinta y los cuarenta nuestro protagonista no deja de trabajar. Sin embargo a mediados de los cuarenta la Universal da un giro de planteamientos en los proyectos de producción y deciden dejar de lado sus películas sobre monstruos, una de las primeras decisiones en éste aspecto afecta a Jack en persona, es despedido en 1947 y el golpe recibido lo hunde casi totalmente.
Desde ese momento sus trabajos se reparten entre el medio televisivo y películas de bajo presupuesto, los años cincuenta y sesenta son un vía crucis para nuestro protagonista, y sus creaciones no resultan tan brillantes y sobre todo tan sorprendentes para el espectador, por lo que el lento declive va minando su carácter y su salud.
El 19 de julio de 1968 Jack Pierce fallecía y con él se iban para siempre unas décadas mágicas e imborrables. Para la posteridad queda toda una carrera, honesta y creativa, que a día de hoy sigue siendo un referente ineludible para entender el desarrollo posterior de éste género que tantas y tantas horas de placenteros escalofríos nos ha proporcionado.
A continuación una filmografía seleccionada:
1928
 El hombre que ríe (The man who laughs) / Paul Leni
1931
Drácula / Tod Browning
El Doctor Frankenstein (Frankenstein) / James Whale
1932
El doble asesinato de la Calle Morgue (Murders in the Rue Morgue) / Robert Florey 
La legión de los hombres sin alma (White Zombie) / Victor Halperin
El caserón de las sombras (The old dark house) / James Whale
La momia (The Mummy) / Karl Freund
1933
El hombre invisible (The invisible man) / James Whale
Satanás (The black cat) / Edgar G. Ulmer
1935
La novia de Frankenstein (The bride of Frankenstein) / James Whale
El lobo humano (Werewolf of London) / Stuart Walker
El cuervo (The Raven) / Lew Landers
1936
El poder invisible (The invisible ray) / Lambert Hillyer
La hija de Drácula (Dracula’s daughter) / Lambert Hillyer
1939
El hijo de Frankenstein (Son of Frankenstein) / Rowland V. Lee
La torre de Londres (Tower of London) / Rowland V. Lee
1940
The Mummy’s hand / Christy Cabanne
1941
Mad made monster / George Waggner
El hombre lobo (The wolf man) / George Waggner
1943
El fantasma de la Ópera / Phantom of the Opera / Arthur Lubin
1945
Perversidad (Scarlet street) / Fritz Lang
1946
She Wolf in London / Jean Yarbrough
1957
El cerebro del planeta arous (The brain from planet arous) / Nathan Juran
1962
The Devil’s hand / William J. Hole Jr.

Bueno amigos, por hoy ya está bien. Un saludo y hasta la próxima.

24/2/11

La fosa común / The graveyard shift (1990)

“…algo le había sucedido a las ratas que tenían atrás, una mutación repulsiva que jamás podría haber sobrevivido a la luz del sol. La naturaleza no lo habría permitido. Pero ahí abajo, la naturaleza había asumido otro rostro más macabro…”
Este fragmento corresponde a un cuento corto publicado en el año 1971 titulado El último turno (Night shift) que posteriormente fue incluido en la antología “El umbral de la noche”, el responsable es uno de los escritores más conocidos de la literatura fantástica actual, o sea, Stephen King. Los trabajos de King, han sido, desde los lejanos tiempos de Carrie, pasto e inspiración para la industria cinematográfica que, con desiguales resultados, ha llenado la gran pantalla (y la pequeña también) con cualquier escrito que llevara el nombre del escritor.
La película que hoy nos ocupa es una obra menor dentro de las adaptaciones realizadas, pero menor no quiere decir carente de interés o mala sin más, La fosa común es un típico producto de los años ochenta y noventa, que rebosa encanto y amor por el género y que, aunque, tiene diversos errores, no por eso deja de ser muy entretenida y bastante terrorífica.
Una breve introducción a la historia presentada nos servirá para entrar en materia: una vieja fábrica textil, al borde de la ruina y el desmoronamiento total y cercana a un antiguo cementerio, aloja en su sótano una inmensa colonia de gigantescas ratas, estando algunas de ellas, váyase a saber como, cruzadas genéticamente con otros inquilinos del lugar: los murciélagos. El capataz del negocio decide hacer una limpieza del lugar aprovechando un fin de semana largo, con ésta idea en mente recluta, con la promesa de una buena paga extra, a varios trabajadores de la fábrica. Al iniciar los trabajos se encuentra con una horrible sorpresa.

El film fue dirigido por Ralph S. Singleton (su único trabajo como director para la pantalla grande),  el guión estuvo a cargo de John Esposito, que tuvo que hacer encaje de bolillos para alargar el cuento original a la duración estándar de una película. En los papeles principales tenemos a David Andrews, Andrew Divoff, Kelly Wolf, Brad Douriff y Stephen Match.
No voy a extenderme mucho en la película, bajo las coordenadas de un presupuesto exiguo, un guión alargado en exceso y unas buenas actuaciones de sus intérpretes principales, en especial Brad Douriff (impagable como desratizador con pasado traumático en Vietnam) y Stephen Match (muy bueno en su papel de cabrón redomado), la película logra dos bazas importantes a su favor; la primera es la adecuada tensión que produce una ambientación, lóbrega, sucia e inquietante que consigue que el espectador “crea” la historia explicada; la segunda, cómo no, son las ratas que pueblan todo el metraje y, por supuesto el híbrido rata-murciélago gigante con una presencia constante, pero nunca podemos verlo de cuerpo entero, un recurso muy usado (por ejemplo en la película Razorback) pero que resulta bastante útil y efectivo en películas con presupuesto ajustado. Otro de los puntos destacables es que no sólo se narra la lucha de los humanos contra las bestias, sino que profundiza (tan poco mucho, no os creáis) en las relaciones que se establecen entre ellos, con el resultado final de que los protagonistas no saben realmente en quién confiar, por lo que la tensión se reparte y amplía considerablemente, sobre todo en la parte final del film.
El film también tiene algunos momentos gore bastante impactantes y explícitos bien resueltos por el equipo de efectos.     
Por lo demás, la película se erige en un buen espectáculo que, en contra de la opinión de King que llegó a manifestar que era “un desastre inclasificable”, funciona muy bien y que aunque cae en los tópicos habituales del género fantástico no chirría demasiado, por lo que el balance total, por lo menos para mí, es positivo. Película sin pretensiones pero efectiva, que está por encima de algunos verdaderos bodrios surgidos de los productores sin escrúpulos empeñados en explotar el filón King.
Como curiosidad final comentaré que el molino que aparece en la película fue bautizado como Bachman Hill siendo un homenaje al pseudónimo utilizado muchas veces por el propio escritor.
Bueno por hoy se acabó. Un saludo a todos/as.    



Ficha Técnica
Año: 1990 / Director: Ralph S. Singleton / Productor: William J. Dunn, Ralph S. Singleton / Guión: John Esposito / Música: Brian Banks, Anthony Marinelli / Fotografía: Peter Stein / Maquillaje: Karen Blynder / FX: Jim Kundig, Peter Chesney, Sandra Stewart / E. Visuales: Syd Dutton, Bill Taylor / País: USA / Duración: 89m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Presupuesto: 10.500.000 $ / Color
Ficha Artística
David Andrews, Kelly Wolf, Stephen Macht, Andrew Divoff, Vic Polizos, Brad Douriff, Robert Alan Bouth, Ilona Margolis, Jimmy Woodard, Jonathan Emerson, Minor Rootes, Kelly L. Goodman, Susan Lowden, Joe Perham, Dana Packard, Skip Wheeler, Richard France, Anne Rooney, Raissa Danilova, Emmet Kane      
Edición en DVD
Audio: Castellano (Dolby Digital 2.0) / Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés, Italiano, Griego / Pantalla: Fullscreen / Calificación: 18 / Distribuidora: Sony Pictures /  Extras: No / Valoración de la edición: 5 / Comentario: Descatalogada en España. Disponible edición en importación, en widescreen pero sin subtítulos en castellano. Precio: 7,95 $

23/2/11

Tucker and Dale vs. Evil

Tucker and Dale vs. Evil es una película gamberra, irreverente, sangrienta y muy divertida. Dirigida por Eli Craig en el año 2010, el film es una buena muestra de cine independiente, que mezcla a partes iguales el gore más bruto con la comedia negra más acida. La película merece la pena por ese toque gamberro y, creo no equivocarme demasiado, si digo que es totalmente recomendable su visionado para todos los amigos/as de El Terror Tiene Forma. De momento os dejo el trailer y algunos links oficiales. A disfrutarlo!!!
Enlaces:


22/2/11

Lecturas Diabólicas / I Madman (1989)

Virginia (Jenny Wright) trabaja en una tienda de libros de segunda mano y en sus ratos libres asiste a clases de interpretación teatral. Otra de sus aficiones es la lectura de novelas pulp de terror. Su última adquisición, escrita por Malcom Brand, ha logrado interesarla tanto que busca desesperadamente su otra novela publicada titulada I, Madman. Al día siguiente intenta encontrarla entre las existencias de la librería donde trabaja, con resultado infructuoso. Sin embargo, al llegar por la noche a su casa encuentra, apoyado en la puerta de entrada, un pequeño paquete que contiene la novela.
Sin más demora, empieza su lectura, descubriendo asombrada que la historia no es ficticia y que el protagonista parece que puede traspasar la frontera entre la imaginación y la realidad sin ningún tipo de problema, recreando los asesinatos narrados en la novela en el entorno de la chica. A partir de ese momento Virginia tendrá que luchar para salvar su cordura y… su vida.
Curioso éste experimento que dirigió Tibor Takács en el año 1989. Una mezcla de estilos que bebe de fuentes inspiradoras tan dispares como las películas de presupuesto ajustado de los años ’50 (mad doctors e imaginativos monstruos animados con stop motion), como del gore tan popular en los ochenta añadiendo a la salsa algo de terror psicológico y suspense claro / oscuro. No voy a decir que ésta combinación tan extraña le saliera redonda al amigo, pero sí que se puede decir, que el producto resultante raya a gran nivel y tiene elementos bastante interesantes que justifican el visionado del film.
Vayamos por partes, el film juega, durante casi todo su metraje, con una atmósfera siniestra y amenazante que favorece mucho al film, hay juegos de luces y sombras como homenaje a los recursos utilizados en el cine mudo; las primeras apariciones del asesino y su extraña vestimenta, parecen pensadas para recordar al espectador los personajes que Vincent Price recreaba con total maestría (seguro que sabéis a que personajes me estoy refiriendo); los asesinatos y la falta de motivación de los mismos son un trámite neutro para llegar al final de la película, resultando, curiosamente, un beneficio considerable para el ritmo narrativo; la dirección es consecuente con las intenciones del producto, aunque no es brillante (difícil tratándose de éste director) sí que es efectiva y consigue retener la atención del espectador, por lo que se convierte en algo ágil y dinámico que no aburre en ningún  momento.
Por otro lado la simpleza del guión, o la ausencia de complejidad y profundidad del mismo, dan un aire muy de cómic a la producción, los diferentes momentos o secuencias narrados están estructurados como viñetas, que contienen y explican sólo lo necesario para el desarrollo del momento, alejándose de artificios innecesarios y de escenas alargadas hasta la saciedad, cosa que yo agradezco, pues no hay nada peor para una película de estas características que su director pretenda alargar y alargar lo que se puede explicar en 90 minutos mal contados. En último lugar me gustaría comentar la interpretación de los actores que, sin resaltar, sí que aportan un trabajo suficientemente sólido para la propuesta que tenemos delante. Mención aparte merecen Jenny Wright (Viajeros de la Noche / Near Dark) y el actor y especialista en efectos visuales Randall William Cook, que con su doble papel interpretando al Dk. Kessler y a Malcolm Brand, consigue un personaje muy amenazador y terrorífico, que eleva varios grados el nivel de la película. Para los detallistas diré que Randall tiene una carrera como especialista en efectos visuales digna de consideración, ha estado involucrado en películas como La cosa (The thing, 1982), La serpiente voladora (Q, 1982) o más recientemente la trilogía de El señor de los anillos entre otras muchas. 
En el apartado de los efectos visuales y especiales, nada que decir, típicos de esos años y de la falta de presupuesto, para mí ningún problema, me lo sigo pasando teta con éste tipo de efectos, por lo tanto notable alto en este tema.       
Este film me recuerda muchas películas de la época, pero en concreto la que no me quito de la cabeza es Pacto de Sangre. Ambas comparten ese aire tan ochentero, a medio camino entre la profesionalidad y la diversión, exhibiendo orgullosas una total y absoluta falta de prejuicios y logrando con esta concepción de cine tan particular crear unas películas divertidas, originales y muy entretenidas, que han pasado como una marca de fábrica única e irrepetible a la historia del cine de terror. Los años ochenta son muy aprovechables para el género fantástico y de terror. Films como los mencionados están ahí para recordárnoslo. 
Por lo anteriormente explicado, creo que queda bastante claro, que Lecturas Diabólicas es un film al cual hay que enfrentarse sin prejuicios de ningún tipo y, sobre todo, sin buscarle los tres pies al gato, la única premisa que hay que tener en mente es la de pasárselo bien, celebrar las barrabasadas del psicópata y disfrutar como un enano con el monstruito sacado directamente de otras épocas.
Entretenida, atmosférica, terrorífica y encima con un pedazo de psicópata brutal
¿Alguien da más?
Un saludo amigos/as



Ficha Técnica
Año: 1989 / Director: Tibor Takács / Productor: Rafael Eisenman, Paul Mason, Helen Szabo / Guión: David Chaskin / Música: Michael Hoening / Fotografía: Bryan England / Maquillaje: Randall William Cook / FX: Frank Ceglia / E. Visuales: Randall William Cook, Jim Aupperle / País: USA / Duración: 89m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Color
Ficha Artística
Jenny Wright, Clayton Rohner, Randall William Cook, Stephanie Hodge, Michelle Jordan, Vance Valencia, Mary Baldwin, Raf Nazario, Bob Frank, Bruce Wagner, Kevin Best, Steven Memel, Vincent Lucchesi, Murray Rubin, Tom Badal, Roger La Page, Nelson Welch, James Quincey Hendrick   
Edición en DVD (Importación)
Audio: Inglés (Dolby Digital 2.0) / Subtítulos: Inglés, Castellano, Francés / Pantalla: Full Screen / Calificación: Rated / Distribuidora: MGM /  Extras: No / Valoración de la edición: 5 / Precio:  3,98 $ 

21/2/11

RICHARD MATHESON, EL TERROR INTELIGENTE

Richard Matheson, un excelente escritor de ciencia ficción y terror
La carrera de Richard Matheson se ha desarrollado a caballo entre la literatura y el cine. Su faceta como escritor nos ha regalado novelas o relatos, siempre inteligentes, imaginativos e inquietantes, que han llenado muchas horas de los aficionados al terror y la ciencia ficción. Paralelamente las adaptaciones de las mismas, tanto para cine como para televisión, o la gran cantidad de guiones realizados han logrado que su nombre sea bastante conocido para el público en general. Sus seguidores son legión y su influencia en artistas posteriores es notoria, así Stephen King, George A. Romero o el mismo Chris Carter (Expediente X) se declaran fans confesos del escritor y lo reconocen como una influencia brutal en el desarrollo de sus respectivas carreras.  Siendo su carrera tan extensa y enrevesada he pensado en dedicarle éste artículo, por lo tanto hoy vamos a repasar su trayectoria, desglosándola en varias partes: biografía con sus obras y adaptaciones cinematográficas más importantes, su faceta como guionista, una pequeña guía de lectura y los premios y reconocimientos que ha atesorado a lo largo de los años.
Empecemos por el principio:

Soy Leyenda uno de los totems de la literatura de vampiros
Biografía: hijo de inmigrantes noruegos nació un 20 de febrero de 1926 en Allendale (Nueva Jersey). Brooklyn le vio crecer y cursar los estudios reglamentarios. En 1949 se licenció en periodismo por la Universidad de Missouri. Pronto su carrera como escritor tomó forma, publicando sus primeros cuentos en el periódico Brooklyn Eagle. Poco después se traslada a California y continúa publicando cuentos y relatos, en este caso en la revista Magazine of Fantasy and Science Fiction. El año 1954 lo celebra publicando la novela Soy Leyenda / I am Legend. Novela a la que siguieron otros trabajos como El hombre menguante (The shrinking man, 1956), El último escalón (Stir of Echoes, 1958), Ride the nightmare (1959) o The Beardless warriors (1960). Durante esos años el mismo Matheson adapta para la pantalla grande su novela El hombre menguante y el resultado es espectacular, dirigida por Jack Arnold con el título El increíble hombre menguante (The shrinking man, 1957) el film pronto se convierte en una película de culto y abre las puertas de Hollywood a nuestro amigo.

20/2/11

Calabrese / Voices of the dead


Para alegrar el domingo hoy os traigo la canción Voices of the Death de la banda de horror punk Calabrese. El tema proviene del disco The traveling vampire show. Si queréis más información sobre esta banda solo tenéis que entrar aquí: calabrese rock 
Un potente tema que seguro que hará las delicias de los asiduos al El Terror Tiene Forma. Que aproveche!!!!! 

19/2/11

LA NOCHE DEL DEMONIO / NIGHT OF THE DEMON (1957)

carátula DVD de la noche el demonio
Cerca de quince años habían pasado desde las últimas incursiones de Tourneur en el cine fantástico. Sus trabajos para la RKO producidos por Val Lewton, eran un grato recuerdo para los aficionados, La mujer pantera (The Cat People 1942) y Yo anduve con un Zombie (I walked with a Zombie 1943) se habían convertido en un referente ineludible del cine de terror más onírico, atmosférico e inquietante de esos años, pero el realizador todavía no había dicho su última palabra en éste género.
En el año 1957, con producción británica y con el magnífico cuento corto titulado El maleficio de las runas (Casting the runes) de M.R. James en mente, Tourneur vuelve por la puerta grande y demuestra, una vez más, lo que significa hacer cine de terror con mayúsculas a la par que con elegancia y efectividad. Pero vayamos por partes, pues es la mejor manera de afrontar éste gran clásico del cine fantástico. 

17/2/11

El Marqués de Sade, más allá del placer (Parte 3)

El Vicio y la Virtud (1963)
Las dos primeras editoriales estaban dedicadas a esbozar una breve biografía y un pequeño análisis a sus obras más representativas, pero la sombra del Marques es alargada y su influencia notoria a título póstumo. Hoy toca hablar del cine y de sus innumerables visitas al mundo del divino Marqués.
LE VICE ET LA VERTU / EL VICIO Y LA VIRTUD (1963)
Basada en la novela Justine o los Infortunios de la virtud este film, dirigido por Roger Vadim, es una buena muestra, aunque poco conocida, de cómo adaptar una novela de Sade al cine. Protagonizada por Catherine Deneuve en el papel de Justine y Annie Girardot en el papel de Juliette (atentos a la interpretación de esta actriz), bien secundadas por Howard Vernon, Robert Hossein y Serge Marquand
THE SKULL / LA CALAVERA DEL MARQUES (1965)
Protagonizada por Peter Cushing (Dr. Christopher Maitland) y Christopher Lee (Sir Matthew Phillips). La sinopsis es sencilla, Cushing consigue hacerse con la calavera del Marques de Sade comprándosela a un extraño personaje, las sugerencias de su antiguo propietario (Lee) recomendándole deshacerse de ella caen en saco roto, a cada día que pasa el doctor se obsesiona más con el objeto, este consigue finalmente poseerle y le obliga a cometer unos atroces y sádicos crímenes. Dirigida por el gran Freddie Francis y basada en un relato corto de Robert Bloch, esta película (a pesar de ser una obra menor) es una muy buena muestra del cine de terror realizado en Inglaterra en esos años. Recomendable.  
The Skull / La calavera del MArqués (1965)
MARAT / SADE (1967)
También conocida como La persecución y asesinato de Jean-Paul Marat representada por lo reclusos del Asilo de Charenton bajo la dirección del Marqués de Sade, esta producción del año 1967 dirigida por Peter Brook es una de las adaptaciones más poderosas e imaginativas inspiradas en la figura del Marqués. Interpretada por actores de la Royal Shakespeare Company, en el reparto es encontramos nombres como Patrik Magee (Sade), Ian Richardson (Marat), Glenda Jackson o Michael Williams. Un título a revisar. 
DE SADE (1969)
Producida por la AIP, esta fallida película dirigida por Cy Endfield fue protagonizada por Keir Dullea (Sade), Senta Berger, Lili Palmer, Anna Massey, Uta Levka y un sorprendido John Huston en el papel de Abad de Sade. El ritmo es muy lento y confuso y solo en sus momentos finales adquiere algo de interés.    
JUSTINE (1969)
Dirigida por Jesús Franco, es otra adaptación de la novela más famosa del Marqués, en este caso el papel de Justine esta interpretado por Romina Power, Juliette por Maria Rohm, bien acompañadas por Klaus Kinsky que interpreta al Marques de Sade, Jack Palance, Sylva Koscina y Howard Vernon. Un título de culto de prolífico realizador.
PHILOSOPHY IN THE BOUDOIR / EUGENIE…LA HISTORIA DE SU VIAJE A LA PERVERSION (1970)
Más conocida por el título De Sade 70. Otro ejercicio de perversidad y erotismo de la mano de Jesús Franco, Marie Liljedahl da vida a Eugenie, una adolescente que inicia un viaje hacia la perversión de la mano de Maria Rohm, Jack Taylor y un sorprendente Christopher Lee. En el año 1980 el mismo director realizo un remake de esta película titulado Eugenie (Historia de una Perversión), fue protagonizada por Katja Bienert (Eugenie) y Lina Romay.
JUSTINE DE SADE (1972)
Dirigida por el realizador francés Claude Pierson. El director intenta mantenerse fiel al espíritu y época de la novela, si bien el resultado no es demasiado afortunado. Esta protagonizada por Alice Arno en el papel de Justine acompañada por Yves Arcanel, Michel Bertay y Georges Beauvilliers. 
EUGENIE DE SADE (1974)
Otra incursión de tío Jess en el mundo de Sade sin embargo esta vez el resultado es decepcionante quedando la película para completistas de este realizador, lo mejor de la peli: las prietas y carnosas curvas de Soledad Miranda.
Saló o los 120 días de Sodoma (1975)
SALÒ O LE 120 GIORNATE DI SODOMA / SALÓ O LOS 120 DÍAS DE SODOMA (1975)
Pier Paolo Pasolini dirigió esta adaptación de la novela de Sade logrando mantener toda la amoralidad y violencia descritas en la obra. Ambientada en la Italia fascista a finales de la 2ª Guerra Mundial la película es cruda y violenta a la par que un alegato contra el fascismo y la intolerancia, imprescindible su visionado. Si queréis más información pinchad en este vínculo: Saló o los 120 días de Sodoma
JUSTINE (CRUEL PASSION) (1977)
Otra vuelta de tuerca a la novela Justine, en este caso el resultado tampoco es demasiado afortunado. Fue dirigida por Chris Boger y protagonizada por Koo Stark (Justine) y Lydia Lisle (Juliette). Fue distribuida por la empresa inglesa Redemption.
MARQUIS (1989)
Una curiosa y excepcional película. Dirigida por Henry Xhonneux, con guión del mismo director y de Roland Topor y con unos actores caracterizados como diferentes animales que representan a diferentes clases sociales o roles muy determinados. El film destaca por su originalidad y honestidad al acercarse a la figura de Sade, prescindiendo expresamente de los tópicos y leyendas negras que rodean al escritor, un canto a la libertad de imprescindible visionado.   
NIGHT TERRORS (1993)
Dirigida con evidente desgana por Tobe Hooper, la película nos cuenta las tribulaciones de una bella jovencita que viaja a El Cairo para visitar a su padre, pronto caerá en las redes de un antiguo culto sadomasoquista liderado por Paul Chevalier (Robert Englund), que es descendiente directo del Marqués de Sade. Una pobre inspiración de la obra de Sade.
Quills (2000)
SADE (2000)
Un intento fallido de biografiar los años que Sade pasó bajo la persecución de Robespierre en plena revolución Francesa. Dirigida por Benoit Jacquot e interpretada por Daniel Auteuil (Marqués de Sade), Marianne Denicourt, Jeanne Balibar y Isild Le Besco. La película obtuvo dos premios en el festival Lumiere Awards, Mejor actor (Daniel Auteuil) y mejor actriz promesa (Isild Le Besco).
QUILLS / LETRAS PROHIBIDAS (2000)
Nominada a 3 Oscars y con 14 premios y 33 nominaciones en otros festivales podemos decir que este film es, hasta el momento, la superproducción más grande dedicada a la vida y obra de Sade. La película, de ritmo un poco confuso, tiene momentos de gran brillantez y las grandes interpretaciones de Geoffrey Rush, Kate Winslet, Michael Caine y Joaquin Phoenix dotan al producto de un especial brillo e interés. Fue dirigida por Philip Kaufman. Recomendable.
Bueno amigos esto es todo por hoy, os dejo con un video de Justine de Jesús Franco. Un saludo.


16/2/11

David F. Friedman (1923-2011)

David F. Friedman
El 14 de febrero falleció a la edad de 87 años uno de los padres del cine gore. Me estoy refiriendo a David F. Friedman, que en su faceta como productor estuvo involucrado en películas como Blood Feast (1963), 2000 maníacos / Two thousand maniacs (1964), Color me blood red (1965) o Ilsa, la loba de las SS / Ilsa: she wolf of the SS (1975). El binomio creativo formado con Herschell Gordon Lewis fue espectacular: Sangre, sadismo y humor fueron los elementos primordiales en su forma de entender el cine, elementos que, mutados adecuadamente, han llegado hasta nuestros días creando un género cinematográfico con nombre propio.
En fin, otro que se va, desde luego este año está siendo fatal.
RIP



Hammer (tres trailers de la mítica productora)

Hoy vamos a rendirle tributo a la mítica productora Hammer. Con este objetivo incluyo los trailers de Drácula / Horror of Dracula (1958), La Momia / The Mummy (1959) y de propina La maldición del hombre lobo / The curse of Werewolf (1961), todas ellas dirigidas por el siempre magnifico Terence Fisher, estas películas representaron el resurgir del cine de terror en la década de los sesenta y el inicio de unos años escalofriantes.
Espero que os gusten.
Un saludo con el martillo en la mano.






15/2/11

Frozen / Bajo Cero (2010)

A la sombra de clásicos como Náufragos / Lifeboat (1944) de Hitchcock un montón de películas han desarrollado un sub-género denominado Surviving-movies, o sea películas en las cuales un grupo de gente tiene que enfrentarse a una serie de circunstancias y luchar contra la madre naturaleza para salvar sus vidas. Frozen, el film que hoy nos ocupa, es una más de ésta corriente que intenta mezclar el thriller angustioso con el suspense añadiendo a la combinación algunas gotitas visualmente explícitas de gore para todos los públicos. Con un planteamiento inicial bastante previsible, el film nos narra la odisea de tres jóvenes que han sido abandonados, por incompetencia de un operario, en un telesilla a medio camino de la cumbre de una montaña; para acrecentar la angustia una tormenta se desatará en el emplazamiento, la noche se cierne sobre ellos y un elemento sorpresivo acabará de adobar la situación.
El principal problema para éste tipo de películas reside en tres puntos muy importantes: por una parte el guión tiene que ser sólido y presumir de unos diálogos interesantes, no olvidemos que buena parte de las escenas de estas películas transcurren en una misma localización, por lo que la tarea del guionista es esencial para evitar el aburrimiento en el espectador; por otra parte el director tiene que jugar muy bien sus cartas por la misma razón expuesta anteriormente, por lo tanto con muy pocos elementos a su alcance ha de  saber buscar y crear planos que inquieten y logren que la acción y el ritmo no decaigan en ningún momento. El tercer punto, no menos importante, es la actuación de los actores, tienen que lograr interpretaciones intensas y creíbles, pues buena parte del metraje se sustenta en sus diálogos y reacciones, por lo tanto si fallan ellos, la película no puede funcionar de ninguna manera.
Frozen, reparte con desiguales resultados los tres puntos enumerados anteriormente. Adam Green se encarga de los dos primeros trabajos, su labor de guionista no resalta demasiado, su libreto es fácil, previsible y en muchos puntos del film absolutamente aburrido, regalándonos unos diálogos pobres y muy poco interesantes. Curiosamente su labor detrás de las cámaras es más meritoria, buscando ángulos no habituales y haciendo gala de un ritmo narrativo bastante ágil, logra, por momentos, una sensación de verdadera angustia que consigue mantener el interés de los acontecimientos narrados. Sería interesante que para futuros proyectos Adam se dedicara a dirigir y contratara los servicios de un buen guionista, todos saldríamos ganando. 
Respecto al trío protagonista, su labor es bastante acertada, sobre todo si tenemos en cuenta el libreto que tienen entre manos. Emma Bell, Shawn Ashmore y Kevin Zegers, en especial los dos primeros, cumplen con su cometido y sin brillar demasiado consiguen transmitir credibilidad a sus personajes.
La fotografía es brillante, faltaba más, con ese pedazo montaña nevada, y los efectos visuales están bien conseguidos.
Bueno, como se desprende de lo dicho anteriormente, la película se queda entre dos aguas, la premisa original apuntaba alto pero tiene demasiados contras en sus espaldas como para impresionar al espectador, que se queda helado (valga la redundancia) viendo el devenir del film. De todas maneras su visionado no molesta tanto como otras películas que he visto recientemente, recomendada para pasar el rato en el sofá y poco más. Una verdadera lástima pues ésta misma historia, con algo más de guión,  profundidad y otro final podría haberse convertido en una pequeña joya. Otra vez será.
Un saludo amigos/as. 



      
Ficha Técnica
Año: 2010 / Director: Adam Green / Productor: Peter Block, Cory Neal / Guión: Adam Green / Música: Andy Garfield / Fotografía: Will Barratt / Maquillaje: Chris Hanson, Greg T. Moon / FX: Kenny Abney, Dean W. Miller / E. Visuales: Tyler A. Hawes, Peter Dana, Travis Baumann / País: USA / Duración: 93m. / Formato: 35mm  / Proporción: 2.35: 1 / Color
Ficha Artística
Emma Bell, Kevin Zegers, Shawn Ashmore, Ed Ackerman, Rileah Vanderbilt, Kane Hodder, Adam Johnson, Chris York, Peder Melhuse, Will Barratt, Adam Green, Joe Lynch, Cody Blue Snider
Edición en DVD (Importación)
Audio: Inglés / Subtítulos: No / Pantalla: 2.35:1 / Calificación: Rated / Distribuidora: Anchor Bay /  Extras: Si / Valoración de la edición: 6 / Precio:  13,49 $ / Comentario: Incluye como extras: audio comentario del director y de los actores, escenas suprimidas, trailer 

14/2/11

EL LADRÓN DE CADÁVERES / THE BODY SNATCHER (1945)

The Body Snatcher, 1945
Hoy voy a comentar otra de esas películas semidesconocidas para el público mayoritario, pero que sin embargo ofrecen auténticos momentos de deleite cinematográfico cuando se descubren.
Basada en una novela de Robert Louis Stevenson (1850 / 1894), autor de maravillas como La isla del tesoro o El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, en la cual se nos narran las andanzas de un joven  estudiante de medicina que ayuda en sus investigaciones a un famoso profesor que, necesitado de cadáveres mínimamente frescos para sus prácticas de disección, recurre a los servicios de unos ladrones de cadáveres para que le solucionen el problema. Surgida de la imaginación del escritor, pero basada en acontecimientos reales, la novela es un espeluznante viaje a la parte oscura de la ciencia y campo abonado (por la temática) para adaptaciones en celuloide.
El ladrón de cadáveres fue una de las últimas maravillas producida por Val Lewton  para la RKO. Este productor, responsable de joyas como La mujer pantera / The cat people (1942) o Yo anduve con un Zombie / I walked wiht a Zombie (1943), contó para esta producción con un presupuesto mínimo pero con un elenco de actores y técnicos de primer orden. Robert Wise a la dirección, Robert de Grasse a la fotografía y Boris Karloff, Henry Daniell y Bela Lugosi (participación como actor secundario) en sus principales papeles, dieron forma a la mejor adaptación, hasta día de hoy, del famoso relato.

13/2/11

Horror Story / Full moon at midnight



Para alegrar el Domingo os traigo la canción Full Moon at Midnight de la banda Horror Story, la canción pertenece a su álbum Bride of the Monster. Como veréis en el video esta banda de Nueva Zelanda está muy “influenciada” por los Misfits, nada a reprochar pues el tema es potente y poderoso.
A disfrutarlo. Un saludo                

12/2/11

Zombis Nazis / Dead Snow (2009)

Desde que Herschell Gordon Lewis inventara la formula gore + humor y posteriormente  Sam Raimi y Peter Jackson la perfeccionaran hasta límites insospechados, han sido innumerables las producciones que han hecho de esa máxima (con mayor o menor fortuna) su libro de estilo.
Zombies Nazis no se separa ni un milímetro de los postulados marcados, o sea: pandilla de chicos de vacaciones (cada uno un estereotipo marcado y poco desarrollado), un lugar remoto e incomunicado (of course), lugareño extraño que los pone sobre aviso del peligro y después, bueno después ya sabéis lo que viene. Con estos elementos en juego sólo la dirección, un guión mínimamente coherente,  una propuesta visual acertada y un montaje impactante pueden salvar a la película de caer en el más absoluto de los desatinos.
En este caso los objetivos se cumplen a medias. La pura verdad es que puede decir, sin riesgo a equivocarse, que Zombies Nazis tiene muchos errores y unos cuantos aciertos, por lo que el producto final es adecuado para una velada divertida siempre en función del humor que tenga en ese momento el espectador.

Empecemos por los “pecadillos”, el film se inicia de forma cansina con una presentación de los personajes (freak del cine de terror incluido) y algunas de sus fobias que luego serán explotadas a lo largo del film, continúa con algunas actividades intrascendentes y culmina con la aparición del lugareño (predecible, predecible) para dar algo de cuerpo al resto de la historia. En toda esta primera media hora, más o menos, del film las apariciones de los zombies son siempre entre sombras y sin verlos claramente en ningún momento, supongo que la idea del realizador era crear tensión, atmósfera y predisposición en el espectador, pero, a pesar del favorecedor y terrorífico escenario de las montañas nevadas y la oscuridad, no consigue crear una sensación de inquietud creíble, más bien se crea impaciencia por ver de una vez a los dichosos zombis y el consiguiente espectáculo gore. Guión flojo, diálogos pobres, chistes sin gracia y poca tensión es lo que ofrece el principio de la película. 
La parte positiva se consolida a partir de la primera media hora, la dirección cobra algo de vigor y ritmo, las secuencias explícitas son contundentes, la combinación de humor y gore funciona (a momentos) y los guiños “cinéfilos” hacen las delicias de los aficionados al género. La falta de pretensiones, las ganas de gamberrear un poco y la sucesión de homenajes y clichés son las virtudes más señaladas y protagonistas de toda la función, no falta de nada, no sé si eso es bueno o malo, pero por lo menos el resto de la película pasa bastante rápido y entretiene más. Se me olvidaba una buena muestra de la socarronería que reina por toda la película es el uso de la avaricia como una de las motivaciones que mueven a los Zombi, no es una idea nueva pues ya la había usado nuestro amigo Carpenter, pero aplicarla en estos momentos de crisis no esta nada mal: banquero = zombi, buena analogía. 
En el apartado de efectos visuales y maquillajes todo está muy conseguido, los nazis dan bastante miedo y las escenas gores son suficientemente explícitas para contentar a los aficionados. Poco más se puede comentar en este aspecto, un buen trabajo y un buen resultado para el desarrollo final. Por otro lado las localizaciones donde está filmada son espectaculares y dan mucho juego visual, la nieve siempre es efectiva cuando se mancha de sangre ¿verdad? 
¿Son suficientes estas virtudes para justificar el visionado?, pues no sé qué deciros, este tipo de producto necesita de la predisposición y del humor del aficionado, son películas que no aportan nada novedoso y que se recrean en situaciones y tópicos mil veces vistos, por lo tanto sólo queda el entretenimiento puro y duro como baza principal. Bajo este prisma, sin buscarle más vueltas, Zombies Nazis puede ser recomendada, con algunas reservas; los seguidores más acérrimos de estas temáticas no se sentirán defraudados, para los aficionados más puristas recomendarles que se acerquen con prudencia y, en caso de hacerlo, con la mente bien libre de prejuicios y ganas de echarse unas risas. 
En definitiva, una parodia con algunos buenos momentos que no destaca para nada dentro del género, con evidentes síntomas de desgaste, Zombi. Por lo menos el film no tiene la desfachatez de prometer ninguna experiencia cinematográfica avasalladora, cosa de agradecer ya que últimamente hay mucho gurú cinéfilo suelto por esos mundos del terror, que prometen mucho, no dan nada y encima quieren nuestro beneplácito complaciente.
Un saludo y hasta la próxima.



Ficha Técnica
Año: 2009 / Director: Tommy Virkola / Productor: Tomas Evjen, Terje Stroemstad / Guión: Tommy Virkola, Stig Frode Henriksen / Música: Christin Wibe / Fotografía: Matthew Weston / Maquillaje: Janne Røhmen, Lene Bruksas, Elisabeth Lusie Haugan, Steinar Kaarstein, Ragnhild Presthold, Gudmund Saksvik / FX: Hummer Høimark, Carl Oscar Meyer Johansen, Lars Kolding Andersen / E. Visuales: Tom Joelsen, Bryan Jones, Monica Østbø Østgard / País: Noruega / Duración: 90m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Color
Ficha Artística
Vegar Hoel, Stig Frode Henriksen, Charlotte Frognen, Lasse Valdal, Evy Kasseth Røsten, Jeppe Laursen, Jenny Skavlan, Ane Dalh Torp, Bjørn Sundquist, Ørjan Gamst, Steinar Kaarstein, Tommy Virkola    
Edición en DVD
Audio: Castellano, Catalán (Dolby Digital 5.1) / Subtítulos: Catalán / Pantalla: 1.85 : 1 – 16:9 / Calificación: 16 / Distribuidora: Paramount /  Extras: Trailer / Valoración de la edición: 5 / Precio: 18 €