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Tu Web del Cine de Terror

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30 marzo 2011

Jesus Marti

El gabinete del doctor Caligari / Das kabinett des Doktor Caligari (1920)

soberbia edición en DVD por parte de Divisa de El gabinete del doctor Caligari
Siguiendo con los artículos dedicados al cine mudo, hoy me complace traer a estas páginas la que sin duda es la piedra angular del cine expresionista, me estoy refiriendo a El gabinete del Doctor Caligari (Das cabinet des Dr. Caligari, 1920). Situémonos un poco, recién acabada la Primera Guerra Mundial, dos jóvenes guionistas, Hans Janowitz (un poeta de origen checo) y Carl Mayer, se conocen en Berlín, ambos comparten ilusiones y ven en la industria del cine la oportunidad de juntar en una misma película lo que otros artistas están haciendo en distintas disciplinas y, de paso, enseñar al resto del mundo lo que se cuece en la Alemania de la post guerra. Aprovechando una experiencia que había tenido Hans años antes en la cual casi había sido testigo del asesinato de una jovencita, y la común afición con su amigo Carl de visitar ferias cercanas, pronto dirigen su inspiración a la creación de un libreto que se pueda convertir en una película de terror. El proyecto es presentado al productor Erich Pommer que, entusiasmado, no duda en comprarles la historia y decide realizarla dentro de los cánones más vanguardistas del momento, o sea la corriente expresionista, y que a la postre convertiría al film en la primera película de la historia dentro de esos parámetros artísticos. Como primer paso, Pommer, decide encargar al diseñador Hermann Warm el arte de la película, así mismo los pintores Walter Reinman y Walter Röhrig serán los encargados de crear los decorados y pinturas que harán posible materializar las ideas del diseñador. Como segundo paso se decide contratar a Fritz Lang para llevar a buen puerto el proyecto, pero éste ya estaba comprometido con otro rodaje, a pesar de éste inconveniente, Lang, tuvo tiempo de sugerir la necesidad de incluir en el libreto un prólogo y un epílogo que justificara toda la historia. Finalmente el proyecto recayó en Robert Wiene, director de origen alemán muy involucrado en la escena teatral, experiencia que resultaría vital para la película y que indudablemente dio otro aire al resultado final. Después de algunas pruebas se dio luz verde al proyecto y el rodaje se inició en diciembre de 1919. 
Fotograma de la película
La película se estreno en Febrero de 1920 en Berlín, los críticos de todo el mundo la saludaron efusivamente, a partir de ese momento su leyenda crecería como la espuma, y la verdad es que no es para menos, El gabinete del Doctor Caligari es una experiencia cinematográfica en mayúsculas; desde su soberbia concepción del espacio, sus alucinantes decorados y pinturas, con la sensación de irrealidad que provocan, la paleta cromática escogida para cada una de las secuencias (ocres, verdes, azules y marrones) en un majestuoso alarde de imaginación; la turbación que provoca su exploración de la locura, el terror y por qué no, de la alienación del individuo frente a las fuerza que lo dominan contra su voluntad, luces y sombras de una existencia casi fantasmal, donde los protagonistas navegan por un paisaje oscuro, quebrado, laberíntico como la misma historia que se desarrolla delante de nuestros ojos. Todos esos elementos unidos forman y conforman una de esas extrañas películas que traspasan los límites del cine, convirtiéndose en auténticos oasis para los aficionados más sedientos.   
los soberbios decorados de El gabinete del doctor Caligari
Por supuesto la gran fortaleza visual del film se sustenta en la gran interpretación de sus dos personajes principales, que no son otros que Cesare el sonámbulo y el Doctor Caligari; Conrad Veit da vida a Cesare, y su interpretación es digna de los mayores elogios, una mirada, un gesto o un movimiento de Cesare provoca inquietud y terror a partes iguales pero, a la vez, también un poco de lástima, pues es un ser sin voluntad, que dominado por Caligari debe realizar actos infames que nunca hubiera llevado a cabo en condiciones normales, convirtiendo su catalepsia, casi en una especie de bendición para su alma. El Doctor Caligari es la presencia más oscura del film, manipulador, asesino, amoral, un ser envilecido pero con una personalidad poderosa que subyuga a los seres más débiles. Interpretado por Werner Krauss, se diría que había nacido para éste papel, despliega no pocos recursos interpretativos (algo teatral, por supuesto) para convencer y aterrorizar al espectador, sumergiéndolo en una pesadilla alucinada acorde con las distorsionadas imágenes que envuelven todas las secuencias, es simplemente magistral.
Fotograma de El gabinete del doctor Caligari
El trabajo desarrollado en el arte y la creación, merece mención especial. Todo el decorado, pletórico en sombras, recovecos, zonas muertas y ángulos distorsionados, logrados, gracias a los dibujos, pinturas o efectos de luces ideados a tal efecto, son magníficos. Todo está perfectamente ensamblado y planeado para crear confusión y desasosiego, un paralelismo maquiavélico con la mente del protagonista, con la intención de que el espectador no se limite a ver la escena, si no que también la sienta, la viva, sufra, en pocas palabras, ese desmoronamiento tanto físico como mental que el protagonista padece, por lo tanto la sensación de terror y de claustrofobia es en ésta película, plena y contundente.  
Influenciada en su estética primaria por El estudiante de Praga (1913) de Paul Wegener y Stellan Rye y por El Golem (1914) de Paul Wegener y Henrik Galeen, el film va bastantes pasos más allá en su concepción de cine como expresión artística total, un ejercicio en el cual cada elemento individual refuerza todo el concepto general, un bucle, que al igual que en una pesadilla, nutre de múltiples formas todos los terrores que asolan al ser humano.
En cuanto a la realización su director, Wiene, juega con múltiples recursos y trucos, que si bien no son originales, sí que aportan solidez a la historia, de ésta manera los planos generales sirven como introducción y recreación de los espacios cerrados en sí mismos por el decorado, los primeros planos se utilizan para elevar la sensación de inquietud y resaltar determinados aspectos dramáticos de la trama, usando un fundido en negro que sólo deja en pantalla el rostro del actor o el punto sobre el que el director quiere concentrar la atención; por último mencionare la que sin duda es una de las escenas más impactantes de la película, heredada de George Méliès, Wiene utiliza la sobreimpresión en pantalla de la voces interiores que acosan a Caligari, para conseguir una escena espeluznante y una perfecta representación visual de la locura en estado puro, brillante es decir poco.
Fotograma de El gabinete del doctor Caligari
Bueno, poca cosa más, El gabinete del Doctor Caligari es un referente indiscutible del cine, traspasando cualquier género, y una de las pocas películas que, desde el principio al final, puede considerarse totalmente enclavada en el dogma expresionista. Como es normal, recomiendo encarecidamente su visionado, pues su influencia abarca numerosos campos y ha sido territorio abonado para muchos cineastas modernos, que han partido de ella para crear sus particulares universos cinematográficos, y si no que se lo pregunten a Tim Burton, por ejemplo.
Un saludo amigos/as de El Terror Tiene Forma
    

Ficha Técnica
Año: 1920 / Director: Robert Wiene / Productor: Erich Pommer, Rudolf Meinert / Guión: Hans Janowitz, Carl Mayer  / Fotografía: Willy Hameister / Música:  Alfredo Antonini, Giuseppe Becce  / Arte: Walter Reimann, Walter Röhrig, Hermann Warm   / País: Alemania / Duración: 77m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.33: 1 / B/N, Muda
Ficha Artística
Werner Krauss, Conrad Veidt, Friedrich Feher, Lil Dagover, Hans Heinrich von Twardowski, Rudolf Lettinger, Rudolf Klein-Rogge, Hans Lanser-Rudolf, Henri Peters-Arnolds, Ludwig Rex, Elsa Wagner 


28 marzo 2011

Jesus Marti

Slasher, segunda entrega de trailers

Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma, como es Lunes y los Lunes son un poco pesados, hoy voy a publicar como post una segunda entrega de trailers Slasher. Los cuatro trailers son los siguientes:

Cumpleaños Mortal (Happy birthday to me, 1980) de J. Lee Thompson
El día de la Madre (Mother’s Day, 1980) de Charles Kauffman
El tren del terror (Terror’s Train, 1980) de Roger Spottiswoode
La Casa del terror (Don’t go in the house, 1980) de Joseph Ellison

Cuatro buenas muestras de este subgénero que tantas cuchilladas ha repartido a lo largo de los años. A disfrutarlo.
Un saludo.   








27 marzo 2011

Jesus Marti

Bloodsucking Zombies From Outer Space / Blood on Satans Claw



Bloodsucking Zombies From Outer Space ocupan hoy el post de El Terror Tiene Forma. Esta banda austriaca mueve en las coordenadas del Horror Punk y el Psychobilly. Buenos temas, buena imagen y un excelente videoclip. El tema pertenece a su disco Monster Mutant Boogie (2008).
Un saludo y a disfrutar de un poco de sangre y terror.  

26 marzo 2011

Jesus Marti

Nosferatu (1922)

Nosferatu 1922, la obra maestras de Murnau editada en dvd por Divisa en nuestro país
“…de la semilla de Belial surgió el vampiro Nosferatu, que, como tal vive y se alimenta de la sangre de la humanidad. Irredento mora en cuevas terroríficas, cámaras funerarias, y ataúdes, mientras estén llenos de tierra maldita de los campos de la negra muerte…”   
Con Nosferatu (1922) de Murnau doy inicio en El Terror Tiene Forma a una serie de artículos dedicados al cine mudo enmarcado en el género fantástico o de terror, sus películas más representativas y la inmensa influencia ejercida en años posteriores en productoras americanas como Universal o RKO. Muchos de estos films sentaron las bases del cine que vendría años después, sus hallazgos visuales y su manera de entender el cine de terror establecerían el cine gótico de los años treinta y cuarenta, dando producciones tan importantes para el devenir del cine fantástico como El doctor Frankenstein de James Whale o Drácula de Tod Browning.
Nosferatu, es la primera adaptación cinematográfica de la novela Drácula de Bram Stoker conocida, si bien es cierto que sus creadores, no sé si por interés artístico o por algo más pragmático como el pago de derechos, nunca acreditaron la novela como adaptación oficial, lo que supuso no pocos problemas para la distribución del film como veremos más adelante. La película contiene diferencias sustanciales con la obra literaria, por ejemplo los nombres de los protagonistas han sido cambiados, Drácula es Orlock, desaparece un personaje importante de la trama del libro (Van Helsing) y el desarrollo de la acción sustituye Londres por un pueblecito alemán (Wisborg), aunque el castillo del vampiro sigue estando en los Carpatos. A pesar de estos cambios la viuda del escritor interpuso una demanda, la ganó y el film fue perseguido con el objetivo de destruir todos los negativos que existieran de la película. Por suerte, algunas de estas copias sobrevivieron en manos de coleccionistas privados, aunque tendrían que pasar muchos años para poder reconstruirla y algunos más hasta que se realizara una buena edición que nos permitiera disfrutarla en condiciones normales. 
Nosferatu, un clásico entre los clásico
el actor Max Schreck en un fotograma de Nosferatu
Decir que Nosferatu es un clásico es quedarse muy corto, el trabajo realizado por Murnau y su equipo rompió con muchas de las barreras de su época, encontrando nuevas formas de expresión visual y consiguiendo una narración donde se combinan perfectamente algunas señas de identidad del cine expresionista con la apuesta rupturista de separar el cine de su principal fuente de inspiración en esos años: el teatro. Esta película supone la creación de un nuevo lenguaje cinematográfico, Murnau se aleja conscientemente de las premisas marcadas por el expresionismo, o sea escenarios cerrados, decorados extraños, fuerte contraste entre el claro / oscuro y rodaje siempre en interiores, llevando su Nosferatu al aire libre, la presencia del mal está en el centro mismo de la naturaleza, envuelve la pureza y la corrompe, su presencia no pasa desapercibida, todo lo que rodea al Conde Orlock se vuelve frío, malsano, tétrico, una lucha sin cuartel entre la luz y la oscuridad, que da verdadera fuerza al film logrando insertar lo sobrenatural en lo cotidiano; recurso que a partir de ese momento fue utilizado en innumerables ocasiones dentro del cine fantástico. Plásticamente bien desarrollada, se notan las influencias que en Murnau ejercían las artes pictóricas, la película se abre como un desfile de cuadros que conforman un todo narrativo y visual llevado con un gran sentido del ritmo narrativo, el film transcurre sin pausa y el espectador se sorprende, en muchas ocasiones, completamente subyugado por la historia explicada. Otro acierto, que desmarca a Nosferatu de muchas películas de esos años, rompiendo con los, a menudo, cansinos ritmos de la escuela expresionista alemana.
el actor Max Schreck en un fotograma de Nosferatu
el actor Max Schreck en un fotograma de Nosferatu
El film esta montado a través del seguimiento de un diario, una crónica a través de los ojos de un médico, que narra una extraña epidemia de peste que azota su pueblecito, tal como él cree que ocurrió, o sea por el desembarco de un Nosferatu que ha traído la enfermedad y la desgracia consigo. Este punto es importante, pues a diferencia de la novela, la sangre no es lo más importante ni el eje de la película, el Conde es el vehículo y trasmisor de una enfermedad, o sea una metáfora de la ignorancia del pueblo llano acerca de las enfermedades y que permite añadir el elemento sobrenatural. Estos elementos refuerzan aun más lo explicado anteriormente, la lucha entre la luz y la oscuridad, entre la pureza y la corrupción y, por qué no, entre la ciencia y la superstición. 
La película sigue bastante fielmente el encadenado narrativo de la novela: la solicitud del Conde (mediante carta) de la adquisición de una casa solitaria en el pueblo, el viaje y llegada al castillo del joven, los primeros actos extraños del Conde, la partida del mismo rumbo a sus nuevas posesiones y la huida del joven administrativo descolgándose por las paredes del torreón, a partir de ese momento el viaje en barco toma una predominancia total en la película y quizás sean los momentos más oníricos, y también amenazantes, del film. La llegada al pueblo, el desembarco de las ratas extendiendo la peste a su paso y el sacrificio de la bella joven para librar al mundo de tan grande maldición, desembocan en un último plano del castillo abandonado y en ruinas de Orlock. 
una de las icónicas imagenes de Nosferatu con un soberbio Max Schreck
Otro aspecto a destacar, que ahora podemos juzgar gracias a la restauración realizada por el Instituto Murnau en el año 2000, es la paleta cromática que el realizador ideó para la película. Al estar rodada casi en un ochenta por ciento en exteriores a plena luz del día, se planteaba un serio problema, se tenía que diferenciar el día de la noche; la solución vino gracias a los virados y tintados que coloreaban las diferentes secuencias del film. Debido a la persecución llevada a cabo contra la película, buena parte de estos efectos se habían perdido, de manera que durante muchos años, ver Nosferatu era, simplemente, ver una película en blanco y negro, con algunas escenas de color sepia incrustadas aquí y allá. El trabajo de restauración anteriormente mencionado nos permite ver la obra como fue ideada originalmente: el día y los interiores tienen un color tirando a ocre, la noche está virada en azul y los amaneceres y atardeceres tienen un leve tono rojizo, ésta cualidad del film ofrece a su visionado, a pesar de la sorpresa que produce el constante cambio de teñidos o virados, una excelencia visual que se convierte en toda una experiencia para los aficionados al cine.
un virado color ocre para representabe el día y los interiores en Nosferatu
Virado Ocre para representar el Día y los interiores
en Nosferatu los tonos rojizos se utilizan para representar el amanecer y el atardecer
Tonos Rojizos para el amanecer / atardecer
en Nosferatu los virados de tono azul representan la noche
Virados Azules para la noche
El aspecto visual del Conde también merece un punto y aparte. El personaje interpretado por Max Schreck es absolutamente repulsivo, un monstruo esquelético, enjuto y encorvado, con unos dedos alargados y afilados como garras, un cráneo amplio, orejas puntiagudas, dos colmillos en el centro de su boca y una mirada intensa y terrorífica. Acompañando a todas éstas delicias tenemos la brillante actuación de Max, huyendo de los exagerados gestos teatrales habituales en la época, su interpretación se basa en movimientos lentos, amenazantes, casi hipnóticos y un poco descoordinados que elevan la tensión y crean un aura de inquietud verdaderamente terrorífica. La recreación del vampiro está a años luz de la ideada por Stoker en su novela y en las antípodas de la elegante y sensual creación de Lugosi. El vampiro en esta película es un ser de la noche, feo, monstruoso, terrible que no esconde ni sus intenciones ni su maldad, que proclama abiertamente su condición de no muerto erigiéndose en portador de la mayor de las maldiciones. Es curioso observar cómo, a pesar de haberse convertido en una imagen iconográfica siempre presente en el subconsciente del aficionado, no ha sido utilizada en demasiadas ocasiones en el mundo del cine, a bote pronto se me ocurren dos películas que explotan ésta imagen: una es el fallido remake realizado de la película por Werner Herzog en el año 1979, la otra es el vampiro protagonista de la tv movie dirigida por Tobe Hooper (también en el año 1979) titulada Phantasma II / Salem´s Lot, basada en el relato de Stephen King de mismo título. Poco bagaje para una recreación del vampiro tan carismática a la par que terrorífica.
Nosferatu 1922
Nosferatu 1922
Nosferatu 1922
En definitiva, Nosferatu es de obligado visionado para cualquier aficionado al cine fantástico, una cita ineludible, un clásico en toda regla y una enseñanza global de cómo, partiendo de referentes conocidos, se puede crear una obra propia que trasciende las fronteras de la imaginación y el terror. Para otro momento dejo las teorías cabalísticas y las enseñanzas ocultistas que salpican todo el metraje, la influencia de Albin Grau productor de la película y gran aficionado a estas artes, da para otro artículo y os puedo asegurar que éste caballero y sus aficiones son muy interesantes, curiosas y dignas de explicar.
Bueno, un saludo y hasta la próxima.



Ficha Técnica
Año: 1922 / Director: F.W. Murnau / Productor: Albin Grau, Enrico Dieckmann / Guión: Henrik Galeen / Fotografía: Fritz Arno Wagner / Música: Hans Erdmann / Dirección Artística: Albin Grau / País: Alemania / Duración: 96m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.33: 1 / B/N, Muda
Ficha Artística
Max Schreck, Gustav von Wangenheim, Greta Schröder, Alexander Granach, Georg H. Schnell, Ruth Landshoff, John Gottowt, Gustav Botz, Max Nemetz, Wofgang Heinz, Albert Venorh, Eric van Viele, Karl Etlinger, Guido Herzfeld, Fanny Schreck, Hardy von Francois, Heinrich Witte




25 marzo 2011

Jesus Marti

Sitges 2011, nueva nota de prensa

Logo Sitges 2011
El equipo de Sitges nos mandado una nueva nota de prensa, el motivo de la misma es anunciar una colaboración entre este mismo festival y el de Málaga. Transcribo la nota integra, para vuestra información.
Un saludo amigos/as de El Terror Tiene Forma
  
DÍA DEL FESTIVAL DE SITGES EN MÁLAGA
El Festival de Sitges presentará en Málaga un programa de cuatro largometrajes seleccionados entre los presentados en su última edición
Los Festivales de Málaga y de Sitges han establecido un acuerdo de colaboración por el que cada uno dedicará un día a presentar una selección de lo mejor del programa del otro, creando una sinergia de ida y vuelta.
El viernes 1 de abril, el Festival de Málaga acogerá en el Cine Albéniz el ‘Día del Festival de Sitges en Málaga’, con una programación se centra en el cine español más independiente, formada por el corto 'Brutal relax', de Adrián Cardona, Rafa Dengrá y David Muñoz y la película 'Atrocius', de Fernando Barreda Luna, que podrán verse alas 18.00 horas.
El segundo programa lo compone la película coreana 'I saw the devil', de Kim Jee-woon, junto con el corto español 'Get Stuffed', de Alex Villagrasa, que se pasará a las 20.00 horas.
A las 22.00 horas, se podrá ver el corto español ‘El grifo’, de Denis Rovira, y la película americana ‘The Last Exorcism’, de Daniel Stam, que obtuvo el Premio al Mejor Actor.
En sesión golfa, a las 00.00 horas, se programará el filme alemán 'We are the night' de Dennis Gansel, que ganó el Premio Especial del Jurado, y que irá precedido del cortometraje español 'V.I.T.R.I.O.L', de Denise Castro.
Esta iniciativa de colaboración entre los dos festivales, continuará el próximo mes de octubre en el Festival de Sitges, con la programación del “Día del Festival de Málaga”.


SITGES 2011 - Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya
44 edición | 6-16 octubre 2011 | www.sitgesfilmfestival.com


22 marzo 2011

Jesus Marti

LA LEGIÓN DE LOS HOMBRES SIN ALMA / WHITE ZOMBIE (1932)

White Zombie 1932
Muchos años antes de que Romero trasmutara la figura del zombie y lo convirtiera en un monstruo de dominio público a la par que paradigma del terror más extremo, la película que hoy nos ocupa ya se había encargado de grabar a fuego la imagen de los no muertos en nuestras retinas. White Zombie, conocida en nuestro país como La legión de los hombres sin alma, ostenta el título de ser la primera película de zombies de la historia del cine. Basada, aunque sin acreditar, en la novela The Magic Island (1929) de William Seabrock, el film deviene para el aficionado en una experiencia casi hipnótica, atmosférica y muy ajustada al lenguaje cinematográfico de la época. Haciendo gala de una dirección soberbia, unas interpretaciones sólidas (en especial Lugosi) y un aspecto visual, en la caracterización de los zombies, que todavía se puede rastrear hoy en día en multitud de producciones, White Zombie se erige como piedra angular de éste subgénero, sin olvidar a Yo anduve con un Zombie (I walked with a zombie, 1943) de Tourneur, tan en boga actualmente.
La película se nutre de la leyenda, mito o folclore del zombie antillano, o sea muertos que por medio del vudú han sido resucitados y convertidos en esclavos, meras carcasas sin alma, que son explotados sin miramientos como esclavos para los trabajos más pesados y que están dominados por la mente de quien les ha inducido semejante trance.
White Zombie una gran película de zombies clásicos
El film juega con diversos factores que lo favorecen aunque en determinados momentos lo lastran un poco, tanto el tratamiento dado al blanco y negro, la fotografía, como determinados gestos y sobreactuaciones de los actores principales recuerdan la poderosa influencia del, todavía, cercano en el tiempo cine mudo; por el contrario el guión, la puesta en escena y la absoluta seriedad en el tratamiento dado a la historia ayudan al desarrollo y visionado de la película. Es éste último elemento el que mejor ha envejecido, la narración nos ofrece todos los elementos necesarios perfectamente ensamblados en el metraje, de esta manera la historia de un amor imposible, la absoluta maldad de sus villanos, unos decorados tenebrosos, el trasfondo del vudú y sus rituales y la presencia ominosa de la selva guardando entres sus sombras terribles secretos sobre la vida y la muerte, se erigen como perfectos y engrasados engranajes, que Victor Halperin, su director, sabe manejar con absoluta precisión.
Es especialmente remarcable el trabajo de Halperin, su labor resulta brillante e ingeniosa, busca en todo momento sintetizar la esencia del guión y realiza un alarde técnico, que le permite experimentar con muchos elementos diferentes; de esta manera los primeros planos y contrapicados son utilizados para resaltar al personaje de Lugosi, la superposición casi constante de interiores (la seguridad) y exteriores (la amenaza) logra crear la atmósfera adecuada de inquietud, se saca de la manga la división de la pantalla para acentuar el dramatismo de ciertas secuencias, distorsiona las imágenes en el proceso de zombificación de la protagonista. En fin todo un trabajo pensado por y para favorecer el desarrollo de la historia, un tour de force del cual Halperin sale inmaculado.
White ZombieLa fantasía es desbordante durante toda la película, con un presupuesto ajustado (50.000 $) y con pocos días de rodaje (once días concretamente), White Zombie es una experiencia absolutamente fascinante del cine de terror, donde la mixtura del cine gótico se funde a la perfección con  lo sobrenatural, desarrollando una película pletórica, original y por qué no, majestuosa, que funciona con la precisión de un reloj suizo y que logra inquietar y aterrorizar rozando con dedos gélidos nuestros miedos más oscuros.     
Como no podía ser de otra manera, la presencia de Bela Lugosi aumenta varios enteros la calidad del film. Desarrollando su personaje (“Murder” Legendre) hasta límites insospechados, su repertorio de miradas y gestos es digno de estudiarse en cualquier academia de cine, su sola presencia llena la pantalla de un aura amenazante, maligna, realmente luciferina, consiguiendo que todos los acontecimientos se centren en su persona, incluso por encima de la amenazante presencia de los terroríficos zombies. Y es que, amigos, Lugosi sólo hay uno y en ésta película está perfecto. Uno de sus mejores trabajos sin lugar a dudas. 
Habréis observado que no inserto ninguna sinopsis ni explicación de lo que ocurre en el film, no es un descuido, los que la hayan visto seguro que no la han olvidado, para el resto prefiero ofrecerles la oportunidad de no ir sobre aviso, para que de ésta manera puedan disfrutar y maravillarse con ésta fenomenal película.
En definitiva, una producción independiente de bajo presupuesto que, no obstante, deviene en una perfecta joya del cine fantástico, que marco el camino a seguir para futuras producciones y que invento muchas de las esencias del zombie moderno, incluido su clásico lento caminar. No se puede pedir más, una película fascinante y referencia ineludible para cualquier aficionado al cine de terror.
Bueno amigos/as, nada más por hoy, un saludo y hasta la próxima. 



Ficha Técnica
Año: 1932 / Director: Victor Halperin / Productor: Edward Halperin, Phil Goldstone / Guión: Garnett Weston / Fotografía: Arthur Miller / Música: Xavier Cugat / Maquillaje: Carl Axzelle, Jack P. Pierce / FX: Howard A. Anderson / País: USA / Duración: 69m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.37: 1 / B/N
Ficha Artística
Bela Lugosi, Madge Bellamy, Joseph Cawthorn, Robert Frazer, John Harron, Brandon Hurst, George Burr Macannan, Frederick Peters, Annette Stone, John Printz, Dan Crimmins, Claude Morgan, John Fergusson, Velma Gressham, Clarence Muse  

20 marzo 2011

Jesus Marti

Zombie Ghost Train / R.I.P.

Hoy, como todos los domingos, toca un poco de música, en este caso un poco de psychobilly de la mano de ZGT (Zombie Ghost Train), esta banda australiana gusta de salir al escenario como zombies del averno y sus conciertos acostumbran a ser muy intensos.
El tema que ocupa el video de hoy se titula R.I.P., canción extraída del álbum Glad Rags & Body Bags (2005).
En este enlace tenéis más información:
A rockear un poco.
Saludos

18 marzo 2011

Jesus Marti

Cuentos completos de terror, locura y muerte (Guy de Maupassant)


Excelente trabajo de la editorial Valdemar
Si el anterior lanzamiento (el segundo libro dedicado a Hodgson) de la editorial Valdemar podía considerarse excelente, el que nos ocupa este mes simplemente se puede calificar de soberbio. Editar en España un tomo en tapa dura de 936 páginas, con un precio de 35 €, recopilando en el mismo todos los cuentos del gran escritor Guy de Maupassant (1850-1893) es un regalo para todos los aficionados a la literatura fantástica o de terror. En este pedazo de libro nos encontraremos con relatos como El Horla, La mano disecada, La muerta o Sobre el agua entre otros muchos, es decir miles de palabras tejidas con maestría, con el objetivo de pulsar nuestros más escondidos temores y de paso regalándonos horas y horas de deliciosos escalofríos.
La trayectoria de esta editorial es ejemplar, su amor por los libros les lleva a superarse cada día y, yo por lo menos, espero con ansia cada nuevo lanzamiento. Este libro ha sido editado en la colección Gótica siendo el número 83 de la misma. No queda más que felicitar a los responsables de esta maravillosa edición y animarlos a que continúen con el gran trabajo que están realizando.
Por derecho propio Cuentos completos de terror, locura y muerte (que es el título del tomo) es nombrado libro del mes en las páginas de este blog. De paso me permito recomendar encarecidamente la pronta adquisición de esta maravilla, ninguna biblioteca estará completa si falta este libro.
Bueno, voy a comprarme un atril para leerlo cómodamente.
Un saludo amigos/as de El Terror Tiene Forma

17 marzo 2011

Jesus Marti

Slasher

Siendo este subgénero del cine de terror uno de los más seguidos y con mayores fans repartidos por todo el planeta, es curioso ver la constante desvalorización o simplemente rechazo que tiene entre los críticos más sesudos y “serios” del panorama cinematográfico. Es bien cierto que estas películas acostumbran a ser recurrentes hasta la saciedad, pero también es cierto que la violencia y el sexo combinados siempre ofrecen buenos resultados en la taquilla, por lo que este tipo de producciones no tienen la necesidad de innovar demasiado. Partiendo de premisas típicas desde que Carpenter y su (muchas veces sobre valorada) Halloween (1978) marcaran el camino, pocos de estos films han ofrecido alguna variación sustancial al subgénero; apoyándose en los tópicos más manidos: adolescentes más o menos idiotas fuera de su ámbito natural, entornos agrestes o extraños, psicópata (sobrenatural o no) empeñado en usar cualquier instrumento cortante (cuchillos, hachas, punzones, garfios, sierras mecánicas y un largo etcétera), para inflingir una muerte rápida, cruenta e impactante, visualmente hablando.  Todos  estos elementos normalmente se acompañan con un final, muchas veces, abierto que permita posibles continuaciones y explotaciones varias del filón. Con estás premisas los slashers han copado el mercado y creado un montón de franquicias de indudable éxito (pero de distinta calidad) que, por lo menos a mí, siguen pareciéndome grandes películas para pasar saludables noches en compañía de mis amigos, con unas cuantas cervezas bien fresquitas y ejercitando, de paso, nuestra retentiva para contabilizar los sucesivos asesinatos.
Con que la producción es más bien exagerada, he pensado en hacer una lista que reuna las principales sagas y títulos, por supuesto no es una lista completa, muchos de vosotros notaréis a faltar algunos títulos, pero bueno siempre podéis poneros en contacto con El Terror Tiene Forma para poder ampliar, renovar y mantener actualizada la lista, en vuestras manos queda amigos/as.
Se me olvidaba la lista está ordenada en orden alfabético por el título original.
El post se ha dividido en dos partes, en el de hoy encontrareis la lista, en el próximo un pasa fotos con todas las carátulas.
Esta lista no podría haberse realizado sin la gran ayuda de un buen amigo, no voy a mencionarlo (le gusta el anonimato) pero desde aquí le doy las gracias más efusivas.
Espero que lo disfrutéis.
Un saludo 
Slasher
Jesus Marti

Amicus

Amicus es la protagonista del post de hoy en El Terror Tiene Forma. Esta productora británica fundada por Milton Subotsky y Max J. Rosenberg fue durante mucho tiempo una dura competencia para la Hammer, buena parte de la producción de ambas empresas estaba orientada hacia el terror, ambas compartían equipos técnicos y artísticos y cada una de ellas tenía una concepción muy singular en la manera de mostrar las historias.  Amicus era partidaria de un terror más psicológico y atmosférico, rebajando considerablemente la presencia de sangre o elementos escabrosos en sus films. Otra de las particularidades de esta productora era su gusto por crear películas alrededor de diferentes historias que componían, en la mayoría de casos, un hilo argumental al servicio de una mínima historia principal. Toda su producción no se centro en estas coordenadas estilísticas, pero sería mentir si no dijéramos que sus películas más famosas y recordadas se mueven en esos parámetros.
Como pronto voy a dedicarle un artículo detallado a esta curiosa productora, he pensado que para abrir boca nada mejor que poner unos trailers. Las películas seleccionadas son: Dr. Terror’s, House of horror / Dr. Terror (1965), Tales from the Crypt / Condenados de ultratumba (1972) y I Monster (1971).
Bueno amigos/as por hoy ya esta bien.
Un saludo.   



13 marzo 2011

Jesus Marti

Nim Vind / Killing saturday night


Hoy traigo a El Terror Tiene Forma otra banda que se mueve entre las coordenadas del Horror Punk pero que tiene una personalidad única y muy acusada. Nim Vind es una banda de Vancouver (Canadá), tienen en su haber dos discos hasta el momento: The Fashion of Fear (2005) y The Stillness Illness (2009).
La canción que tenéis a continuación se titula Killing Saturday Night, originalmente fue editada como single para posteriormente incluirla en el segundo álbum de la banda.

Por si os pica la curiosidad aquí tenéis un par de enlaces:
Bueno a disfrutar un rato.
Un saludo

12 marzo 2011

Jesus Marti

Comunicado de Prensa Sitges 2011, A Serbian Film

Logo Sitges 2011
A raíz de la polémica surgida alrededor de la película A Serbian Film, transcribo literalmente la nota de prensa oficial del festival de Sitges. Es obvio decir que desde esté blog ofrecemos todo el apoyo posible para poner fin a está sin razón.

Sitges Festival Internacional de cinema Fantàstic de Catalunya

SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya quiere mostrar su total apoyo a su director Ángel Sala y a las decisiones que ha tomado en el ejercicio de su cargo.
En este sentido, y en referencia a la programación de la película A Serbian Film, el Festival quiere hacer patente que no se trata de una película pornográfica si no de una ficción de terror, y que no integra un ataque contra la indemnidad sexual de menores.
SITGES quiere agradecer los apoyos recibidos por parte de su público, de festivales de cine (1) y de personalidades destacadas del ámbito de la cultura.
A Serbian Film fue exhibida tras tomar todas las medidas informativas y de control necesarias para impedir el acceso a la proyección de cualquier persona menor de edad. Estas medidas consistieron tanto en información preventiva en los soportes de comunicación del Festival para garantizar el conocimiento del contenido de la cinta por parte de los espectadores antes de su visionado, como en la solicitud del Documento Nacional de Identidad a la entrada de la sala de proyección.
La trayectoria de esta película ha sido la habitual dentro del circuito comercial convencional, proyectándose, entre otros, en los siguientes festivales internacionales y mercados: Bruselas, Montreal (Fantasia), San Francisco, Toronto, Austin, Oporto, Sofía, Hamburgo, Helsinki, Puchon (Corea del Sur), Ravenna, y Estocolmo, entre otros.
También cabe destacar que ha ganado prestigiosos galardones como los tres premios recibidos en Montreal (Mejor Película, Premio de Oro a la Mejor Película Europea y Película Más Innovadora); el Premio Especial del Jurado en el Festival de Fantasporto en Oporto (hace menos de una semana) y el Premio al Mejor Guión en el Festival IPRESCI en Serbia.
A Serbian Film se ha proyectado en los dos mercados de cine más prestigiosos del mundo: el Mercado y Festival de Cine de Cannes y el American Film Market en Santa Mónica, California, y será distribuida comercialmente en el Reino Unido, Canadá y EEUU.
SITGES quiere agradecer nuevamente todos los apoyos recibidos, así como mostrar su respeto por aquellas críticas que han generado un debate necesario sobre la importancia de la libertad de expresión y creación en la programación de los festivales cinematográficos.
SITGES Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya considera que ha actuado con el rigor necesario y ofreciendo a los espectadores la información previa que se requería. No obstante, la existencia de voces críticas llevará al Festival a plantear una reflexión sobre los mecanismos de información de cara al futuro, insistiendo en la protección de la infancia y la defensa de la libertad de expresión y creación, como hasta ahora ha venido haciendo.

(1)   CARTA DE APOYO DE FESTIVALES DE CINE ESPAÑOLES

Los abajo firmantes, directores de festivales cinematográficos españoles, queremos dejar constancia, ante la filtración a la prensa publicada el pasado fin de semana, de nuestra extrañeza por la actuación judicial contra Ángel Sala, director de Sitges, Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, por haber incluido en la programación 2010 del citado evento, en pases sólo aptos para adultos, la película A Serbian Film, en la que se pretende ver contenidos violentos, pornográficos y contrarios a los derechos de la infancia.
Más allá de la extrañeza ante el hecho de hacer recaer la responsabilidad en un programador cultural, y no en los teóricos responsables de tales contenidos (en todo caso, el director y los productores), queremos recordar, además de nuestro apoyo a Ángel Sala, que el film se ha visto, desde el pasado año, en certámenes de ciudades como Bruselas, Montreal, Londres, Oporto, Austin, San Francisco, Toronto, Sofía, Hamburgo, Helsinki, Puchon (Corea del Sur), Ravenna y Estocolmo, entre otros. A Serbian Film, se ha proyectado además en los dos mercados de cine más prestigiosos del mundo: Cannes y el American Film Market en Santa Mónica, California. Todo ello sin que nadie haya elevado, hasta la fecha, denuncia judicial alguna contra el film, sus responsables o sus programadores.
También cabe destacar que ha ganado prestigiosos galardones como los tres premios en Montreal (Mejor Película, Premio de Oro a la Mejor Película Europea y Película más Innovadora); el Premio del Público en el Festival de Fantasporto en Oporto (hace menos de una semana) y el Premio al Mejor Guión en el Festival FIPRESCI en Serbia.
Igualmente, queremos denunciar que comportamientos como el de la Fiscalía de Barcelona parecen retrotraernos a épocas de cortapisas censoras contra la libertad de expresión y programación culturales que sinceramente creíamos que pertenecían a la Historia.

Firmantes:
Javier Angulo (Festival de Valladolid)
Josetxo Cerdán Los Arcos (Punto de Vista / Pamplona)
José Luis Cienfuegos (Festival de Gijón)
José Luis Rebordinos (Festival de San Sebastián)
Carmelo Romero (Festival de Málaga)
José Sánchez Montes (Festival de Granada / Cines del Sur)
Claudio Utrera (Festival de Las Palmas)
Javier Martín Domínguez (Festival de Sevilla)
Eduardo Trías (Festival de Huelva)
Josemi Beltrán (Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián)

09 marzo 2011

Jesus Marti

Madison County (2011)

Madison County, es la nueva película de Eric England (Hostile encounter, 2010), un escritor, director y productor que con esta película intenta dar el salto definitivo en su carrera. La historia es la siguiente: un grupo de chicos llega al “Condado de Madison”, un pequeño y apartado pueblo montañés,  con el objetivo de entrevistar al autor de un libro que detalla los espeluznantes crímenes llevados a cabo en el lugar. Sin embargo al llegar descubren que el escritor ha desaparecido, los lugareños actúan como si llevarán años sin verlo y desmienten la existencia de un asesino que actué por el lugar. Sin embargo al indagar un poco más, se dan cuenta de que todo puede ser muy, pero que muy, real….
Por lo visto en el trailer nos encontramos delante de otro slasher contundente y sangriento que a base de hachazos intenta dar una nueva visión de los tópicos mil veces utilizados en este tipo de producciones.
La producción bebe de las películas que tanto nos gustaron en los años setenta, y cuenta con un asesino que se esconde detrás de una mascara realizada con la cabeza de un cerdo.
Veremos el resultado final, de momento el trailer y un par de fotos para amenizar la espera.
Se me olvidaba, la película parece estar basada en hechos reales.
Si os apetece más información podéis entrar en este enlace: Madison County.
Un saludo 

08 marzo 2011

Jesus Marti

Apocalipsis Caníbal , Proyección

Proyección de la película "Apocalipsis caníbal" con la presencia del actor Bernard Seray.

La coproducción italo-española Apocalipsis caníbal, (1980), uno de los films de zombies más míticos del realizador Bruno Mattei -emblema del explotation italiano- y responsable de clásicos como L'altro inferno, (1981), Rats - Notte di terrore, (1984) o Zombie 3, (1988), ha sido el título seleccionado para esta nueva proyección que contará con la presencia del actor Bernard Seray. Icono del cine quinqui, gracias a sus trabajos en las películas Los violadores del amanecer, (1978) de Ignacio F. Iquino, Perros callejeros 2, (1979) o Los últimos golpes del Torete, (1980), estás dos últimas dirigidas por José Antonio de la Loma, y que también se introdujo en el cine de terror trabajando en el film de Mattei o en El invernadero, (1983) de Santiago Lapeira; sin olvidar su presencia en la película de Lucio Fulci La miel del diablo, (1986)


Para más información: El buque maldito

Entrada gratuita.
Centro Gracilaso
C/ Juan de Garay 116
Barcelona
<M> Sagrera L1-L5

07 marzo 2011

Jesus Marti

LA ISLA DE LOS MUERTOS / ISLE OF THE DEAD (1945)

Cartel de época de Isle of the Dead, 1945
Bajo producción de la RKO y controladas en todo momento por Val Lewton, se realizaron una serie de películas realmente únicas que se movían bajo los parámetros del bajo presupuesto, que se consagraban al género de terror y que, en contraste con otras productoras, apostaban por llevar al celuloide historias más oníricas y atmosféricas en detrimento de la presencia física en pantalla de monstruos y demás recursos, digamos, más directos. La película que hoy presentamos en el El Terror Tiene Forma es un buen ejemplo de lo escrito unas líneas más arriba. La isla de los muertos fue estrenada en el año 1945 y fue dirigida por Mark Robson, director que ya tenía en su haber algunas joyitas como La séptima victima (The seventh victim, 1943) o El barco fantasma (The ghost ship, 1943). El papel principal recayó en un consumido y enfermo (graves problemas con su columna vertebral) Boris Karloff, que aun con estos problemas mortificándole, volvió a conseguir un papel antológico digno de su leyenda.
El film está presuntamente inspirado en los cuadros del famoso pintor suizo, Arnold Böcklin (1827-1901), en concreto en la famosa pintura La isla de los muertos (1880) que tiene varias versiones realizadas por el mismo pintor.
la isla de los muertos
El Cuadro de Arnold Böcklin 'La Isla de los Muertos'
De la pintura al celuloide
Nada mejor para ponerse en situación que una breve sinopsis: Durante una batalla anterior a la Primera Guerra Mundial, un destacamento griego, comandado por el frío y sanguinario general Pherides, también conocido con el apodo de Watchdog (perro guardián), se encuentra muy cerca de una isla, que también es un antiguo cementerio, en el cual está enterrada la esposa del general. Aprovechando un descanso en la batalla, decide visitar, acompañado de un reportero, la tumba de su esposa. Al llegar a la misma la encuentra profanada. Buscando el motivo de semejante acto se internan en la isla y encuentran una pequeña casa habitada por un arqueólogo, su criada y varios invitados, en la que son bien recibidos. Deciden pasar la noche en el lugar, pero a la mañana siguiente uno de los invitados aparece muerto a causa de una extraña plaga. Por ese motivo la isla queda en cuarentena y nadie puede abandonarla. Los temores y supersticiones de la criada, que cree que una vorvoloka (un espíritu maligno femenino) vive entre ellos, van minando la racionalidad del militar. En poco tiempo, las muertes se suceden y el terror se apodera de todos ellos.
La isla de los muertos, 1945
La isla de los muertos  tiene un principio mórbido y fascinante, con muy pocos planos se nos pone en el centro de la historia y se describe en líneas generales, pero perfectamente planificadas, el carácter del general: frío, autoritario y que gusta de aplicar la lógica más racional como baluarte de su carácter y principal herramienta para preservar su poder. Este inicio es signo inequívoco de lo que vamos a ver durante el resto del metraje, ritmo pausado, personajes muy definidos, profundidad y tensión a partes iguales, claustrofobia (tanto física como mental) y la confrontación entre la racionalidad y la superstición. Todo éste menú es servido con cuentagotas, lentamente, sin prisas, sin detenerse en elementos superfluos que podrían distraer al espectador; un desarrollo pausado que permite la inclusión de elementos sobrenaturales de forma natural, casi lógica y, por qué no, necesaria para entender y entrar en la atmósfera que el director nos propone. La ambigüedad es una herramienta poderosa en manos de directores imaginativos. En éste caso, Mark Robson, conduce con mano firme el film, no se permite ningún desliz, guía la película por los caminos marcados y lleva al espectador de la mano hacia los acontecimientos que quiere remarcar o simplemente mostrar. Un trabajo sobresaliente detrás de las cámaras que, sin embargo, no logró que Robson se sacudiera de encima la fama de director segundón, cosas de la vida, aunque puedo afirmar, habiendo visionado ya bastantes de sus trabajos, que es una afirmación, cuanto menos, ligera y poco meditada, pues su solidez y destreza queda demostrada muchas veces a lo largo de su carrera.
La isla de los muertos, 1945
El film bebe de diferentes influencias, tanto cinematográficas como literarias. En el primer aspecto, se adivinan ecos de películas como El malvado Zaroff (1932) o Yo anduve con un Zombie (1943); la influencia literaria se resume en: la sombra de Poe es muy alargada. No voy a explicar nada más, cualquiera que vea la película ya sabrá por dónde voy.
La presencia de Karloff, como siempre, es primordial para ésta producción. Su interpretación es magistral, dando vida a un personaje torturado por su pasado y acosado por su presente, llena la pantalla completamente, eclipsando a sus compañeros de escena. Un recital de miradas, registros y una profesionalidad brutal que logra momentos verdaderamente brillantes. El trabajo del resto de interpretes es correcto, pudiéndose resaltar la presencia de Jason Robards Sr. y Ellen Drew.

La isla de los muertos  tiene un principio mórbido y fascinante

La isla de los muertos ha sido considerada durante años una producción menor dentro de la historia de la RKO en particular y del cine en general. Yo no estoy de acuerdo, a pesar de que no alcanza la categoría de obra maestra, el film es una pura artesanía y un compendio de buen hacer, lo que hace perfectamente válida su revisitación, pues guarda en su interior momentos mágicos, muy inquietantes y un acabado final digno de elogio. Un aviso, su principal virtud es la ya mencionada pausa y lentitud en la acción, por lo tanto esta virtud se puede convertir fácilmente en un lastre de cara a los aficionados de nuevo cuño, acostumbrados a ritmos más altos y un mayor derroche efectista, de todas maneras yo recomiendo su visionado, no creo que nadie se pueda sentir defraudado por invertir 70 minutos de su vida en descubrir un film inusualmente brillante en su concepción general.
Bueno amigos y amigas, creo que por hoy ya es suficiente.
Podéis ver el tráiler en nuestro canal de Youtube: Isle of the Dead
Un saludo          

FICHA TÉCNICA
Título: LA ISLA DE LOS MUERTOS (1945 / USA / 70' / Blanco y Negro)
Título v.o.: ISLE OF THE DEAD
Director: Mark Robson
Productor: Val Lewton / Jack J. Gross      
Guión: Ardel Wray / Val Lewton / Josef Mischel
Música: Leigh Harline         
Fotografía: Jack MacKenzie
Edición: Lyle Boyer
Dirección Artística: Albert S. D'Agostino / Walter E. Keller
      
FICHA ARTÍSTICA
Boris Karloff, Ellen Drew, Marc Cramer, Katherine Emery, Helen Thimig, Alan Napier, Jason Robards Sr., Ernst Deutchs. Sin acreditar:  Sherry Hall, Erick Hanson, Skelton Knaggs.


05 marzo 2011

Jesus Marti

El ESQUELETO DE LA SEÑORA MORALES (1960)

Poster original de El esqueleto de la señora morales
Como ya he comentado en más de una ocasión, la producción cinematográfica mexicana es, para mí, una fuente inagotable de películas y fantásticos descubrimientos, que conforme las voy visionando se convierten, muchas de ellas, en parte de mis referentes más acusados e inamovibles. El cine Mexicano alimenta fantasías que anidan en el subconsciente de todos; desarrolla, partiendo de premisas estereotipadas y presupuestos muy ajustados, historias francamente interesantes que consiguen, sin lugar a dudas, crear un sustrato primordial para el desarrollo de las aficiones: la curiosidad.
La película que hoy ocupa el post de El Terror Tiene Forma fue producida en el año 1960 y, creo no exagerar ni un ápice, al decir que es una autentica joya cinematográfica y un clásico indiscutible del cine mexicano.
El film parte del relato El misterio de Islington (1927) de Arthur Machen, adaptándolo más o menos libremente, para dar forma a una comedia negra como el carbón, que se sustenta en una crítica social con muy mala idea para explicarnos una historia de hipocresía, maldad, venganza y asesinato.
La historia es la siguiente: el Dr. Morales (Arturo de Córdova) es un taxidermista de carácter alegre que sólo aspira a tener un poco de paz en su vida. Como contrapunto a esa ambición, en las antípodas de su carácter, tenemos a su mujer, la señora Morales (Amparo Rivelles), una “santa” mujer que, acomplejada por un defecto físico, se ha recluido en sí misma y se agarra con fuerza a la religión más extrema para conseguir llamar la atención de las fuerzas vivas de su entorno, creando un personaje torturado y torturador que hace la vida imposible a cualquiera que esté a su alrededor. Tras quince años de un matrimonio insalubre y mortificante el Doctor comienza a fantasear con la posibilidad de librarse de su esposa y ser, por fin, libre para vivir la vida.
Secuencia de El esqueleto de la señora morales
La película es un claro ejemplo de ese cine de carácter tan popular pero a la vez ácido y con mala idea que tan bien llevan a la pantalla ciertos directores, entre ellos el famoso Luis Buñuel, que convierte films, más bien pequeños en su premisa, en auténticas ceremonias cinematográficas.
Rogelio A. Gonzaléz dirige con talento e inspiración un trabajo que se sustenta en una sabia conjunción de elementos dispares, de ésta manera con un tono serio y un sentido del ritmo brutal, combina influencias post expresionistas muy cercanas al cine negro norteamericano con recursos puramente locales consiguiendo un resultado espectacular. También es conveniente resaltar que ese tono serio con el que se enfrenta a la historia, consigue acentuar de manera notoria el tono irónico y sardónico de las escenas más inclinadas a la comedia, logrando un resultado que muchas veces congela la sonrisa del espectador en un rictus de inquietud. Por otra parte el uso de la cámara y sus movimientos, siempre buscando ángulos, contraposiciones, travellings imaginativos, y aprovechando al máximo los claro / oscuros de la fotografía en blanco y negro, son verdaderamente magistrales, elevando considerablemente la calidad del producto final.
Arturo de Cordoba en una secuencia de la película
El director fue secundado perfectamente por el guión de Luis Alcoriza, colaborador habitual de Luis Buñuel, que desarrolla un libreto cercano a la perfección gracias a la combinación de muchos elementos, tanto propios propios como ajenos, que consiguen que la química entre lo narrado y lo rodado pase con una transición natural, nada forzada, dando una fuerza inusitada a la historia expuesta. Saltando alegremente de un género a otro, muestra, que no copia, múltiples influencias y recursos, todos ellos introducidos con inteligencia y salpimentando convenientemente todo el metraje. Guiños al suspense (patente la influencia de Hitchcock) o a la comedia más inteligente a la par que negra, dan una muestra de la maestría y el dominio de los tempos de narración de este guionista.
En el aspecto de la interpretación, qué se puede decir, sus principales protagonistas están soberbios. Arturo con una recreación brutal en el papel de Doctor, navega entre la inocencia y la mala fe, consiguiendo hacernos partícipes, casi cómplices, de sus reacciones y sentimientos, logrando que sintamos pena y rabia por su injusta situación. Por otro lado Amparo Rivelles crea un personaje impresionante, la señora Morales es una manipuladora, hipócrita y mentirosa que se escuda en una falsa moralidad y que no duda en inventarse situaciones (maltrato físico y psicológico) para retener a su lado al pobre Doctor y poder seguir quejándose, torturando y destrozando sin escrúpulos cualquier atisbo de felicidad o naturalidad en su matrimonio. Descomunal el trabajo de Amparo, una recreación de auténtica hija de puta que pocas veces se ha visto reflejada tan bien en la historia del cine. Los dos personajes principales están muy bien acompañados por unos secundarios de lujo, el coro de beatas siempre prestas al cotilleo y a la difamación o el cura siempre agarrándose, según su conveniencia, a los designios de la más rancia e injusta religión son buenos ejemplos de ello. Personajes, todos ellos, caricaturescos pero no muy alejados de la realidad, sobre todo en los años en que transcurre toda la acción de la película. 
También es remarcable la pulsión sexual durante todo el film, nunca explicita pero sí patente, es fuente y origen de buena parte de los problemas que acosan al matrimonio y protagonista de uno de los momentos cumbres de la película.
El esqueleto de la señora Morales 1960
Poco más voy a explicar, porque lo conveniente y sensato frente a estas películas, es visionarlas y disfrutarlas en toda su extensión. El esqueleto de la señora Morales es una película a revindicar y descubrir, yo la recomiendo encarecidamente a cualquier aficionado que tenga un poco de curiosidad hacia está cinematografía tan injustamente olvidada. Brillante es decir poco, uno de los títulos más importantes dentro de la llamada “edad de oro del cine Mexicano”.
Amigos/as, por hoy ya está bien. 
Podéis ver el tráiler en nuestro canal de Youtube:
https://youtu.be/5OChwhqU808
Un saludo a todos/as.


FICHA TÉCNICA
Título: EL ESQUELETO DE LA SEÑORA MORALES (1960 / MÉXICO / 92' / Blanco y Negro)
Director: Rogelio A. Gonzalez
Productor: Armando Espinosa      
Guión: Luis Alcoriza
Música: Raúl Lavista         
Fotografía: Victor Herrera  
Maquillaje: Ana Guerra / Juanita Lepe
FX: Juan Muñoz Ravelo
      
FICHA ARTÍSTICA
Arturo de Córdova, Amparo Rivelles, Elda Peralta, Guillermo Orea, Rosenda Monteros, Luis Aragón, Mercedes Pascual, Antonio Bravo, Angelines Fernández, Armando Arriola, Paz Villegas, Pepita González, Roberto Meyer, León Barroso