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Tu Web del Cine de Terror

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12/31/2012

Jesus Marti

Feliz 2013

Feliz 2013

12/30/2012

Jesus Marti

Man or Astroman / The Miracle of Genuine Pyrex

El último domingo del 2012 y yo cada vez más acojonado con la llegada del nuevo año. Después de haber sobrevivido a la profecía, haber esquivado discursos televisados y haber hecho encaje de bolillos para pagar las facturas mensuales, estoy tan agotado que para el día de hoy voy a poner un videoclip músical para rebajar el stress.
Los invitados de hoy son una banda de curioso nombre que iniciaron su actividad en el lejano 1992. Básicamente practican un surf clásico con influencias del punk y del rock envuelto todo ello en una atmosfera de ciencia ficción y terror, no en vano sus integrantes aseguraban ser extraterrestres infiltrados en nuestro planeta; la canción que hoy traigo a estas páginas se titula The Miracle of Genuine Pyrex y es perfecta para confirmar lo anteriormente escrito. Se me olvidaba el nombre de la banda es: Man or Astroman?
Saludos amigos y amigas de El Terror Tiene Forma.
    

12/28/2012

Jesus Marti

THE SECRET OF CRICKLEY HALL (2012)

The Secret of Crickley Hall
No es James Herbert un autor por el que la gente del mundillo cinematográfico se pelee a navajazos con tal de conseguir los derechos de una de sus obras; la ya lejana 'El Superviviente (The Survivor, 1981)', la simpática 'Fieras Radiactivas (The Rats, 1982)', la original 'Fluke (1995)' y la semi desconocida 'Hechizados (Haunted, 1995)', conformaban hasta el momento las adaptaciones realizadas al celuloide de su extensa obra, pero como no hay mal que cien años dure este año nos llegaba en formato tv movie la mini serie 'The Secret of Crickley Hall' basada en el libro de mismo título. Producida por la BBC y emitida a partir de noviembre de este año, la mini serie no hace sino confirmar que Herbert está maldito, o más bien que no encuentra su alma gemela para trasladar con garantías sus novelas al formato visual.

12/26/2012

Jesus Marti

Sinister (2012)


Poster en España de Sinister
A priori, por lo menos para mí, una película que viene avalada por la implicación en el film del productor de Insidious y Paranormal Activity, es casi como un aviso ensordecedor de que voy a salir bastante cabreado del visionado; no soy fan de este tipo de películas es más me aburren bastante, pero bueno, me digo, si hay que comentarlo tendré que verlo, por lo tanto haciendo de tripas corazón me dispuse a ver Sinister (2012) de Scott Derrickson, director bastante vinculado al fantástico pero muy desigual en los resultados obtenidos; el film en sus elementos básicos no se separa demasiado de los planteamientos mil veces vistos y repetidos en este tipo de películas, en este caso es un escritor cuyo único best seller se produjo hace un montón de años y que anda como loco por volver a la senda del éxito, para tal fin alquila una casa donde una familia fue asesinada y la única superviviente todavía está desaparecida. Por supuesto nada más entrar a vivir en la misma encuentra una caja con bobinas caseras de super 8 y un proyector, a partir de ese momento se mete de lleno en una espiral de extraños acontecimientos.
Bien, poco o nada ofrece esta pequeña sinopsis que no hallamos degustado con anterioridad, no obstante la película nos sorprende con un inicio muy inquietante que logra meternos de lleno en la historia, continúa con una atmósfera cargada y tensa de lento crescendo que envuelve al protagonista, y por extensión al espectador, en una espiral de sensaciones malsanas y que nos lleva o nos recuerda a un cuento clásico de fantasmas (con elementos modernizados) donde es más importante el sugerir que el mostrar, y donde el desarrollo del argumento / secuencias, no avanza a trompicones o golpes de efectos, aunque alguno hay, que conste, es por lo tanto una película que intenta aunar diferentes estilos en un mismo metraje, intentando recuperar el concepto de 'miedo' por encima de otras consideraciones o estilos.
Ethan Hawke entrando de lleno en Sinister
¿Consigue su propósito?, pues a medias, Derrickson crea el tempo necesario para provocar inquietud, se toma su tiempo para hacerlo crecer, desarrollarse y finalmente mostrarlo en todo su esplendor, en este ámbito se puede decir que la película es clásica en sus planteamientos, esta lenta pero constante progresión de los acontecimientos también tiene sus pero, entre ellos la previsibilidad de la historia, ciertas secuencias demasiado rutinarias y cansinas (la relación del protagonista con su mujer por ejemplo) y sobretodo la poca química que se intuye entre los conceptos clásico y moderno que hace que algunas escenas sean especialmente sonrojantes para el espectador, rebajando considerablemente la inquietud y el miedo que tan laboriosamente se había intentado construir. Derrickson también pasa de puntillas sobre el tema mitológico de la entidad que acosa a la familia, tema que bien llevado podía haber supuesto un buen elemento para consolidar todo el angustioso entramado que rodea los sobrenaturales acontecimientos que nos explican, aunque es cierto que los pequeños esbozos sugeridos o mostrados de la deidad son absolutamente terroríficos. 
El inquietante inicio de la película
Las labores interpretativas son correctas aunque no deslumbrantes, resaltando Ethan Hawke que hace una recreación de la paranoia y la locura bastante contundente; la fotografía a cargo de Chris Norr se ajusta muy bien al argumento y la música de Christopher Young cubre con profesionalidad todo el metraje.
En definitiva un film que puede agradar a los aficionados que buscan en el cine de terror más sensaciones que impactos visuales, pero que no puede dejar de destilar un cierto aire de experimento fallido. Una propuesta más atractiva de lo que presuponía de antemano pero que me ha dejado un regusto amargo, de todas maneras Sinister se deja ver y olvidándose de ciertas secuencias incluso se puede visionar con agrado.
Un saludo amigos/as de El Terror Tiene Forma.   

Ficha Técnica
Año: 2012 / Director: Scott Derrickson / Productor: Jason Blum, Brian Kavanaugh-Jones, Jeanette Brill, Bailey Conway, Scott Derrickson, Jessica L. Hall, Rick Osako / Guión: Scott Derrickson, C. Robert Cargill / Fotografía: Chris Norr / Música: Christopher Young / Dirección Artística: John El Manahi / Diseño de Producción: David Brsibin / Maquillaje: Ozzy Alvarez, Joe Amella, Sonia Castleberry, Sarah Hindsgaul, Rich Krusell, Satoko Ichinoise, Laura Lieffring, Jason Milani, Björn Rehbein, Lauzanne Nel, Dawn Tunnell, Arielle Toelke, Stayc St. Onge / Efectos Visuales: Ignacio Garcerón, Diane Macke, Matthew Massarella, Josh Miyaji, Jason Piccioni, Aldo Ruggiero, Matt von Brock, Pablo Wang / País: USA / Duración: 110m. / Formato: 35mm / Proporción: 2.35: 1 / Color / Presupuesto: $3.000.000
Ficha Artística
Ethan Hawke, Juliet Rylance, Fred Dalton Thompson, Michael Hall D'Addario, James Ransone, Clare Foley, Rob Riley, Tavis Smiley, Janet Zappala, Victoria Leigh, Cameron Ocasio, Ethan Haberfield, Danielle Kotch, Blake Mizrahi, Nicholas King, Lorraine Aceves. Sin Acreditar: Vincent D'Onofrio, Rachel Konstantin.

12/24/2012

Jesus Marti

El Terror Tiene Forma os desea Felices Fiestas

Desde El Terror Tiene Forma os deseamos una fiestas adecuadamente terroríficas (como no podía ser de otra manera).

12/22/2012

Jesus Marti

BLACK FRIDAY (1940)

acción, horror y gánsters...¿qué más se puede pedir?
A veces es necesario y gratificante alejarse un poco del moderno cine fantástico y de terror para poder echar la vista hacia atrás, sumergiéndose en esas pequeñas pero entrañables películas de poco más de setenta minutos, que supusieron para muchos de nosotros el inicio de la fascinación por estos géneros. Black Friday (1940), conocida en nuestro país como Viernes 13, fue dirigida por Arthur Lubin sobre un guión de Eric Taylor y un gran Curt Siodmak (en su segunda aproximación al cine fantástico hasta ese momento); el film es básicamente un ligero y moderno acercamiento al mito de Dr. Jekyill y Mr. Hyde integrado dentro de una trama que aúna varios de los resortes argumentales más utilizados en el cine americano: gangsters, venganza y científico desbordado por la ciencia que hace y deshace en aras de la misma. Una pequeña sinopsis nos ahorrará extendernos más en el tema: El profesor George Kingsley (Stanley Ridges) es atropellado por el coche de Red Cannon, un gánster que está huyendo de sus socios. En la ambulancia que conduce hacia el hospital a los dos hombres, el Doctor Sovac (Boris Karloff), amigo íntimo de Kingsley  con graves problemas económicos para continuar sus investigaciones dentro de su especialidad: la cirugía cerebral, descubre que el gánster tiene escondido medio millón de dólares. Cuando el profesor muere a causa de las heridas, Sovac le trasplanta parte del cerebro de Cannon con el objetivo, por una parte, de resucitarle y por otra de intentar encontrar el dinero escondido. A partir de ese momento el renacido profesor da alarmantes signos de dualidad en su personalidad.
Karloff es el Dr. Sovac

12/19/2012

Jesus Marti

Bloody Christmas Market (2012)



El próximo 23 de diciembre en el Espai Jove de la Fontana los amigos de La Oscura Ceremonia vuelven a amenizar estas navidades con un evento bautizado Bloody Christmas Market; en el mismo podréis encontrar desde stands para realizar vuestras últimas y apresuradas compras, proyecciones de películas muy navideñas: Noche de paz, Noche de Muerte  (1984) de Charles E. Seiller Jr. y Navidades Negras (1974) de Bob Clark, zona de bar y un concierto para finalizar la tarde, que más se puede pedir...pues encima todo el evento está organizado para recolectar juguetes para los niños necesitados, siendo el precio de la entrada un juguete nuevo o en su defecto unos simbólicos 50 céntimos de nada.
Como siempre digo estas iniciativas deben ser apoyadas, por lo que me gustaría que tomarais nota del evento. Os incluyo el cojonudo cartel promocional que han diseñado.
Saludos!!
Jesus Marti

Radar Men from the Moon (1952)

Un serial de la Republic
A pesar del sabotaje continuo y continuado hacia la cultura y progresión social que están perpetrando los diferentes gobiernos que 'a bien' tenemos en el poder, hay distribuidoras que siguen apostando por editar obras de difícil alcance para el aficionado en nuestro país, es por lo tanto un placer ofrecer a todos nuestros lectores/as la noticia del lanzamiento en nuestro país de Radar Men from the Moon, uno de los seriales más emblemáticos de los años '50 y un clásico con todas las letras y en mayúsculas de la ciencia ficción, que sirvió como referencia e inspiración para múltiples producciones posteriores. La edición nos trae los 12 capítulos originales y un libreto ilustrado de 12 páginas a cargo de José Luís Salvador Estébenez.
La sinopsis es la siguiente: Alertado por la ola de sabotajes que sacuden el país, el gobierno encarga a Comander Cody que indague la relación entre estos atentados y el incremento de actividad atómica detectado en la Luna. Para llevar a cabo sus pesquisas, Cody se dirige al satélite, donde es capturado por los selenitas al ver descubiertos sus planes para invadir nuestro planeta. ¿Podrá nuestro héroe escapar e informar a la tierra de la amenaza que se cierne sobre ella antes de que sea demasiado tarde?
Producido en el año 1951 por la Republic Pictures (con material proveniente de otros seriales de la casa), Radar Men From the Moon supuso la presentación en sociedad de Commander Cody. Provisto de un casco con forma de bala y dos cohetes autopropulsados a la espalda, Cody sería la principal fuente de inspiración para Dave Stevens para dar forma a The Rocketeer su célebre creación para el mundo del cómic, llevado a la gran pantalla a principios de los noventa por Disney.
Es obvio comentar que la edición la podéis conseguir en nuestra tienda online: http://www.elterrortieneforma.es.
Saludos y hasta mañana.

12/18/2012

Jesus Marti

Exhumed Movies nº 3, adelanto de la portada

Los amigos de Exhumed Movies acaban de publicar la que será la portada del número 3 de su excelente fanzine (disponible a primeros de enero). Impacientes estamos por ponerle las manos encima; cuando tenga la información de los contenidos os informare puntualmente.
Saludos amigos/as de El Terror Tiene Forma.

excelente portada para el nuevo numero de este excelente fanzine

12/17/2012

Jesus Marti

THE CALL OF CTHULHU (2005)

Poster de The Call of Cthulhu
Es indudable que las adaptaciones o las películas inspiradas en la obra de H.P. Lovecraft han tenido una suerte dispar en el mundo cinematográfico, teniendo presente que no es nada fácil dar vida visual a las fantasías y horrores que en sus relatos habitan, la anterior afirmación no es para nada gratuita. Desde aproximaciones realmente buenas como En la Boca del Miedo (1994) de John Carpenter a films tan planos como Granja Maldita (1987) de David Keith, tenemos multitud de referentes que en su gran mayoría no hacen justicia al increíble imaginario del escritor de Providence.
The Call of Cthulhu, proyecto realizado por la H.P. Lovecraft Society, es una película rodada en el año 2005 basada en el famoso relato de mismo título concebido en el año 1926; sus dos responsables directos, el director Andrew Leman y el productor y guionista Sean Branney, coincidieron en darle una estética acorde con el año en que fue escrita, con lo cual el resultado es un film en blanco y negro, silente, con decorados de cartón piedra y unos efectos visuales primitivos, por lo tanto su acabado definitivo no está lejos de los hallazgos visuales del cine fantástico alemán y de sus principales logros expresionistas (las influencias de Murnau,  Lang y demás directores de esa época son alargadas).
The Call of Cthulhu no sobrepasa los 47 minutos de duración, pero qué 47 minutos, su ambiente onírico y amenazador, la increíble banda sonora, su destacable acabado técnico, los maquillajes, sus entrañables decorados y efectos visuales (integración de imágenes y Stop-Motion), las interpretaciones y su más que fidelidad (no podía ser de otra manera) al relato original, dejan un agradable poso en el paladar del aficionado; el film está montado en base a diferentes líneas argumentales y  sucesivos flashbacks que explican la historia de un hombre que cae en la locura por continuar las investigaciones de su abuelo una vez que éste ha fallecido. Las investigaciones siguen la pista de unas anómalas actividades paranormales (en diferentes lugares de la tierra y en unas fechas muy similares) relacionadas con un antiguo culto que rinde devoción al gran Dios Cthulhu. Como seguramente habréis apreciado la estructura narrativa no se separa ni un milímetro del relato original, una tremenda virtud que, a pesar de que lastra un poco el tempo narrativo de la película, ofrece una camino seguro para futuras adaptaciones que prefieran transitar (al margen de la comercialidad) por la obra del maestro de Providence, ofreciendo al aficionado obras realizadas desde el amor, el respeto y, por qué no, la inteligencia y el riego.
onirica, fascinante, malsana
La película es muy atractiva, sugerente y entretenida a pesar de su poco presupuesto (unos $ 50.000), desprende calidad por los cuatro costados, y si dejamos al margen anacronismos varios (vestimentas de algunos de los protagonistas por ejemplo) y algún desliz en la continuidad y ritmo ya mencionados anteriormente, nos encontramos delante de una magnífica recreación del espíritu de Lovecraft; en definitiva un film hecho por y para fans del escritor que se convierte por obra y gracia de los Antiguos en la mejor representación realizada hasta el momento del complejo imaginario Lovecraftiano. Absolutamente recomendable.
Saludos amigos/as de El Terror Tiene Forma. Hasta Mañana.   

Ficha Técnica
Año: 2005 / Director: Andrew Leman / Productor: Sean Branney, Chris Lackey, Andrew Lemman / Guión: Sean Branney, H.P. Lovecraft (Historia) / Fotografía: David Robertson / Música: Chad Fifer, Ben Holbrock, Troy Sterling Nies, Nicholas Pavkovic / Maquillaje: Andra Carlson / FX: Terry Sandin / Efectos Visuales: Dan Novy / País: USA / Duración: 47m. / Proporción: 1.33: 1 / Presupesto: $50.000 / B/N / Muda /

Ficha Artística
Matt Foyer, John Bolen, Ralph Lucas, Chad Fifer, Kalafactic Poole, Susan  Zucker, John Klemantaski, Jason Owens, D. Grisgby Poland, David Mersault, Barry Lynch, Dan Novy, Daryl Ball, John Joly, Jason Petersen, Matthew Malcomson, John Jabaley, Erika Zucker, Rebecca Marcotte, Aidan Branney, Hannah Rose Jabaley, Ike E.Z. Jabaley, Richard Lucas, Bruce Graham, Jennifer Knighton, Ramón Allen Jr., Erin Emmalee, Steven O'Connor, Carlos Linares, Clarence Henry Hunt, Chia Evers, Kirsten Hageleit, J. David King, Ryan Oliver, Jonathan Putnam, Aaron Vanek, Mona Weiss, Noah Wagner, Patrick O'Day, Matthew Q. Fahey, Chris Lackey, Josh Thoemke, Mike Dalager, Daniel Kirsner, David Pavao, Sean Branney, Andrew Leman, Vivica Prentice, Leslie Baldwin, Andra Carlson.     

12/13/2012

Jesus Marti

Smiley (2012)


el famoso emoticono se convierte en asesino
Al igual que muchas de las últimas películas de terror que han tenido un éxito masivo de público, el film que hoy nos ocupa ha utilizado el marketing viral y un poderoso trailer de presentación para sembrar expectativas entre todos los aficionados, creando un culto alrededor de ella que, a la hora de la verdad, se diluye como azúcar en el café matinal; Smiley, que supone el debut en el largometraje de Michael J. Gallagher, es una película de carácter 'indie'  que sigue los pasos de Slashers ya consagrados para intentar una actualización de los conceptos en ellos esgrimidos; para tal menester Gallagher introduce conceptos filosóficos y modernas tecnologías de comunicación para explicar las deshumanización del ser humano, su brutalidad innata y la alienación de la propia identidad.
La premisa, a priori, parece interesante, romper los esquemas habituales para dar cabida a nuevos conceptos siempre es una postura de agradecer, desgraciadamente el film queda a medio camino de todo y no logra ajustar todas las piezas; el poco presupuesto, la poca entidad de los intérpretes, en especial la protagonista Caitlin Gerard, y la confusión que provocan los continuos cambios de orientación argumental, lastran considerablemente el desarrollo global, dejando una sensación de 'quiero pero no puedo' y, por supuesto, dejando al aficionado bastante desconcertado. 
Smiley (2012)

12/11/2012

Jesus Marti

Holy Motors (2012)



la última película de Leos Carax
Hay que reconocer que “Holy Motors” (Leos Carax, 2012) es una película especial, tanto por razones cinematográficas, como externas a la propia película y que tienen que ver más con su estreno como con la recepción y percepción de la propia película por parte de la mayoría del público a la que está dirigida.
Para empezar, se trata de la típica película acontecimiento que el avispado Thierry Frémaux viene presentando desde hace años en Cannes, a ser posible producciones o coproducciones francesas de gente amiga del festival; es decir Haneke, Weerasethakul, los Dardenne, Cantet, etc., para el sector más cahierista de los colegas y por otro las diversas producciones asiáticas de género o el escándalo gore del año para los amigos más festivos. Funcionando ese inteligente genio del marketing que es Lars Von Trier, como bisagra y punto de entendimiento, entre dos posturas, a priori antitéticas pero con más puntos en común de lo que parece, desde su gusto por lo políticamente incorrecto o correcto, pero asimilado por el sistema; hasta los prejuicios positivos respecto a sus particulares ídolos. Es muy posible que a Leos Carax esto le importe poco, pero hay que situar su película en el contexto actual del cine de autor, ya que al igual que el danés, estamos ante un director capaz de congraciar a todo tipo de público por razones extra cinematográficas.
¿un homenaje a Franju?
Así pues, nos encontramos ante un estreno muy medido y calculado por parte de sus productores y distribuidores. En este caso, tenemos el regreso del otrora enfant terrible del cine francés ochentero (una de las peores décadas, salvo notables excepciones,  de la historia del cine galo). Además con una película que en principio se vende como la última palabra en reinvención lingüística de la gramática cinematográfica. De esta manera, crítica y público ya habían sido preparados de manera inconsciente para que esta película gustase y se recibiese con elogios, fuese como fuese;  y caso de no ser así, ser tachados de retrógrados, fundamentalistas, etc. A favor de Carax, diremos aquello, que no hay nada más moderno que lo clásico. Indiscutible es la libertad con la que el director plantea su película, innegable es el morro que le aplica a la narrativa, pero… estamos ante un director que no ha evolucionado en sus planteamientos de forma y fondo desde aquella pesadez llamada Mala sangre (1986). Si, rueda mejor, tiene un mejor  sentido del ritmo, pero es que es lo mínimo que se le pide tras 26 años. Porque en el fondo,  Holy Motors” no deja de ser una especie de grandes éxitos del cine de Carax, algo así como una puesta al día de los mejores hallazgos de su filmografía. Y es ahí donde encontramos lo mejor de la película, la estructura de su inexistente guión, donde las situaciones se hilan de manera un tanto arbitraria, y si esto suena como una contradicción es porque la película en si misma lo es. Puedes amarla u odiarla por las mismas razones, puede gustarte el episodio tres y odiar el cuatro, en este sentido Carax si que ha hecho una película libre, pero no confundamos libertad con innovación.
Denis Lavant en su salsa
La historia gira en torno a un día normal en la vida de Oscar, actor que  interpretará a diversos personajes según el guión que le marca su jornada laboral. Durante todo el día se moverá por Paris cambiando de piel, género y estilo interpretativo según se lo exija el papel. De esta manera tendremos diversos episodios donde el actor fetiche de Carax, Denis Lavant (en una interpretación tan arriesgada y cargante como la propia película) mudara de piel y persona, ayudado por unos impresionantes maquillajes de efectos especiales de Jean Christophe Spadaccini, sorprendentemente ignorados por los fanáticos de la película; pero si Lavant se ajusta a cada personaje, de nuevo Carax, como quien pasa de todo, filma todos los episodios con el mismo estilo (salvo el de la captura de movimiento por razones obvias y el feista e irritante episodio de M. Merde). Pero hay que reconocer que este pasotismo o naturalismo es quizás una de las claves de la película, al abordar diversos géneros con una forma similar, no demasiado cargada, es muy difícil que el público no se identifique con alguno de los trabajos / personajes de Oscar, personalmente me quedo con el plano secuencia del entreacto musical, algo que Carax ya usó de manera más sutil en Mala sangre con el tema de Bowie “Modern love” o Monty Python de forma mucho más radical en “El sentido de la vida” (Terry Jones y Terry Gilliam, 1983). También hay que reconocer que conforme avanza la película, la frontera entre realidad y cine se hace cada vez más difusa, y partir del episodio del asesino a sueldo, donde Oscar se mata a sí mismo (no será la única vez que lo haga), el juego se expande ampliamente, llegando al paroxismo en el episodio de Kyle Minogue, un episodio que funciona si sabemos la historia que hay detrás, no la de Oscar (no en vano el verdadero nombre de LeOS CARax), si no la del propio director con su musa Juliette Binoche, ese es el hecho que hace funcionar este episodio, por otro lado, bastante cursi y que revela uno de los grandes problemas de la película. Se trata de una obra fría y ombliguista, carente de emociones verdaderas y revela las limitaciones de Carax como narrador, hecho, que por otra parte, el propio director nunca ha negado, para desesperación de sus seguidores más radicales y regocijo de sus detractores y viceversa.  Otro de los problemas de la película es su absurdo final, un epílogo, el de las limusinas parlantes, que contradice parte del juego de la película acomodándose al canon de la narrativa clásica. Pero al mismo tiempo, tratándose de una película que va a su aire, puede verse  como una provocación más del director. A riesgo de repetirme, esa es la gran virtud de la película, su libertad; todos los demás comentarios sobre el rol del espectador en la propia historia, la mirada de este como director y actor de su propia vida, etc. no dejan de ser más que muestras de onanismo pequeño y gran burgués, ideales para una cena o comida en algún local de moda.  No negaré que es uno de las virtudes / defectos de la película, ya que “Holy Motors” es una obra que da más juego y disfrute en una discusión tras la proyección que en el propio visionado.
Leos Carax y su particular universo
Resumiendo, aunque las escasas virtudes de la película son innegables, también deberían serlo sus múltiples defectos; pero el espectador que se enfrente a ella predispuesto a sentirse más inteligente, no tras verla, si no tras comentarla en su círculo, será incapaz de admitir estas limitaciones, ya que en ese momento dejaría de estar en la onda. Si quiere sentirse más inteligente, que coja un libro y lo queme.

Alex Turol

Ficha Técnica

Año: 2012
Director: Leos Carax
Productor: Martine Marignac, Albert Prévost, Maurice Tinchant, Rémi Burah  
Guión: Leos Carax
Fotografía: Caroline Champetier
Dirección Artística: Emmanuelle Cuillery  
Diseño de Producción: Florian Sanson
Maquillaje: Bernard Floch, Olivier Seyfrid, Jean Christophe Spadaccini
Efectos Visuales: Yoann Berger, Alain Bignet, Alexandre Bon, Thierry Delobel, Phillippe Desfretier, Damien Maric, Olivier Marci, Berengere Dominguez, David Gourmaud
País: Francia, Alemania
Duración: 115m.
Formato: 35mm.
Proporción: 1.85:1
Color / Blanco y Negro

Ficha Artística

Denis Lavant, Eva Mendes, Edith Scob, Kylie Minogue, Elise Lhomeau, Jeanne Disson, Michel Piccoli, Leos Carax, Nastya Golubeva Carax, Reda Oumouzoune, Geoffrey Carey, Annabelle Dexter-Jones, Elise Caron, Corinne Yam, Julien Prévost, Ahcène Nini, Laurent Lacotte, David Stanley Phillips, Matthew Gledhill, Hanako Danjo, Pierre Marcoux, Big John, Bastien Bernini, Elliot Simon.

12/10/2012

Jesus Marti

Carátulas VHS (11)



Una obra maestra de Pupi Avati
Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma, hoy no he tenido tiempo de preparar un artículo, por lo que una pequeña selección de carátulas VHS se me ha presentado como la mejor opción. Espero que las disfrutéis. Saludos!!! 

La película más conocida de Pupi Avati
Dan Curtis
Antonio Bido


12/09/2012

Jesus Marti

Savaged y The Frozen, dos trailers de futuros estrenos

una violenta película de venganza sobrenatural
Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma, como casi todos los domingos el post de hoy va dedicado a traeros trailers de futuros estrenos. Las películas en cuestión son Savaged y The Frozen.
Savaged, según se desprende del trailer, es una violenta película que nos presenta la venganza de una chica sorda asesinada por una despiadada banda. Su cuerpo sin vida es poseído por el espíritu, sediento de sangre, de un Guerrero Apache, a partir de ese momento los cazadores pasan a ser la presa. El film ha sido dirigido por Michael S. Ojeda en su primera incursión en el largometraje, y su reparto es el siguiente: Ronnie Gene Blevins, Rodney Rowland, Rick Mora, Willow Hale, Marc Anthony Samuel y Kyle Morris. Su estreno está previsto para el 2013.
perdida en la nieve y acosada por un violento cazador
The Frozen es una producción americana que cuenta con un presupuesto de un millón de dólares, ha sido dirigida por Andrew Hyatt y está protagonizada por Brit Morgan, Seth David Mitchell y Noah Segan. El argumento es el siguiente: Después de un terrible accidente de moto nieve, una pareja (Mike y Emma) deben sobrevivir mientras espera ayuda. Pero la desaparición de Mike, da un giro radical al asunto, en el bosque hay un misterioso cazador que acosa y aterroriza a Emma.
Bueno, espero que os gusten. Hasta mañana. Saludos!!!

12/07/2012

Jesus Marti

Caterpillar (2010)



Una película de Kôji Wakamatsu
De todas las joyas que se pudieron ver en el pasado Festival de Sitges, la que es la antepenúltima película del difunto director japonés Koji Wakamatsu, fue para el que esto escribe la mejor, más lúcida y coherente de cuantas se proyectaron. “Kyatapirâ” (2010) está muy libremente inspirada en un cuento de Edogawa Rampo, ya adaptado con anterioridad en la esplendida “Ranpo jigoku” (Akio Jissoji, Atsushi Kaneko, Hisayasu Sato y Suguru Takeuchi, 2005); pero si la película de episodios se decantaba por los aspectos más fantásticos del relato, en esta ocasión Wakamatsu y su viejo colaborador y camarada de aventuras Masao Adachi, junto con la colaboración de Hisako Kurosawa han elaborado un alegato antibelicista y antiimperialista cargado de morbo que devuelve al mejor Wakamatsu de los 60.
La película resitúa la historia de Rampo en plena Segunda Guerra Mundial. A una anónima aldea vuelve, como un héroe, un soldado licenciado tras haber quedado totalmente mutilado de todas sus extremidades. Habiendo perdido también la facultad del habla, su única manera de comunicarse con su mujer será a través de su sexo. A partir de ahí la historia y la relación entre el matrimonio se irá deteriorando y pervirtiendo conforme el marido exija mas sexo a su mujer y esta, finalmente, use el hambre de él  por las relaciones carnales para dominarle y maltratarle.
El argumento vuelve a un tema querido por Wakamatsu y Adachi como es la relaciones de poder que se establecen a través del sexo , como ya habían hecho con anterioridad en la mítica “Taiji ga mitsuryô suru toki” (1966) o en “Okasareta hakui” (1967). Pero si en el pasado estas relaciones servían como metáfora del autoritarismo laboral o la alienación social, aquí se establece un doble juego de poder provocado por la propia guerra. El soldado, es recibido y aclamado como “el soldado dios” por sus  ignorantes y sumisos vecinos, muy irónicamente representados por el tonto del pueblo como cabeza visible de este grupo, y por  extensión representación de un Japón atrasado en todos los aspectos y rendido a la figura del emperador sin pensar en ningún momento en las consecuencias de sus actos. Unas consecuencias que llegaran a un final desgarrador tanto para el pueblo como para Japón. 
Sexo, muerte y Drama en una de las últimas películas de Wakamatsu
Este soldado, representante de una generación arrastrada a una guerra sin sentido, se transformará en una bestia humana, pero no a su regreso cuando vuelva convertida en tal, en esa especia de oruga humana, mucho antes, cuando en el frente chino cometa todo tipo de barbaridades y torturas. Ahí ya ha empezado el proceso de transformación en animal. Cuando tras su regreso del conflicto su transmutación este completa tanto a nivel físico como psicológico, lo único que le quedará será seguir comportándose como una bestia y como tal tratará a su esposa. Pero al igual que él fue transformado por el amor ciego a su país en un animal, su propia mujer poco a poco se verá seducida por el control que ejerce sobre él y los papeles se invertirán de manera dramática.
Keigo Kasuya en Caterpillar
La historia acaba de manera trágica, como acabo para Japón la guerra. Con una huella de dolor y locura, como consecuencias de un deseo incontrolado de controlar y conquistar. La conquista acaba siendo un fracaso, los conquistadores son tanto asesinos como víctimas en manos de fuerzas que no comprenden pero tampoco tratan de entender.
No deja de ser llamativo que la puesta en escena y dirección de la película sean de gran fiereza y energía, sin llegar a los excesos de su etapa más celebrada, la película nos ofrece  a un Wakamatsu en plena forma, lejos de algunos erráticos trabajos de los 90. Mención aparte merece el trabajo actoral, si la excelente interpretación de Shinobu Terejima le valió el Oso de Oro en Berlín, la tensa y dramática creación Keigo Kasuya, no se queda atrás.
Una verdadera pena que Koji Wakamatsu nos dejase demasiado pronto el pasado 17 de Octubre ya que el cine perdió a uno de los más valientes y originales creadores que ha habido en toda su historia.

Alex Turol

Ficha Técnica

Año: 2010
Director: Kôji Wakamatsu
Productor: Noriko Ozaki, Kôji Wakamatsu
Guión: Hisako Kurosawa, Masao Adachi
Fotografía: Yishihisa Toda, Tomohiko Tsuji
Música: Sally Kubota, Yumi Okada
Dirección Artística: Hiromi Nozawa
Maquillaje: Akiteru Nakada
FX: Takakimi Hashimoto, Fumie lida
Efectos Visuales: Kazihiro Nishio, Masaru Tateishi
País: Japón
Duración: 85m.
Formato: 35mm.
Presupuesto: $120.000
Color

Ficha Artística
Shinobu Terajima, Keigo Kasuya, Emi Masuda, Sabu Kawahara, Maki Ishikawa, Gô Jibiki, Arata, Katsuyuki Shinohara, Daisuke lijima, Ichirô Ogura, Sanshirô Kobayashi, Mariko Terada, Ken Furusawa, Shima Ônishi