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Tu Web del Cine de Terror

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2/27/2017

Jesus Marti

'Deep Shock', el nuevo cortometraje de Davide Melini

Deep Shock, el nuevo trabajo de Davide Melini

'Deep Shock', rinde homenaje al 'Giallo Italiano'

Hace unos meses os presentábamos un cortometraje escrito y dirigido por Davide Melini titulado 'Lion', hoy hemos recibido la información de un nuevo trabajo de este cineasta que se estrenara durante el 2017 y que lleva por título 'Deep Shock', este nuevo proyecto pretende rendir homenaje al 'Giallo Italiano', inspirándose en las películas de dos de los más famosos directores de este género: Mario Bava y Dario Argento.
El argumento es el siguiente: Sarah no consigue superar del todo las muertes de su abuelo y de su hermana mayor. El trauma y la falta de sueño la hacen adentrarse en un extraño viaje de apariciones y asesinatos provocados, aparentemente, por su mente...
Si queréis más información sobre este proyecto os dejo a continuación unos links:
También os incluyo poster, ficha técnica y artística y el teaser trailer.
Por hoy nada más, que tengáis un buen lunes amigos/as de El Terror Tiene Forma.


FICHA TÉCNICA
Título: DEEP SHOCK (2017 / UK /Color)
Director: Davide Melini      
Productores: Luca Vannella, Alexis Continente, Vincenzo Mastrantonio, Bobby Holland, Ferdinando Merolla, Roberto Paglialunga.
Productora Ejecutiva: Fabel Aguilera
Jefe de Producción: Pablo Lavado
Guión: Davide Melini
Casting: Carlos Bahos
Vestuario: Patricia Gabas
Fotografía: Juanma Postigo
Dirección Artística: Carlos Borja Luise, Carlos Javier López.
Música: Giulio De Gaetano
Sonido: Christian Valente
Efectos Especiales: Sarah McCarthy
      
FICHA ARTÍSTICA
Muireann Bird, Francesc Pagès, George Bracebridge, Lorna Larkin, Erica Prior, Luis Fernández de Eribe.

2/24/2017

Jesus Marti

DARK WATERS (1993)

Dark Waters 1933 / DVD

"Dark Waters recoge a la perfección la esencia del maestro de Providence"


Hoy recuperamos (corregido y aumentado) un artículo publicado en el año 2013, en estas mismas páginas, que recupera una de las películas que más y mejor ha sabido dar forma a la mitología y esencia de H.P. Lovecraft: Dark Waters.
Hay algunas películas que son (o se han convertido) en células aisladas dentro de los géneros o subgéneros del fantástico, son películas especiales que proponen visiones no comunes dentro de los parámetros habituales, son películas llamadas a ser, con el paso del tiempo, obras de culto referenciales, son películas, en definitiva, arriesgadas que nos regalan muchas cosas y que quizás por ese motivo permanecen condenadas al ostracismo más injusto. Dark Waters es una de ellas.
Este film estaba arrinconado en mi mente, tenía un gran recuerdo de él, pero un cierto resquemor me impedía volverlo a visionar, temiendo un envejecimiento sustancial de la obra y por lo tanto una decepción en toda regla. Pero el otro día, gracias a un comentario en fc, me entró curiosidad,  y dejando de lado mis aprensiones iniciales me dispuse a visionarla de nuevo. La sorpresa fue mayúscula, la película conservaba íntegra su capacidad de aterrorizar, todas sus virtudes y sus defectos, que los tiene, seguían plenamente vigentes, por lo tanto no podía dejar pasar la oportunidad de hacer un post sobre ella.   
La película fue una coproducción italo-rusa-británica estrenada en el año 1993, fue rodada en Odessa (las escenas de las catacumbas), la península de Crimea y Kiev; y es el primer y único largometraje, por el momento, de Mariano Baino. Dark Waters es una de las mejores películas que se estrenaron en los años noventa; fue una apuesta innovadora y no demasiado entendida por el público (sus problemas en la distribución, tampoco la ayudaron mucho que digamos), que se nutre de variadas influencias para crear un universo muy personal y rico. Es considerada, por muchos aficionados, una de las películas que más y mejor se ha acercado a la mitología Lovecraftiana, yo creo que es cierto, las imágenes y la atmósfera que posee son espectaculares y recogen a la perfección la esencia del maestro de Providence; el film teje una espesa madeja alrededor de un típico personaje que podría haber surgido de la imaginación del escritor: Elizabeth recibe una extraña carta que la impulsa a viajar hacia una remota región, una vez allí, descubre que se encuentra en un tétrico pueblecito costero habitado por peculiares lugareños, su destino es un apartado monasterio (situado en una isla) en el cual unas extrañas monjas realizan ritos paganos y esconden un terrible secreto, relacionado con un medallón y una deidad monstruosa que parece surgida directamente de los Mitos de Cthulhu; como podéis comprobar todo parece inspirado en el relato La sombra sobre Insmouth y no vais desencaminados. Pero no solo Lovecraft está presente, ecos de Hodgson y algunos destellos de Poe también son detectables en la obra; todo ello es combinado por Baino con múltiples referencias al fantástico con denominación de origen italiano, la fotografía de Mario Bava, el estilismo del primer Argento o la agresividad de Fulci son perfectamente asimilados y llevados a la pantalla, una perfecta alquimia cinematográfica que funciona con la precisión de un  metrónomo. 
Dark Waters 1993
Se entiende por lo tanto que la realización está calculada hasta el último detalle, el film basa todo su poder en los elementos visuales, sonoros y en la creación, por encima de otras consideraciones, de una atmósfera densa y escalofriante, en este escenario, sin duda, el film es una orgía para los sentidos; Baino no pretende ofrecer una historia ordenada y coherente, prefiere recrearse en los aspectos más oníricos para transportar al espectador al interior de una pesadilla. Diferentes elementos son utilizados para conseguir esa sensación de irrealidad, tenemos una iluminación mortecina que alimenta unas imágenes barrocas, donde las sombras tienen tanta presencia e importancia como los mismos actores, tenemos la utilización de velas para amplificar la sensación de desasosiego, el fuego es utilizado constantemente para destacar y recordar su poder tanto de destrucción como de redención, la lluvia (elemento constante durante todo el metraje) crea un manto tétrico para el desarrollo de los acontecimientos; unido a estos elementos visuales el director también juega con los efectos de sonido, el ruido de las olas rompiendo contra los acantilados es constante y sumamente amenazador, una cacofonía de  gruñidos, chillidos y ruidos varios acompañan buena parte del metraje, acrecentado la sensación de angustia y desorientación, en fin un compendio de elementos que crean el vehículo perfecto para desarrollar una atmósfera, unas sensaciones y unas situaciones muy concretas, que rodean al espectador, lo desorientan y lo hunden en un círculo de horror sin final. 
Dark Waters 1993
Todo lo explicado crea el núcleo principal de la película, sumado a estos elementos  tenemos un argumento fragmentado y no del todo bien explicado, unos personajes ominosos pero no tratados con demasiada profundidad, una comunidad cerrada en sí misma y muy perturbadora, alguna secuencia gore y poco más. Es por lo tanto necesario decir que no es una película fácil para el espectador, tiene tantos detractores como defensores, con un ritmo muy lento y un argumento bastante incoherente, es necesario dejarse imbuir por la majestuosidad de sus imágenes si se quiere disfrutar de la misma, si se consigue, el camino a recorrer está plagado de ambientes oscuros donde el terror se destila lentamente y el horror se arrastra silencioso pero siempre presente. 
Es para mí, como conclusión del artículo, una brillante joya de horror visual, un crisol de imágenes y sensaciones que explota en mil fragmentos delante de los ojos, logrando que su perturbador efecto sea más duradero de lo esperado.
Hasta mañana amigos/as de El Terror Tiene Forma   

Ficha Técnica
Año: 1993 / Director: Mariano Baino / Productor: Victor Zuev, Paul Azov, Andy Bark, Nigel Dali, Svetlana Polyarush, Igor Trimasov / Guión: Mariano Baino, Andy Bark / Fotografía: Alex Howe / Música: Igor Clark / Diseño de Producción: Ivan Pulenko / Decorados: Nadezhda Lyubarskaya, Tanya Tokareva / Maquillaje: Mariano Baino, Hayden Hewitt, Lyudmila Kubalskaya / FX: Richard Field, David Mundin / País: Rusia, Italia, UK / Duración: m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Color / Títulos alternativos: Dead Waters (USA), Temnye Vody (Rusia)
Ficha Artística
Louise Salter, Venera Simmons, Mariya Kapnist, Lubov Snegur, Alvina Skarga, Valeriy Bassel, Pavel Sokolov, Anna Rose Phipps, Tanya Dobrovolskaya, Valeriy Kopaev, Ludmila Marufova, Kristina Spivak, Nadezhda Trimasova, Georgi Drozd, Sergey Rugens.   


2/22/2017

Jesus Marti

Novedades Marzo 2017 / Norma Editorial



Metallica: Back to the front

METALLICA: BACK TO THE FRONT. LA HISTORIA VISUAL AUTORIZADA DEL ÁLBUM Y LA GIRA MASTER OF PUPPETS


REVIVE LA ETAPA CRUCIAL DE METALLICA EN UNA DETALLADA HISTORIA LLENA DE FOTOGRAFÍAS Y DOCUMENTOS INÉDITOS


El 3 de marzo de 1986 salió a la venta el álbum de Metallica Master of Puppets, convirtiéndose inmediatamente en un clásico y presentando a la banda como la voz del rock más electrizante del momento. Treinta años y seis veces disco de platino después, el álbum es considerado el punto álgido de la increíble carrera de Metallica. Las canciones “Battery”, “Welcome Home (Sanitarium)”, y la que da título al álbum, “Master of Puppets”, siguen siendo himnos irremplazables en sus conciertos multitudinarios. Por desgracia, este periodo de gran éxito para Metallica terminó con una tragedia que sacudió los cimientos de la banda: la muerte del bajista Cliff Burton en un accidente de autocar el 27 de Septiembre de 1986.

Por primera vez, en Metallica: Back to the Front se narra la historia autorizada de la creación del álbum Master of Puppets y el tour posterior. Incluyendo entrevistas nuevas y exclusivas con los miembros de la banda James Hetfield, Lars Ulrich y Kirk Hammet, esta es la crónica definitiva del periodo más venerado de la historia de Metallica, desde el éxito de la gira como teloneros de Ozzy Osbourne hasta la tragedia de la pérdida de un miembro clave de la banda y crucial para el sonido de Metallica. Metallica: Back to the Front también incluye entrevistas con otras figuras importantes de la historia de la banda, incluidos los mánagers Cliff Burnstein y Peter Mensch, el guitarrista de Faith No More Jim Martin, los miembros de Anthrax Scott Ian y Charlie Benante, y fans de la banda de todo el mundo.

Lleno de fotografías inéditas de la colección personal de la banda y de fans de Metallica, este volumen de lujo combina una detallada crónica con imágenes espectaculares para sumergirse en este periodo decisivo de la banda como nunca antes.

2/20/2017

Jesus Marti

TerrorMolins 2017 - Primeras noticias

Michael Haneke es el protagonista de Terrormolins 2017

TERRORMOLINS 2017: del 10 al 19 de Noviembre.

 HANEKE OR THE EDGE OF HORROR

“Debemos agradecer a Michael Haneke la capacidad malsana para reinventar el género de terror, por haber cruzado las fronteras de la moralidad, por explorar los territorios más oscuros que genera esta sociedad enfermiza y sin esperanzas a partir de unas propuestas que combinan cine de calidad extrema y las más profundes reflexiones sobre el comportamiento desequilibrado y monstruoso del ser humano. Este año, el director franco-austríaco de las dos versiones de “Funny Games”, “El vídeo de Benny”, “Caché” o “Amor” celebra el 75º aniversario, una efeméride que no podíamos dejar de lado desde el TerrorMolins, el festival que, en esta edición se preguntará, más que nunca, dónde está el límite del terror y hasta dónde puede llegar el comportamiento cotidiano de las personas cuando la perturbación se apodera de su alma. Bienvenidos al mundo trastornado e irresistible del gran Michael Haneke.”
Albert Galera. Director Artístico Festival de Cine de Terror de Molins de Rei.

Si el año pasado dedicamos el certamen a las mutaciones, tras haberlo dedicado a las fobias en 2015, este año nuestro leitmotiv lleva por título “Haneke or the edge of horror”. Una clara intención de explorar los límites del cine de terror que año tras año expande y reformula las normas del género.
Poco hay más personal que valorar la sensación de miedo que sufre, o disfruta, cada espectador al ver una u otra película. Ya sean filmes oficialmente etiquetados como thriller, suspense, intriga, policíacos o puramente de terror, cada espectador los vive de forma única por su personalidad, estado de ánimo y receptividad del momento, y sólo él mismo puede decidir si ha sentido miedo en algún momento, plano o escena. De ahí que sea tan difícil establecer un criterio general que consiga delimitar lo que es el terror.
También las propias experiencias personales pueden provocarnos sensaciones de auténtico terror al evocarnos una película el recuerdo de un momento, vivencia o situación concretos. Por eso todo fanático del género que nos entusiasma, el terror, habrá sin duda alguna vez reflexionado sobre qué está considerado terror y qué no, es decir, sobre los límites del género. Ante todo amamos el cine de terror y este es un debate que nos resulta apasionante.
Os invitamos este año a explorar este polémico concepto con nosotros y contamos con todos vosotros para debatir, comentar, conversar y opinar sobre el leitmotiv de la edición del TerrorMolins 2017: the edge of horror.

2/19/2017

Jesus Marti

The Void - Trailer (2017)

The Void, uno de los carteles de la película

"The Void es una película aterradora que no disimula para nada que es un homenaje al cine de terror moderno"

The Void pudo verse en nuestro país en el pasado Festival de Sitges teniendo una respuesta por parte del público un tanto irregular, en estos últimos días se ha confirmado su estreno para los meses de marzo y abril (el 31 de marzo en UK y el 7 de abril en USA), por el momento no se tienen noticias de una distribución más amplia, por lo que (como siempre) en España deberemos cruzar los dedos.
Supongo que muchos ya conoceréis su argumento, pero por si acaso lo incluyo a continuación:
Durante una patrulla el agente Daniel Carter encuentra a una joven cojeando por la carretera empapada de sangre y decide llevarla a un hospital cercano; una vez dentro se da cuenta de que a escogido el peor momento y el peor lugar, ya que el hospital es rodeado por unos encapuchados con túnicas que hacen imposible salir del mismo, paralelamente dentro del recinto el personal y los pacientes parecen estar transformándose en algo inhumano. La situación cada vez es más peligrosa, por lo que el agente decide reunir a los supervivientes e iniciar un terrorífico viaje al subterráneo del hospital, intentado poner fin a la pesadilla que los rodea.
La película ha sido escrita y dirigida por Jeremy Gillespie y Steven Kostanski, dos hombres bastante conocidos e involucrados en muchas películas relacionadas con el género fantástico.
The Void es una película aterradora que no disimula para nada que es un homenaje al cine de terror moderno surgido en la década de los '70 y, por supuesto, a los efectos especiales más artesanales que los llenaban de sangre y monstruos absolutamente delirantes, es por lo tanto un film que bebe del horror cósmico ideado por el genial Lovecraft combinándolo con la atmosfera y contundencia de Clive Barker, en el film podemos detectar guiños o homenajes por todo su metraje, de esta manera películas como La Cosa (The Thing , 1982) de John Carpenter o Hellraiser (1987) de Clive Barker (entre otras) son perfectamente reconocibles para el aficionado.
Yo no tuve ocasión de visionarla en Sitges, pero leyendo las críticas que pueblan la red y viendo los dos tráilers que os pongo a continuación la verdad es que me han entrado unas ganas horribles de verla.
Os dejo un link a la página oficial de la película: https://thevoidmovie.squarespace.com/
Por hoy nada más, pasad un buen domingo y prepararos para el terrible lunes, Saludos!!!      

FICHA TÉCNICA
Título: THE VOID (2016 / Canadá / 90' / Color)
Director: Jeremy Gillespie / Steven Kostanski
Segunda Unidad: Stephen Clarke, Ryan D. Walker, Aurèle Gaudet
Productor: Jonathan Bronfman, Casey Walker, Todd Brown, David Watson
Guión: Jeremy Gillespie / Steven Kostanski
Edición: Cam McLauchlin
Fotografía: Samy Inayeh
Diseño de Producción: Henry Fong
Diseño de Vestuario: Tisha Myles
Música: Blitz //Berlin, Joseph Murray, Menalon Music, Lodewijk Vos
FX: Stefano Beninati
Maquillaje: Patrick Baxter, Nicola Bendrey, Jeff Derushie, Chantal Gravel, Zane Knisely, Sean Sansom, Michael J. Walsh
Efectos Visuales:  Joel Chambers, Drake Conrad, Peter Braeley, Geoff D.E. Scott, Che Spencer, Matthew Steeves, Kelly Knauff, Kaiser Thomas, Perunika Yorgova, Michael Zemaitis,  
      
FICHA ARTÍSTICA
Ellen Wong, Kenneth Welsh, Kathleen Munroe, Stephanie Belding, Aaron Poole, Evan Stern, Amy Groening, Art Hindle, Daniel Fathers, Trish Rainone, Mik Byskov, Grace Munro, Dennis Nicomede, Keith Bowser, James Millington, David Scott, Mark Fisher, Jason Detheridge, Janine Davies. 
     

2/16/2017

Jesus Marti

La Llamada (1965)


La Llamada de Javier Setó / Poster

"La Llamada es una película maldita, que debería ser sacada del ostracismo en el cual está sumergida..."

Como esta semana voy muy liado con otros temas, he decidido recuperar un post publicado en el año 2012, por supuesto lo he actualizado y puesto al día. Espero que os guste.
Hoy traigo a El Terror Tiene Forma una de esas películas que goza de mucho culto pero que muy poca gente a podido ver; en los años sesenta España no puede decirse que fuera terreno abonado para las producciones de genero fantástico y de terror, sin embargo un puñado de obras pueden considerarse como las precursoras que propiciaron la explosión de este género en los setenta. Películas como Gritos en la Noche (1961) de Jesús Franco, El Sonido de la Muerte (1965) de José Antonio Nieves Conde, La Marca del Hombre Lobo (1968) de Enrique López Eguiluz o Malenka (1969) de Amando de Ossorio entre otras, habían plantado la semilla del fantástico en nuestro país, en medio de ellas, como quien no quiere la cosa, y sin hacer demasiado ruido nos encontramos con el film protagonista del post de hoy: La Llamada (1965) del director catalán Javier Setó; este realizador era un modesto artesano del cine no  vinculado al género que tanto nos gusta, que cuenta en su filmografía con películas como La Saeta Rubia (1956) o Pan, Amor y… Andalucía (1958), con lo que ya os podéis hacer una idea bastante exacta de cómo se ganaba el pan nuestro hombre. Por este motivo es fascinante la singularidad dentro de su carrera de una película como La Llamada, que es sin duda el proyecto más personal del realizador; el film es una historia de amor al uso con gotas de drama dentro de un contexto sobrenatural y fantasmagórico, que la dotan de entidad propia y la desmarcan del resto de trabajos del director.
Los protagonistas de La Llamada 1965
Vamos con la sinopsis: Pablo (Emilio Gutiérrez Caba) es un joven universitario perdidamente enamorado de Dominique (Dyanik Zurakowska). La chica debe volver a su país (es de origen francés) para pasar las vacaciones de Navidad con su familia, así que la pareja se separa prometiendo reencontrarse una semana después. El avión que transporta a la chica tiene un accidente y mueren la mayor parte de sus ocupantes. Pablo, loco de dolor, intenta por todos los medios averiguar si Dominique se encuentra entre los supervivientes, pero todo señala que ha fallecido en el mismo. Sin embargo unos días después recibe una llamada de la chica asegurándole que se encuentra bien y que dentro de pocos días irá a visitarlo a Madrid. A partir de ese momento extraños acontecimientos rodearán a la pareja, ya que Dominique no parece ser la misma.
Como es obvio la historia gira en torno al amor de la pareja de marras y es justo advertir que los primeros veinte minutos (más o menos) de la película son bastante lentos o intrascendentes, pues se limitan a enseñarnos lo felices que son y lo bien que se lo pasan, a partir de la mitad del film la cosa se va animando paulatinamente, conforme los elementos sobrenaturales van tomando fuerza y peso en la historia, hasta desembocar en un final gótico, barroco y trágico a partes iguales.
Secuencia de La Llamada 1965
El film está rodado en un sobrio blanco y negro, con un estilo muy correcto y funcional que demuestra el dominio de la técnica narrativa de Javier Setó, este estilo es parte importante dentro de la funcionalidad del film, pues aúna elementos y/o técnicas dispares que transmiten la esencia necesaria para que el film funcione correctamente; es conveniente resaltar que tanto las partes más “terroríficas” como las más anodinas, están impregnadas de un aura de irrealidad fría, húmeda, que anticipan y consolidan constantemente el desenlace de la obra, advirtiendo que todo (o nada) de lo que estamos viendo está sucediendo, pues se juega tanto con los elementos sobrenaturales como con la posible locura del protagonista, con lo cual el desarrollo del argumento es bastante creíble. Esta característica es primordial a la hora de afrontar la película, yo personalmente me la tomo como una ensoñación, como un grito desesperado por aquello que se ha perdido, como la búsqueda de algo (la imaginación, el amor, la inocencia…) que se escurre entre los dedos de la realidad y nos deja solos y postrados; es una visión muy personal, ya lo se, pero prefiero esta idea antes que aferrarme a un elemento más, digamos, sobrenatural, pues si tengo que juzgar el film por su presumible inclusión dentro del género fantástico más puro, entonces la película pierde algunos puntos de interés, considero que los resortes sobrenaturales no están bien llevados y adolecen del ritmo necesario siendo más bien una excusa antes que un vehículo, para hilvanar el global del film.
Secuencia de La Llamada 1965
En cuanto a la labor interpretativa todos están más que correctos, pero no me resisto a señalar la fría belleza de Dyanik, que ofrece un registro muy acorde con la historia y la aparición del gran Víctor Israel, sublime en su pequeña aparición en pantalla.
La Llamada es una película maldita, que debería ser sacada del ostracismo en el cual está sumergida, no es perfecta pero no deja de ser una brillante perla de nuestro cine y, aunque parezca mentira, anticipa algunas situaciones y secuencias (el momento que todo queda en silencio alrededor del protagonista) que posteriormente se utilizarían mucho en nuestro cine fantástico.
Bueno amigos/as, por hoy ya es suficiente.
Saludos!!!

Ficha Técnica
Año: 1965 / Director: Javier Setó / Productora: Hermic Films SA / Guión: Javier Setó, Paulino Rodrigo Díaz / Fotografía: Francisco Sánchez / Música: Gregorio García Segura / Maquillaje: Regina Ortiz, Adolfo Ponte / FX: Luis Castro / País: España / Duración: 88m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.33: 1 / B/N
Ficha Artística
Emilio Gutiérrez Caba, Carlos Lemos, Dyanik Zurakowska, Paco Morán, Tota Alba, Víctor Israel, Jorge Alsina, Ana Godoy, Sun De Sanders, Daniel Blum. 




2/14/2017

Jesus Marti

Famosos Monsters del Cine Nº2

Famosos 'Monsters' del Cine Nº2 / Portada

"Famosos 'Monsters' del Cine, una revista mítica para el cine de terror"


Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma, hoy continuamos con la publicación correlativa de los 24 números editados en nuestro país de la revista Famosos 'Monsters' del Cine, ya comente que el objetivo era hacer un directorio con todos los contenidos publicados en esta importante publicación por lo tanto, y sin más dilación, vamos con el número 2.

Famosos 'Monsters' del Cine Nº2
Fecha de Publicación: Mayo 1975
Precio: 40 pesetas
68 páginas

Contenido
Cubierta / Portada (Christopher Lee por Basil Gogos)
Contra Cubierta y cubierta 3: Galería de Monstruos: El Roc / Texto y Ilustraciones / Ilustraciones a cargo de Auraleón. 
Sumario
Pag. 3: Sumario y Créditos
Pag. 4: Los monstruos no son malos para mis hijos (Adaptación de un artículo de la revista americana)
Pag. 11: La noche de los mil gatos (Reportaje dedicado a esta película)
Pag. 16: Rick Baker, creador de monstruos (Reportaje sobre este excelente maquillador)
Pag. 22: El hombre proyectado  (Reportaje dedicado a esta película)
Pag. 30: Publicidad Dossier Negro
Pag. 31: El Caso de M. Valdemar (Adaptación de un relato de Edgar Allan Poe / Guión: Rich Margopoulos - Dibujos: Isidro Monés)
Pag. 39: El Monstruo que desafió al mundo (Reportaje dedicado a esta película)
Pag. 48: Viaje Alucinante (Reportaje dedicado a esta película)
Pag. 52: Exorcismo (Artículo de Luis Vigil sobre esta película de Paul Naschy)
Pag. 57: Muñeco de Nieve (relato de Luis Vigil ilustrado por Ramón Torrents)
Pag. 60: Cartas al Monsterman (Correo de los lectores a cargo de Luis Vigil)
Pag. 62: El vampiro y la bailarina (Reportaje dedicado a esta película)
Contra Portada (Mr. Hyde por Alfons Figueras)

Mr. Hyde / Alfons Figueras

2/12/2017

Jesus Marti

La mujer pantera / Cat people (1942)

Cat People / La Mujer Pantera Poster

 Cat People es una obra artesanal que multiplica su desasosegante mensaje a cada nuevo visionado.

Jacques Tourneur era un maestro en aplicar en sus películas esa máxima que proclama “sugerir antes que mostrar”, no es fácil en ninguna disciplina artística acogerse a esa sentencia, pero en el mundo cinematográfico aplicarla con éxito se convierte, muchas veces, en una misión imposible. Muchos elementos tienen que conjuntarse para lograr crear una obra de estas características; el guión, la fotografía, la banda sonora y, por supuesto, los actores, tienen que crear la esencia necesaria para producir esa sensación, pero eso no basta, por encima de ellos tiene que existir un coordinador, alguien con una sensibilidad especial, que de a todos esos elementos la importancia necesaria y los junte entre sí con el especial pegamento de la fantasía. Pero no podemos dejar de mencionar uno de los elementos que tiene la influencia más importante en el desarrollo de películas en esta categoría: la precariedad de medios; en efecto, no disponer de un presupuesto holgado significa que no puedes mostrar explícitamente el monstruo de turno, significa que tienes que estrujarte las neuronas para buscar recursos que te permitan crear secuencias intensas sin necesidad de mucho dinero, y, sobre todo, la falta de dinero excita la imaginación, hábitat natural de la fantasía.
Simone Simon y Ken Smith en Cat People
La mujer pantera, reúne y magnifica lo anteriormente escrito, es una obra singular en su concepción, que vio la luz gracias a la predisposición de un joven productor (Val Lewton), un director en crecimiento (Jacques Tourneur), un equipo técnico escogido con mimo y un entorno predispuesto (la RKO), productora decidida a realizar películas baratas, no exentas de riesgo artístico, pero con clase y dinamismo. El film tuvo un presupuesto de 134.000$ y alcanzó en su estreno facturaciones muy abultadas, propiciando un puente de plata para seguir produciendo en esas coordenadas.
El argumento del film es bastante básico: Irena Dubrovna (Simone Simon) es una joven diseñadora de moda de origen serbio afincada en USA. Un día cuando Irena se encuentra en el zoológico de la ciudad, dibujando unos bocetos de una pantera negra enjaulada, conoce al joven Oliver Reed (Ken Smith), la atracción es mutua entre ellos, iniciando una relación amorosa que desemboca en matrimonio. Pero no todo es felicidad en la pareja, Irena, acosada por oscuros presagios, cree que en su interior habitan fuerzas oscuras y teme dar rienda suelta a su pasión, ya que según dice la leyenda, al dar rienda suelta a sus pasiones, puede convertirse en un felino, depredador y asesino, que de muerte a su amante. Oliver y sus amigos intentan ayudar a la joven a liberarse de sus temores, pero todo es inútil, su pasado revolotea con más fuerza que nunca y los presagios son cada vez más reales.
Los perturbadores dibujos de Irena (Simone Simon)
La película se inicia como una historia de amor al uso, pero Tourneur, poco a poco, se encarga de introducir elementos perturbadores, la lucha entre la racionalidad de Oliver y sus amigos contra la superstición y miedos ancestrales que dominan a Irena, es el eje de todo el film, alrededor de esta dicotomía lo sobrenatural vuela libre durante todo el metraje, siendo no obstante una libertad sugerida / susurrada que siempre deja el poso de la incertidumbre en el espectador, nunca se tiene plena seguridad en la existencia real de lo sobrenatural, siempre se dejan detalles que permiten pensar que el terror sólo anida en la mente de la mujer, que es una mera ilusión disfrazada de esquizofrenia. La pulsión sexual entre los dos protagonistas tiene mucha importancia en el desarrollo y desenlace de la historia, la imposibilidad de Irena de entregarse a su marido y consumar su unión, desemboca en situaciones tensas entre la pareja, los celos hacen acto de presencia, las emociones se desbocan, por lo tanto la parte de animal salvaje (real o imaginada) de la joven está a flor de piel, una situación de peligro constante que el realizador maneja con suave mano de hierro. 
Las múltiples lecturas que se pueden realizar del film, son variadas y a gusto del espectador, desde un análisis superficial de una historia con elementos sobrenaturales hasta disertaciones pseudo freudianas sobre el lesbianismo y la independencia de la mujer en contra del patriarcado masculino; sea cual sea la reacción que provoque su visionado, sólo prevalece una cosa, la increíble profundidad del filme, que como una superposición de cicatrices emocionales deja un poso indeleble en el inconsciente del aficionado, una sensación de caos controlado que adquiere visos de auténtica obra maestra del género.
En la parte técnica poco que decir, la dirección artística es impresionante, la labor de Albert S. Agostino y Walter E. Keller se complementa a la perfección con la fotografía de Nicholas Musuraca, la conjunción de ambos elementos da como resultado una película que, desde el contraste entre la luz y la oscuridad, multiplica exponencialmente el argumento expuesto, donde las sombras inquietantes y amenazadoras tienen vida propia, recordemos, como ejemplo, la persecución por las calles mal iluminadas donde la sombra esconde la esencia del mal o la memorable escena de la piscina que ha pasado a la historia del fantástico por méritos propios.
Los actores cumplen perfectamente, pero no puedo dejar de mencionar la interpretación de Simone Simon, esta actriz de origen francés no es una asidua del cine fantástico, pero su recreación de Irena es absolutamente magistral, sus rasgos ya de por sí felinos, son acentuados gracias a una fotografía que busca explotar esa peculiaridad, sus movimientos y sus reacciones sugieren la conducta de los felinos, siendo aprovechados por el realizador para crear tensión hasta en la secuencias más relajadas y normales, en definitiva La mujer pantera no sería lo mismo si no estuviera Simone en su piel, lo cual es decir mucho sobre el trabajo que realizó. 
Simone Simon en Cat People
En fin, La mujer pantera es una película que basa todo su potencial en lo que intuimos o imaginamos, una superficie aparentemente sosegada pero que alberga en su interior todos los temores primigenios que el ser humano esconde en su interior; elegante, sutil y poderosa, esta película es el compendio de lo mejor del cine de terror de esos años, una obra artesanal que multiplica su desasosegante mensaje a cada nuevo visionado y que es referencia ineludible para cualquier aficionado al género.
La película tuvo una secuela en el año 1944 titulada La maldición de la mujer pantera (The curse of the cat people), fue dirigida por Robert Wise, Simone Simon, Ken Smith y Jane Randolph vuelven a repetir en sus papeles, bueno Simone hace de fantasma de Irena. La película resultante es  harina de otro costal y ya le dedicaremos un artículo específico algún día. En el año 1982, Paul Schrader realizó un remake del film original titulado en España como El beso de la mujer pantera (Cat people). Sus intérpretes principales fueron Nastassja Kinski y Malcolm McDowell.
Bueno amigos/as, un saludo y hasta mañana.                   

Ficha Técnica
Año: 1942 / Director: Jacques Tourneur / Productor: Val Lewton / Guión: Dewitt Bodeen / Fotografía: Nicholas Musuraca / Música: Roy Webb / Dirección Artística: Albert S. Agostino, Walter E. Keller / FX: Vernon L. Walker / Efectos Visuales: Linwood G. Dunn / País: USA / Duración: 73 m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.37: 1 / B/N
Ficha Artística
Simone Simon, Kent Smith, Tom Conway, Jane Randolph, Jack Holt, Henrietta Burnside, Alec Craig, Eddie Dew, Donald Kerr, Alan Napier, Elizabeth Rusell, Stephen Soldi.



2/10/2017

Jesus Marti

Monstruo sin rostro / Fiend without a face (1958)

Fiend without a Face 1958 / Poster

"Fiend without a face, una gran película de Ciencia Ficción de serie B"

Bueno, hoy toca película de ciencia ficción de los años cincuenta; o sea militares cabezones, guerra fría, energía nuclear, científico inconsciente y, por supuesto, un curioso monstruo que ya es parte de la iconografía del cine realizado en esa década. La película en cuestión es Monstruo sin rostro (Fiend Without a face, 1958) y en ella se condensan todos los elementos antes citados en 75 minutos escasos (gran capacidad de síntesis, sin duda), que la convierten en una vorágine frenética que exuda ingenuidad y diversión a partes iguales. Poco más se le puede pedir a una producción que, siendo generosos, podemos incluirla dentro de la serie B más dicharachera pero también más recurrente, pues seamos sinceros, la película no se separa un ápice de los caminos marcados en multitud de ocasiones anteriormente. Sea como sea, este tipo de películas me encantan, la ingenuidad de sus planteamientos y teorías pseudo científicas siempre me producen un cosquilleo de complicidad, sus protagonistas de genuino cartón-piedra me resultan simpáticos y los monstruitos que hacen de las suyas durante el metraje me parecen absolutamente brillantes.
Secuencia de Fiend without a face (1958)
Me dejo de rollos, vamos por la película en sí; la semilla de Monstruo sin rostro se encuentra en el relato de Amelia Reynolds titulado The Thought Monster que fue publicado en la mítica revista Weird Tales en el año 1930; para su adaptación cinematográfica se encargó el libreto al guionista / director Herbert J. Leder cayendo la dirección en Arthur Crabtree, un director de fotografía reconvertido, a partir del año 1945, en director.  
un 'Vampiro del Cerebro' de la película 'Fiend without a face'
La sinopsis es la siguiente: en una base del ejército, situada en la frontera entre Canadá y Estados Unidos, se están realizando unas pruebas  con energía atómica, el objetivo es poner en marcha un radar que les permita descubrir e interceptar cualquier acto hostil que los soviéticos intenten llevar a cabo. Paralelamente, una serie de extrañas muertes asolan la región, los cuerpos aparecen con un rictus de horror en sus rostros y encima su cerebro y médula espinal han desaparecido. Los lugareños atribuyen las muertes a los experimentos que los militares están realizando en sus tierras; para intentar calmar los ánimos, se le encarga al mayor Jeff Cummings (Marshall Thompson) que dirija  una investigación. Pronto las pesquisas le conducen hasta el profesor Walgatte (Kynaston Reeves), un eminente científico que explora los poderes de la mente humana, y que ha buscado refugio en el pueblo para terminar su próximo libro. Las sospechas iniciales toman cuerpo, y la amenaza pronto toma un cariz muy peligroso.
Secuencia de Fiend without a face (1958)
Verdaderamente asombrosa es la capacidad de unir en un mismo guión elementos tan dispares como la telequinesia, la energía atómica, la Guerra Fría y una tibia crítica al estamento militar, pero no voy a entrar a valorar la calidad del guión (pues prácticamente es nula) y tampoco me apetece señalar las múltiples incoherencias o directamente demencias que se desprenden del visionado; es obvio que la película que tenemos delante es un producto pensado para entretener, y si de entretener va la cosa desde luego el film gana la partida. De todas maneras es conveniente mencionar, en contra de lo que se ha escrito muchas veces, que la película no es una obra llana como un desierto; el film tiene buenos momentos de tensión, sobre todo en la primera parte del film, cuando los monstruos todavía son invisibles y la única señal de su presencia es una especie de ruido amenazador. El desarrollo posterior de la trama, la increíble y absurda explicación de cómo han surgido los bichos y el desenlace final no quita ni da nada a la película, siendo preferible pasar de puntillas sobre el tema y dedicarse a disfrutar de los bichejos (en la peli llamados vampiros de cerebros, jejeje), que ahora sí, podemos ver y apreciar en toda su gloriosa y repugnante extensión, ya que el aspecto visual es delirante y al mismo tiempo innovador, pues ver a un cerebro con su espina dorsal correspondiente, con dos antenitas y alguna patita dar saltos por esos campos de dios en busca de víctimas propiciatorias es, como mínimo, extasiante en su alucinante concepción. Por supuesto estos momentos finales son los más recordados por el aficionado, y los culpables del semi culto que esta película ha generado con el paso de los años, la verdad no me extraña nada. 
el ataque de un 'Vampiro del Cerebro' de la película 'Fiend without a face'
Teniendo en cuenta, el poco presupuesto, la labor de dirección (que tampoco es para tirar cohetes) y el montaje caótico y sin sentido de las secuencias, es sorprendente que el film pueda presumir de un ritmo vertiginoso que aleja el aburrimiento a base de situaciones previsibles pero efectivas. No es una película para diseccionar ni para analizar, no nos engañemos, no hay nada que analizar, por lo tanto es un festín divertido y muy digerible, que nos permite sentir una pequeña añoranza de esa década que producía películas con el simple deseo de entretener introduciendo, de paso, pequeñas e ingenuas críticas hacia el gobierno / ejercito y velados avisos sobre el uso y abuso de la energía atómica, explotando la paranoia que esos temas provocaba en los ciudadanos de a pie. También hay que resaltar el trabajo en los efectos visuales, un efectivo uso de la técnica llamada “stop motion”, que supongo en la época dejaría boquiabiertos a los espectadores. 
Secuencia de Fiend without a face (1958)
Un último comentario curioso, aunque parezca mentira vista actualmente, el film provocó bastante revuelo en su estreno, llegando a ser censuradas algunas de sus secuencias y recibiendo el certificado X gracias a la intervención del comité censor de Gran Bretaña. Cómo han cambiado los tiempos, bueno ahora que pienso tampoco tanto.
Saludos amigos/as de El Terror Tiene Forma, tened cuidado con ejercitar vuestros poderes telequinéticos, ya sabéis lo que puede pasar…
   
Ficha Técnica
Año: 1958 / Director: Arthur Crabtree / Productor: John Croydon, Richard Gordon, Ronald Kinnoch, Charles F. Vetter / Guión: Herbert J. Leder, Historia basada en el relato de Amelia Reynolds titulado “The Thought Monster” / Fotografía: Lionel Banes / Música: Buxton Orr / Departamento de arte: John Elphick / Maquillaje: Barbara Barnard, Jim Hydes / FX: Meter Neilson, Flo Nordhoff, Karl-Ludwig Ruppel / País: UK / Duración: 75m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.66: 1 / Blanco y negro
Ficha Artística
Marshall Thompson, Kim Parker, Kynaston Reeves, Stanley Maxted, Terry Kilburn, Robert MacKenzie, Peter Madden, James Dyrenforth, Gil Winfield, Michael Balfour, Launce Maraschal, Meadows White, E. Kerrigan Prescott, Lala Lloyd, Shane Cordell. Sin acreditar: Sheldon Allan, Alexander Archdale, Tom Watson.